EL ESPECTADOR venezolano

Regreso de "Novia en rojo"

2012-01-25T18:27:00.005-04:30

Luis Jesús González Cova

El jueves 26 de enero, en la sala de teatro 2 del Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos (Celarg),comenzó la segunda temporada de Novia en rojo, un monólogo original del periodista y dramaturgo E.A. Moreno-Uribe, montado en esta ocasión por el grupo Teatro del Baco, bajo la dirección de José Gregorio Cabello, Patiño, invitado especial del conjunto teatral Manatí.
En entrevista con el diario Correo del Orinoco, el director del montaje confirmó que Novia en rojo es una fábula basada en la historia de Esdras Parra (1930-2004), un periodista que desarrolló una importante carrera en el área cultural, se desempeño como funcionario en el antiguo Consejo Nacional de la Cultura (Conac) e incursionó en la literatura mediante poemas, cuentos y ensayos.
“Finalizando los años 70, este personaje se fue a Londres para someterse a una operación de cambio de sexo, o Reasignación Quirúrgica de Sexo (RQS), y regresó a Venezuela para continuar en su campo periodístico, dirigiendo revistas importantes acá en Caracas. Eso le permitió ir creciendo en su producción literaria, especialmente en su poesía de carácter intimista, donde reflejó ese rechazó que recibió como transexual, en momentos cuando no se hablaba de ese tema y, por el contrario, se reprimía y era considerado como una enfermedad”, recordó Cabello Patiño.
En Novia en rojo, Esdras Parra regresa de la muerte, convertida en el personaje Esdras Quinto, para exigir respeto como ser humano y estimular la lucha por la tolerancia, la inclusión y el derecho a dar y recibir amor. “Estoy muerto, pero vivo como un personaje teatral”, adelantó Cabello Patiño en relación con las primeras líneas del monólogo al cual describe como una obra densa, de un contenido fortísimo y un gran potencial para llamar a la reflexión.
”Toda obra de teatro da un aprendizaje. Acá estamos contribuyendo a esta lucha que se vive por el reconocimiento de los transexuales y la valoración humana de las personas que son diferentes…Todos y cada uno de los seres humanos tienen un valor y debe ser respectado como tal. Ese es nuestro grito y nuestro aporte, a través de esta obra de Moreno-Uribe”, explicó el director y también dramaturgo.
El conflicto de la obra, contó Cabello Patiño, radica en la soledad y el dolor que llevan al personaje a aferrarse a sus momentos de felicidad. Es en ese punto cuando se pone el vestido rojo de novia para revivir un amor intenso y fuera de lo convencional. “Entonces, en definitiva, esta pieza es una especie de ventana a la soledad de un personaje, es asomarse al momento y al tiempo que le tocó vivir a Esdras”, insiste el director.
No obstante, destaca que en ningún momento la historia es una apología al dolor. “Muy por el contrario, es un homenaje a este personaje y un grito de lucha por los ideales”.
Por exigencias del autor, el intérprete de esta obra es un hombre: el director del grupo Teatro del Baco, José Gregorio Becerra.
Cabello Patiño reveló que la construcción, tanto del personaje como la elaboración del montaje en si, fue una tarea minuciosa que duró unos tres meses, entre actor y director, con estrecha participación del autor. La mayor parte del tiempo se utilizó en el análisis exhaustivo del texto.
“Lo primero que hicimos fue entrarle con una violencia creativa a ese texto, aprovechando mi vinculación con la dramaturgia. Luego de ese análisis del texto, lo dividimos para que José Gregorio Becerra se lo aprendiera, en primer lugar, y en segundo lugar planificar como llevábamos a la acción todo eso, sin caer en el show banal y barato”, apuntó.
Luego de ese estudio, actor y director dividieron el texto en tres líneas fundamentales de trabajo: el personaje en sí, el aspecto documental testimonial y otro, que contiene lo que se dice del personaje”
“Fue un trabajo muy duro, porque queríamos colocar las palabras que tuvieran la fuerza adecuada, que cada verbo tuviera un énfasis necesario. Fueron tres meses en los que trabajamos prácticamente los siete días de la semana”.
Una trilogía por los marginados
La obra Novia en rojo es la primera de una trilogía en la que ha trabajado E.A. Moreno-Uribe sobre la marginación que sufre la comunidad GLBT (Gay, (Lesbianas, Bisexuales y Transexuales). La segunda tiene por titulo El fantasma de Bonnie, que fue estrenada durante la temporada del 2011 en Caracas por el grupo Veneteatro de Los Teques, dirigido por Dante Gil, mientras que la tercera, El carnaval de Marilyn, ya está siendo leída para sus montajes, tanto en Caracas como en Miami,
Novia en rojo fue estrenada por la agrupación argentina Teatro del Secadero, el 11 de septiembre de 2009, en la sala Diagonal de Mar del Plata. Ese montaje vino a Caracas y se mostró en Unearte y después hizo ocho funciones en Barcelona, Maturín Guanare, Barquisimeto y Barinas,
Durante el pasado Festival de Teatro de Caracas 2011, del 11 al 25 de noviembre, Novia en rojo fue estrenada por José Gregorio Cabello Patiño y José Gregorio Becerra. “Ni quisiera vimos el montaje argentino para no contaminarnos”, dice Cabello como aclaratoria.
Novia en rojo estará de jueves a domingo en el Celarg, del 26 de enero al 26 de febrero, en el mismo lugar. En marzo hará una temporada en la Casa del Artista.
El director también anticipó que hay propuestas para llevar el monólogo a dos festivales internacionales, uno en Colombia y otro en Argentina.

Esperando al FITC 2012

2012-01-21T19:54:00.002-04:30

El teatro venezolano es revolucionario. Sus dramaturgos, sus artistas y su oceánico público así lo han demostrado a lo largo de 200 años No es complaciente, ni frívolo, ni tampoco tarifado, ni servil; prefiere comerse las migajas del banquete antes que deshonrarse. Siempre ha estado en la acera del frente pero sin poner, jamás, en tela de juicio su amor patrio.
Por todo eso, el teatro venezolano tiene detractores y enemigos públicos y encubiertos que tratan de asfixiarlo, de matar de hambre a sus hacedores, de quitarle espacios, de desviarle los recursos del Tesoro Nacional que le pertenecen y que merece por ser una crítica manifestación cultural.
Hasta ahora, nadie ha podido hacer claudicar al teatro venezolano, ni tampoco desaparecerlo de los escenarios y la prueba más evidente es el caraqueño boom del mal llamado teatro comercial, lo cual ha servido para demostrar como sus creadores pueden sobrevivir gracias a su imaginación pero sin claudicar en su filosofía de denuncia contra las injusticias, contra los desatinos de los gobiernos y siempre en contra de las exclusiones.
DESDE 1973 A 2006
En medio de ese constante y sórdido panorama de incertidumbres y contradicciones para la sobrevivencia del arte escénico nacional, instituciones como el Ateneo caraqueño y la Fundación Rajatabla comenzaron en el año 1973 la empresa cultural de hacer, cada dos años, el Festival Internacional de Teatro de Caracas (FITC). Entre la presidenta María Teresa Castillo y el director Carlos Giménez –superando rémoras y las naturales debilidades de los caracteres humanos- se materializaron nueve eventos hasta 1992.Y después Carmen Ramia tomó la batuta que había llevado su suegra y liderizó los siete restantes, para un balance de 16 festivales al cerrar el 2006. ¡Tamaña proeza teatral en America…y es venezolana!
NUDO GORDIANO
Gracias a esos 16 FITC el teatro venezolano se repotenció: desde los espectadores, quienes conocieron así nuevas `propuestas estéticas y culturales, hasta los artistas y los autores que se enriquecieron intelectualmente.
Y es ahora, en este "año bisagra", que Carmen Ramia, apuntalada por Claudia Urdaneta y Héctor Manrique, han concertado el apoyo de la gente de Cultura Chacao, con Diana López a la cabeza, además del respaldo de las alcaldías de Sucre y Barata y de la Gobernación de Miranda, para disponerse a realizar la edición 17 del FITC 2012, del 29 de marzo al 8 de abril.
En cuanto a la infraestructura del 17FITC esta sería resuelta a partir de los teatros municipales de Chacao y de Petare (Cesar Rengifo), además de salas comerciales como Trasnocho, Escena 8, Luisela Díaz, Teatrex y Premium, sin descontar el conjunto teatral de BOD.Corpbanca.
Extraoficialmente, porque todo este proyecto se esta aún “cocinando", se sabe que diez grupos extranjeros alternarían con diez elencos o espectáculos venezolanos
Hay que recordar que los FITC se han detenido durante los últimos cinco años por diversos factores., pero el verdadero "Nudo Gordiano" que ha impedido la realización del 17 FITC12 es su financiamiento, el cual durante los 16 anteriores era cubierto en un 50 por ciento por el Estado venezolano, además de la utilización de buena parte de la importante infraestructura teatral municipal caraqueña, como el Teatro Teresa Carreño y las otras salas oficiales,
La decisión final de la subida del telón para el 17 FITC depende pues del pote financiero (en dólares o en euros) que logren los organizadores, ayudados, además, por las embajadas de los países participantes. ¿Quién le pone el cascabel al gato?
NEGOCIACIÓN URGENTE

¿Qué pasaría si los gobiernos de Caracas y del Distrito Capital invitan a Carmen Ramia a realizar el 17 FITC sin exclusión, como se hacia antes? Este pregunta la hacemos y su respuesta puede ser otro testimonio más para la historia del teatro venezolano o un puente para que todos los caraqueños disfruten de un evento monumental, el cual además estaría dedicado a la memoria de José Ignacio Cabrujas.
CARACAS 2012

Fundarte, el brazo cultural de la Alcaldía de Caracas y el Gobierno del Distrito Capital (Jorge Rodríguez y Jacqueline Farías), planificó y materializó una monumental muestra de teatro venezolano contemporáneo, ese que estaba en cartelera o en despensas de los teatreros. Fu así como se puso en marcha, bajo la egida de su presidente Freddy Ñañez, del 11 al 25 de noviembre, el Festival de Teatro Caracas 2011 (FTC 2011) con la intervención de 80 agrupaciones y sus 600 actores para realizar más de 160 funciones en 13 salas, ocho espacios públicos recuperados y 30 espacios comunitarios. Arrancó el FTC con Seguimos o paramos, espectacular montaje de sainetes venezolanos, que dirigió Ibrahim Guerra, y culminó con La cantata del rey Miguel, creada por Tomás Jurado Zavala y Carlos Arroyo con el Teatro Negro de Barlovento. Y hasta efectuó un homenaje al desaparecido transexual Esdras Parra con la presentación de nuestro monólogo Novia en rojo, en la Casa del Artista; ahora este espectáculo se repone del 26 de enero al 26 de febrero en el Celarg, dirigido por José Gregorio Cabello y encarnado por José Gregorio Becerra. El FTC (cobró 5 bolívares por cada boleto) convocó 70 mil espectadores en salas, 18 mil en la calle y 10 mil en las comunidades, 1200 en Unearte y 80 mil en Ciudad Teatro. Gracias, pues, al equipo organizador, el bálsamo teatral satisfizo a la comunidad. Para este “año bisagra” se repetirá el evento y ya estan organizando, previamente, el Circuito de Artes Escénicas, el cual permitirá el funcionamiento de los teatros Municipal, Nacional, El Principal, Cristo Rey, el de Catia y los espacios de Unearte con una programación constante gracias a los mejores espectáculos de las agrupaciones venezolanas seleccionadas. Así el público se redescubre y se alista para el evento mayor. En agosto o en noviembre (todavía no estan definidas las fechas) se realizará el FTC2012 y para eso trabajan Alfredo Caldera y su equipo desde la Dirección de Teatro de Fundarte. Hay, pues, teatro vivo en esta Venezuela que tímidamente avanza en la segunda década de la centuria XXI!

La revancha del teatro comercial

2012-01-21T19:51:00.001-04:30

El teatro comercial vive de la taquilla. La calidad de lo exhibido depende de los artistas o de los productores, quienes además deben atraer espectadores para contabilizar un ingreso generoso que beneficiará a todos.
La receta más aplicada en los teatros comerciales para agotar los boletos es la del rating, que es utilizar intérpretes destacados en la televisión o el cine quienes ahora deben convocar al público. Eso funciona en un elevado porcentaje y deja pingües ganancias, pero en ocasiones no sirve por no sé por qué razones o sin razones, tales como: “está fuera de pantalla”,”envejeció” o “ya no lo conoce nadie”.
Tal formula, que nació al calor del cine y se acentuó con el desarrollo de la plataforma audiovisual, repotenciada por la irrupción de la Web, da una pícara atmosfera de aventura al teatro comercial, porque pueden ganar millones o perder hasta la camisa o la blusa.
Pero en ocasiones, los teatros comerciales, en el caso venezolano, aceptan mostrar montajes sin aplicar la receta del rating, no se sabe si es para comprobar la efectividad de la misma o no depender siempre de los gustos o disgustos de comediantes afamados. Y ahí es cuando comienzan a correr las agujas del reloj de la fatalidad, las cuales indicarán, después de cuatro fines de semana, si al espectáculo de marras lo bajan de escena y montan otro con el susodicho rating, o prosigue en tal cacería de audiencia.
Y es por eso que el caraqueño Trasnocho Cultural ahora presenta Bolívar vs. San Martín/La revancha, cuyos actores Arnaldo Mendoza e Ignacio Márquez, profesionales, desconocidos porque no hacen televisión, caracterizan a los generales en el ring side de cualquier barriada latinoamericana, donde se entregan a un enfrentamiento boxístico.
Es un imaginario match entre el venezolano Bolívar y el argentino San Martín, creado a partir del encuentro que mantuvieron ambos Libertadores, entre el 24 y el 27 de julio de 1822, en Guayaquil, para discernir el futuro de sus incipientes repúblicas ante el acoso de los imperios del siglo XIX. Lo novedoso es como lo muestran: una divertida propuesta que se vale de la metáfora boxística, para representar el enfrentamiento de los militares en busca de la gloria, sin usar espadas ni cañones.
Esta propuesta, escrita, dirigida y actuada por Ignacio Márquez, se logra dentro de situaciones anacrónicas. Se materializa de manera lúdica, popular y no exenta de una pegajosa atmósfera desacralizadora con la pareja de guerreros suramericanos cruzando sus guantes cual curtidos boxeadores en un cuadrilátero, y cuyo ritmo lo determina el narrador y comentarista de la pelea para una radio alternativa que nadie sintoniza.
Arnaldo e Ignacio dan vida a Bolívar y San Martín, respectivamente, así como a diez personajes más que acompañan al Libertador y al Emancipador de América, tratando de dialogar y convencerse a punta de guantazos.
¿Podrán superar las 12 funciones que exige el Trasnocho Cultural para que sigan peleando esos héroes? Hay que esperar la decisión final del público. El riesgo luce interesante y puede, queremos nosotros, beneficiar a las nuevas generaciones de teatreros. Hay que esperar que aquel reloj marque el tiempo estipulado, y ojalá que gane el teatro de los venezolanos.

Romeo Costea cumple 90

2012-01-15T10:32:00.003-04:30

Nunca imaginó Romeo Costea que cumpliría 90 años en su apartamento de Caracas y en la compañía de su familia elegida. Llegó a La Guaira el 23 de diciembre de 1953 y se quedó, “creo que para siempre”, para apuntalar el desarrollo del teatro venezolano al formar actores, exhibir autores foráneos, como los indispensables franceses, y estrenar la ópera prima de Isaac Chocrón,ademas de formar espectadores.

Hace años nos contó que rezó dos veces, junto a su madre Caterina, una novena a San Antonio para rogar aunque fuese un sólo milagro: conseguir enrolarse en la tripulación de un barco y escapar así del naciente comunismo de Rumania, donde había nacido el 14 de enero de 1922, en Braila. Y el santo lo escuchó: fue aceptado para tareas muy específicas en el buque “Transilvania, pues hablaba muy bien el francés y el inglés, y logró así salir por el puerto de Constanza; atracó el 11 de julio de 1948 en Marsella. Desertó y el 14 de julio lo festejó en París.
En la Universidad de la Sorbona continuó sus estudios teatrales, iniciados en Bucarest; trabajó con Marcel Marceau y en la Comedia Francesa, para luego emprender, hacia 1950, una serie de giras internacionales. Eso mismo año fundó en “La Ciudad Luz” su propia agrupación y se presentó en el Theatre de Poche (Teatro de Bolsillo) hasta 1952; luego hizo lo mismo, en 1953, en el Theatre de la Huchette.
A raíz de una prolongada huelga obrera que lo dejó sin espacio teatral para exhibirse optó por venir a Caracas de vacaciones, invitado por unos familiares. Compró un boleto en el buque italiano “Auriga” y el 23 de diciembre de 1953 desembarcó en La Guaira para nunca más irse, aunque en septiembre de 1960 hizo una breve incursión por Nueva York y hasta logró montar la pieza, El año del censo (The Year of the Census) de John Hopper, para el Teatro La Mamma.
Costea se adaptó rápidamente a la vida caraqueña, tras aprender el castellano, y es en junio de 1955 cuando presenta, con el invalorable apoyo de la embajada de Francia por intermedio de su instituto cultural, al grupo Compás. Una institución que si ha dado el ejemplo de lo que es un incesante y atinado trabajo artístico, haciendo énfasis en la producción y exhibición, durante continuas temporadas, de los maestros del teatro francés, como Moliere, Marivaux, Cocteau y Musset; además de lo mas representativo de su vanguardia: Ionesco, Tardieu, Adamov y Westphal, entre otros. Como es obvio, incluyó una selección del teatro rumano, con Caragiale a la cabeza. También ha incluido en su producción escénica otros autores, como Cervantes, Casona, Pirandello, Mihura y por supuesto a lo más destacado de la dramaturgia venezolana, como Arturo Uslar Pietri, Alejandro Lasser, José Gabriel Núñez, Sergei Vintrin y Jean Zune. Lanzó, por así decirlo, a Isaac Chocrón, cuando le montó su ópera prima Mónica y el florentino, en 1959.
Romeo ha perdido un poco la cuenta de los montajes realizados y de esos largos 50 años de trabajo le queda, como testimonio irrebatible, una pared de su apartamento tapizada, por así decirlo, con una selección de los afiches de sus espectáculos. Cree que ha escenificado algo más de unas 104 piezas, sin contar las reposiciones.
Además de su dilatada actividad como director y maestro, Romeo ha sido actor para varias películas francesas rodadas aquí en Venezuela, así como también es uno de los intérpretes favoritos del cineasta Román Chalbaud, su amigo. Admite que uno de sus mejores roles fue en La gata borracha, aunque aparece en buena parte de la cinematografía del maestro merideño.
Eso por todo eso, además de haber sido profesor en la Escuela Nacional de Teatro, además de su inquebrantable amor y fe en Venezuela, que un idóneo jurado le concedió el Premio Nacional de Teatro en 1996.
Nacido en Europa
A Romeo no le gusta y hasta demuestra su abierto enojo cuando le recuerdan su origen europeo. Él insiste en que es un director venezolano y no rumano, pues “aquí llevo más de medio siglo y además ostento su máximo premio para los teatreros; creo que me merezco que no consideren más un director extranjero. De Rumania no tengo sino imborrables recuerdos, pero no poseo ningún documento, como célula ni pasaporte de mi país de origen. Soy un artista venezolano nacido en Europa, que ha realizado más de un centenar de montajes y numerosos programas para la televisión cuando estaba en su etapa inicial. También hay que aclararle a las nuevas generaciones que antes de la llegada de Alberto de Paz y Mateos y otros foráneos a Caracas, aquí sí había teatro de calidad y además los sainetes divertían a los venezolanos. Lo que ellos hicieron fue actualizar la cartelera y formar a nuevos comediantes, como yo también lo hice. Es mi historia, corroborada por otros premios y reconocimientos”.
Nunca se imaginó Romeo Costea lo que sería su vida ni que viajaría al continente americano para dejar una huella cultural en un país petrolero. Ese fue el otro milagro que le hizo San Antonio, pero ambos los ha disfrutado y ha sido feliz, a pesar de los humanos contratiempos con su salud.

Aplausos para Mimi y Luis

2012-01-14T20:22:00.002-04:30

Es una organización entregada a la creación y exhibición de espectáculos teatrales. Le ha ido muy bien con el público, lo cual ha significado óptimos ingresos de taquilla capaces de hacer crecer y apuntalar tan complicado oficio. Hablamos de la empresa cultural que liderizan los esposos y actores Mimi Lazo y Luis Fernández. Nos referimos a Lazo Producciones, la cual anuncia el estreno del espectáculo High, o Alto, para el próximo viernes, 20 de enero, en la sala Trasnocho Cultural, desde las 10 PM.
Luis Fernández, quien además de escritor es director, revela aquí algunos detalles de su organización:
-¿Cómo surge, desde cuándo y quiénes integran Lazo Producciones?
-Lazo Producciones comienza a formarse gradualmente a raíz del éxito del monólogo El aplauso va por dentro, de Mónica Montañés, estrenado hacia 1995 en el Ateneo de Caracas, bajo la dirección de Gerardo Blanco. Ese espectáculo, con años de éxito porque Mimi Lazo, emprendedora y ambiciosa, había tenido el tino de cuidarlo y trabajar su público, convocando audiencias disímiles y recorriendo salas en Venezuela, nos dio la plataforma para que en 2004 montáramos Jav y Jos de José Simón Escalona. Esa fue nuestra primera incursión como productores y tuvo éxito arrollador. En 2004 inventamos “el doble horario” en el Celarg cuando Mimi estrenó, junto a Héctor Manrique, No seré feliz pero tengo marido de Viviana Gómez Thorpe a las 8PM, y nosotros mostráramos Jav y Jos a las 10PM.
-Recuerdo que colapsamos el estacionamiento del Celarg y las colas daban la vuelta a la cuadra en ambos horarios. Esa fue una respuesta del público que nos dio la confianza para ir tomando más riesgos. Comenzamos, verdaderamente, cuando Mimi me preguntó qué quería hacer realmente, y me di cuenta gracias a ella que no podíamos sentarnos a esperar que otros nos llamaran para intervenir en sus proyectos, sino que teníamos que generarlos nosotros mismos. Empezamos Mimi y yo con nuestras ambiciones y riesgos y con el tiempo hemos ido convocando a otros a que se unan. Ha sido un camino muy gratificante del que me siento muy orgulloso y el cual continúa y se ramifica cada día. Me emociona ver que otros compañeros se han animado a crear sus propias productoras. Creo que la iniciativa, la ambición y el tino de Mimi no sólo me han influido a mí, es una fuerza que ha inspirado a nosotros a tomar las riendas de sus propios talentos y ponerlos a producir.
-¿Puede recordar los espectáculos montados y sus años de estreno y de permanencia en cartelera, además enumerar los premios merecidos?
-Después de Jav y Jos, Lazo Producciones estrenó La Cenicienta de Nathalia Martínez, ambicioso montaje infantil convocando estrellas de la TV que llenó la sala Anna Julia Rojas del antiguo Ateneo. Luego vino mi monólogo No eres tú, soy yo (ya en ruta hacia las 2 mil funciones) con el cual inventamos hacer del espacio del PH de CorpBanca un lugar alternativo para el teatro, idea de Mimi que hoy alberga incontables grupos y obras. En 2007 estrenamos, también en la sala Anna Julia Rojas, Golpes a mi puerta, de Juan Carlos Gené, con la cual representamos a Venezuela en el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, en 2008. Produjimos Infielmente tuyo de Neil Simon y Las quiero a las dos de Ricardo Talesnik, que presentamos en Nueva York y se hizo acreedora del Premio ACE a la mejor dirección, mejor actriz revelación, y el premio HOLA al mejor elenco y a la mejor dirección de una comedia. Vino, después, Allende, la muerte de un presidente de Rodolfo Quebleen y el ciclo de comedia Mujeres de cierta edad para lo que invitamos a Elba Escobar, Tania Sarabia y Mirtha Pérez, quienes se encontraron, informalmente, con el público con sus espectáculos interactivos: Ni doña ni doñita, Aquí es así y La Segundísima respectivamente. Continuamos con A 2.50 la cubalibre de Ibrahim Guerra, con la que nos propusimos fusionar la experiencia teatral con un bar, y lleva más de dos años ininterrumpidos de temporada y ahora continúa en 2012 en Capital Jazz, en el Tolón Mall. Con esta obra representamos a Venezuela de nuevo en el Festival de Bogotá y gracias a esa experiencia, que convocó público bogotano en masa, la coprodujimos con Alejandra Borrero en Colombia, donde estuvo por una año entero en temporada. Este año tenemos el estreno de High, o Alto, y planeamos mostrar nuevas comedias y un unipersonal nuevo de Mimi Lazo en el primer semestre de este año: La mujer del general.
-¿Hacia donde apunta Lazo Producciones?
-Nuestra empresa surgió de nuestras necesidades artísticas muy personales pero con el tiempo ha ido convocando no sólo a más de dos millones de espectadores sino a más de 70 trabajadores de la escena en todas las áreas. Creo que en tiempos de crisis hay que apostar con respuestas creativas y soluciones ingeniosas y hemos tenido algunos aciertos que nos permiten invitar a los mejores actores a que se unan a nuestros proyectos para comprobar que el público quiere ver a sus artistas en vivo y acude a nuestra invitación. Esperamos continuar creciendo y seguir convocando cada vez a más personas. Hace poco estaba haciendo No eres tú soy yo en Maracaibo y justo antes de salir a escena me di cuenta de que ese mismo día teníamos cinco obras distintas en cuatro teatros de cuatro ciudades del país y en el mismo momento estaban más de 70 personas trabajando en (o alrededor) del escenario para más de tres mil espectadores a raíz de una iniciativa muy sencilla que habíamos tenido unos años atrás. Llamé a Mimi para decírselo y nos dimos cuenta entonces de que no era poco lo que habíamos logrado, sobre todo en momentos exigentes. Sin embargo, no es nuestro estilo sentarnos a regodearnos en ello o vivir de logros pasados, la idea siempre es seguir adelante, seguir haciendo.
Sala propia
Luis Fernández admite que han tenido varias iniciativas para obtener una sala, “sin embargo no es fácil. Sueño con tener un espacio adecuado para nuestros espectáculos que no dependa de factores externos, una sala como la que construyó Fanny Mikey, en Bogotá, con el Teatro Nacional de la 72 o un espacio como la Casa Ensamble de Borrero en Bogotá, pero eso toma tiempo e inversión. Esperamos que se dé, pero por lo pronto seguimos trabajando en las salas de teatro que podamos acceder, en los bares que nos abran sus puertas y en cualquier otro sitio que podamos ganar para el teatro”.
Drogas y sexo
High, o Alto, del estadounidense Matthew Lombardo, es actuada por Carlota Sosa, Christian McGaffney y Luis Fernández, quien además dirige. Es la saga de un drogadicto, homosexual y chulo, que es atendido en un centro de recuperación por un sacerdote y una monja. Lo que pasa en la escena sucedió, en la vida real, y conmocionó a Estados Unidos de América. Ahora Caracas la verá y provocará reacciones, como es lógico.

Carlota Sosa es "monja malandra"

2012-01-14T20:16:00.001-04:30

Carlota Sosa lleva más de 30 años en los escenarios teatrales y en los sets de la televisión locales. Comenzó con La alondra de Jean Anouilh, dirigida por Javier Vidal, en la UCAB, y ahora, desde el próximo viernes 20, encarna a una monja malandra en la pieza Alto, o High, de Matthew Lombardo, al lado de Rafael Romero y Christian McGaffney, bajo la égida de Luis Fernández, en el Trasnocho Cultural.
En Alto, que es un drama realista donde un sacerdote y una religiosa tratan de salvar a un muchacho drogadicto, quien además es prostituto sexual en las calles de Caracas, Carlota se confronta con uno de los personajes más difíciles de su carrera artística, pues, se trata de darle carne, sangre y sentimientos a “una monja malandra, una monja con un pasado oscuro, pues fue alcohólica y vivió en las calles de Nueva York, entre otras cosas”.
Explica que Alto es una pieza dramática, estrenada el año pasado en Broadway, la cual fue traducida al castellano y adaptada al contexto venezolano gracias el trabajo combinado de Osvaldo Machado y todo el elenco. “Mi personaje tiene un pasado doloroso y hasta vivió un incidente familiar que la marcó, pero encontró en la religión y el perdón de Dios un camino para su redención, pero, como lo apreciaran los espectadores venezolanos, durante el transcurso de la obra afrontará tormentosas crisis o dudas de su fé o de su relación con Dios, especialmente, porque no encuentra el camino o no tiene la capacidad para recuperar al gay prostituto, o sea Andy el muchacho drogadicto que obviamente marcha hacia un obvio desenlace. Mi trabajo es muy emocionante, pero sumamente difícil para mí que he estado acostumbrada a trabajos duros, pero no como este; por lo que esta caracterización es más que un reto profesional y debo superarlo, como sea”.
Subraya que no es fácil encarnar a una monja malandra, con hábitos de religiosa, que habla rudamente y dice groserías todo el tiempo, “nada fácil, de verdad”. Además su religiosa es un ser humano con muy baja autoestima, una mujer que no se considera sin atractivos físicos, una mujer que siempre ha tenido relaciones conflictivas con los hombres; en fin: es una demonia en pos de su redención que se topa con un ángel de la calle, con un pobre chico dañado por las drogas y los abusos sexuales.
Tras enfatizar que es Alto es una pieza “muy dura y la cual hará reflexionar al público inteligente que la vea”, informó que Alto, “donde vemos a un sacerdote cobarde”, representará a Venezuela en el XIII Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá en 2012, el cual ha sobrevivido a la muerte de su fundadora Fanny Mikey, “donde haremos cinco funciones, durante el venidero mes de marzo en el teatro Gilberto Alzate Avendaño. Regresaremos y estaremos en temporada hasta el 20 de mayo”.
En televisión, Carlota Sosa encarna a una peculiar villana que además hace obras de caridad en la teleserie Válgame Dios, de Mónica Montañés, con la asesoría de Ángel del Cerro “pero no puedo contar nada, por ahora, porque estamos en proceso de grabación”.

Isaac Chocrón Serfaty revivido

2012-01-07T23:34:00.005-04:30

Mientras los recordemos y organicemos cómo invocarlos, ellos no estarán muertos. Revivirán y nos darán consuelo y hasta sabiduría para afrontar el duro camino de la vida. Eso fue lo que hicimos, el pasado 17 de diciembre, desde las ocho de la noche en la nueva sede del Ateneo de Caracas, junto a una veintena de amigos o miembros de la familia elegida del dramaturgo Isaac Chocrón Serfaty, fallecido el 6 de noviembre de 2011. Ahí, con Miriam Dembo, como sacerdotisa y con los actores Javier Vidal, Julie Restifo, Caridad Canelón y Moisés Guevara como oficiantes, se realizó una ceremonia In Memoriam la cual, a lo largo de 70 minutos, combinó la lectura de fragmentos de tres novelas y el segundo acto de la comedia Ok, para reiterar que el ausente seguía presente.
TRES RELATOS
Miriam Dembo recordó que cuando Isaac se encontraba ya muy enfermo, pero aún leía y estaba al tanto de lo que pasaba en este mundo, la directiva del Ateneo de Caracas les manifestó su deseo de rendirle un homenaje. A sabiendas de que el tiempo estaba en su contra, sugirieron un evento basado en la lectura dramatizada de algunas de sus obras y así lo convinieron. “Lamentablemente, la muerte se nos adelantó, dejándonos un gran vacío, pero no pudo aplacar nuestros deseos de rendirle homenaje y de recorrer pasajes de algunos de sus textos. Hemos incluido en las lecturas de esta noche, trozos de sus novelas y la segunda parte de una obra de teatro, seleccionando todo porque nacen de su fuero íntimo y su herencia ancestral, así como de sus vivencias de ciudadano de nuestro país y testigo de excepción de todo lo que ocurrió en el. Todo ello tratado con aguda mirada y, a menudo, mucho sentido del humor”.
Moisés Guevara inauguró el evento al leer “Maracay, mi pentimento”, primer capítulo de la autobiográfica novela El Vergel, publicada en 2005. Ese fragmento es una remembranza de cómo se inició todo, a las 7:30 AM del día 25 de septiembre de 1930, en Maracay, cuando emitiò su primer grito vital. Así se puso de manifiesto, de qué manera, para Isaac, vida y obra estában estrechamente entrelazadas. Escribir fue la razón fundamental de su vida y, a su vez, ésta, una de las principales fuentes de inspiración de su obra global.
Hay otra novela, Rómpase en caso de incendio, de Isaac, recordó Miriam Dembo, en la cual también habla de sus orígenes, refiriéndonos, en este caso, a sus raíces ancestrales. Buena parte de ese relato transcurre en Melilla, ciudad española del norte de África de donde es oriunda la familia Chocrón, al igual que muchas de las comunidades sefarditas actualmente radicadas en Caracas. Fue escrita y transcurre en la década de los 70, pero Melilla es una ciudad en la que nada debe haber cambiado desde hace varios cientos de años.
Rómpase en caso de incendio trata de un joven caraqueño, que ha sufrido la terrible desgracia de perder a su padre, su esposa y su hijo en el terremoto de 1967 Pasados algunos meses de la tragedia, viaja a Marruecos, para resolver problemas de herencia, pero también, para escapar de dolorosos recuerdos. La novela es epistolar y Daniel, el protagonista, trata de distraer su soledad y su dolor, escribiendo cartas a sus familiares y amigos, casi todos de Caracas, contándoles lo que está viendo y viviendo en la tierra de sus antepasados. Javier Vidal leyó dos de esas misivas: una dirigida al Dr. Benchetrit y la otra, a la tía Perla, junto a Julie Restifo.
Miriam Dembo precisó como un año después de esa novela, publicó otra, 50 vacas gordas, la cual tuvo enorme éxito y mereció varias ediciones, entre otras cosas por sus penetrantes observaciones sobre la clase media venezolana, en la década de los 70, la de la Venezuela Saudita. Y fue la apoteosis: las mujeres hacían colas kilométricas para comprar el libro. Correspondió a Julie Restifo leer unos de sus más picantes capítulos.
Tanto en su teatro como en sus novelas, Isaac logró entrelazar la vida de sus personajes con el panorama del país. ¿Se repetirán estos eventos para evocar al ausente? Solo Jehová lo puede imponer.
COMPRAVENTA HUMANA

Se semidramatizó el segundo acto de Ok, una de sus piezas teatrales más celebradas, donde hay una compraventa que en su momento hizo furor. Isaac Chocrón Serfaty escribió esta comedia inspirado en una historia, ambientada en Caracas, como se la contó el sastre italiano Renzo Farnessi, amigo de El Nuevo Grupo y teatrero a tiempo completo, quien conoció a los personajes en la vida real. Lo demás lo hizo el dramaturgo, que, como economista que era, sabia de compras y de ventas. Miriam Dembo destacó que esta obra fue el gran éxito de El Nuevo Grupo, la remontaron muchas veces y siempre recurrían a ella cuando había necesidad de llenar la sala y la taquilla del teatro Alberto de Paz y Mateos. Traducida a varios idiomas fue todo un éxito internacional. Pensando en quienes no vieron la obra se leyó al público un breve resumen de la primera parte, donde se muestra a Mina y a Franco, amorosos amantes de desigual edad, ella con 15 años mayor que él. Viven en la destartalada habitación de una azotea, alejados del mundo. Franco, echado en un butacón todo el día, se dedica a la lectura de periódicos atrasados que le regalan en la cafetería y Mina hace algunos trabajos como costurera, cada vez con menos frecuencia. Son marginales que apenas tienen para comer, pero al parecer son felices. Sin embargo, todo cambia con la llegada de Ángela, una viuda adinerada, antigua clienta de Mina, que acude a ella para que le haga unos trajes estampados para quitarse el luto. Al confesar Ángela que necesita ayuda para conducir los negocios que ha heredado de su marido, Mina le ofrece su ayuda y la de Franco, a sabiendas que eso podía ir más allá de lo normal. En la segunda parte, la semidramatizada, están ya los tres personajes instalados en la casa de Ángela, al cabo de un año de convivencia. Tanto Ángela (Julie Restifo) como Franco (Javier Vidal) se sienten cómodos, simplemente se dejan llevar, como lo hicieron cuando Mina (Caridad Canelón) propuso que vivieran juntos los tres. No obstante, Mina ahora no se siente satisfecha y precipita un desenlace, porque el amor en trío no es su especialidad y lo ha comprobado en cuerpo y alma.

La mosca dorada

2012-01-07T23:19:00.001-04:30

El 2011 fue crucial para la fundación Rajatabla. Perdió a su líder Francisco Alfaro, el 26 de julio, tras haber sustituido a Carlos Giménez desde el 27 de marzo de 1993. Y así William López asumió la presidencia de la institución, fundada el 28 de febrero de 1971, bajo los aleros del Ateneo de Caracas que comandaba María Teresa Castillo.
Tras declarar públicamente que a Rajatabla no la raja nadie, mientras vivan sus fundadores y los apoyen las nuevas generaciones de artistas venezolanos, López prometió que durante su gestión generará una serie de eclécticos espectáculos y además ejecutará diversas tareas artísticas con la comunidad caraqueña. Y debutó con la producción de La mosca dorada, montaje de graduación de la XXI Promoción de Taller Nacional de Teatro (TNT), la cual lleva el nombre de Francisco Alfaro, homenajeando así a quien fuera uno de los fundadores de la agrupación.
La mosca dorada, que ha retornado al edificio Rajatabla, en el traspatio de Unearte, tras su estreno el pasado 16 de diciembre, es un ambiciosa muestra experimental, creada por Rufino Dorta a partir de los textos El porvenir está en los huevos y Jacques o la sumisión del dramaturgo rumanofrancés Eugene Ionesco, uno de los padres del absurdo teatral.
Está maceración de obras ionescanas fue realizada por Carlos Giménez antes de su mutis y rescatada de los archivos de Rajatabla por el director Dorta, quien así definió la esencia metafórica de la pieza como “un arriesgar, creer, soñar… sentir que hay algo porque luchar en la vida, y nunca encogerse de hombros ante la mediocridad y jamás seguirle el juego a los conformistas que se sienten satisfechos del mundo en que los hacen vivir”.
El espectáculo, desarrollado durante 60 minutos en el espacio central de la sala Rajatabla y con el publico en dos costados, reproduce una alba atmosfera hospitalaria, donde los actores-pacientes son sometidos a un régimen feroz de disciplina carcelaria, mientras realizan tareas de readaptación a “la vida civilizada”. Todo a un ritmo endemoniado y en medio de la estridencia musical (creada por Jerry Maneiro) que no permite sosiego alguno. La violencia aunque sea sugerida o actuada siempre será violenta y estremece a la más diestra audiencia. Es una plausible búsqueda artística que únicamente es posible obtener con estudiantes que lo arriesgan todo y por eso no se puede ver sino en esos históricos fines de curso rajatablinos.
Participaron en esta producción: Peter Kutlesa, Karla Pravia, Heriberto Garcés, Arymel García, Nayandú Valencia, Natacha Pérez, Daniela Lo'Curto, Sarai Pérez, Weidry Meléndez, Meily Chang, Natalia Armas, Álvaro Durán, Franklin Valero, Luis Miguel Sánchez, Sandra Loaiza Irmiz Rosas, Antonio Ruiz, Chris Alexander Díaz, Naikelys Villasmil, y Ernestos Campos Urquía. El trabajo corporal y la asesoría actoral son de de Soraya Orta y Simona Chirinos. La iluminación es un aporte del versátil teatrero Ángel Pájaro, mientras Rufino Dorta suscribe la dirección general.
TNT
Con miras a formar más y mejores actores, Rajatabla, creó en 1984 el Taller Nacional de Teatro de las manos de Carlos Giménez. El TNT es, pues, una experiencia piloto en nuestro país, con sistema académico, libre y flexible que se ocupa de enseñar la expresión escénica en todos sus aspectos (teatro, danza, historia del arte, música, etcétera), y a través de un plan de estimulación constante al tallerista, se contribuye al proceso de crecimiento humano en base al desarrollo de las potencialidades creativas individuales.Los egresados a lo largo de 25 promociones son prueba de que la metodología rajatablina los ha capacitado para su ejercicio profesional

Andy el gay prostituto llega a Caracas

2011-12-31T23:49:00.004-04:30

Cumplió 22 años y sube al escenario del Teatro Trasnocho el próximo 20 de enero para encarnar a un personaje como Andy, arruinado por las drogas y la prostituciòn homosexual. Es Christian McGaffney (Caracas, 8 de abril de 1989), hijo de Ian McGaffney, de Liverpool, residente en Venezuela desde hace 37 años, y de la criolla Ana María Alvis. “Mis padres me dieron la libertad de escoger, desde pequeño, lo que siempre quise hacer. Desde el deporte hasta jugar con los hobbies que quería tener, algo muy importante para no tener bloqueos artísticos o personales a futuro, lo cual agradezco enormemente”, revela, vía Internet, desde la fría Madrid, uno de los protagonistas del espectáculo High (Alto).
-¿Como fue su vinculación con las artes escénicas?
- Mi influencia artística viene de la casa de mi abuelo, la cual está minada de libros desde abrir la puerta hasta llegar al baño más lejano. Mis abuelos me dieron una visión de vida que agradezco profundamente y que ha sido la base de mi educación. Aunque no puedo negar que mi primera gran fascinación artística fue la música. Mi tío, melómano desde joven, ha sido herramienta vital en mi proceso artístico. Desde The Beatles, que lo llevo en la sangre por mi papá, hasta King Crimson, desde despertarme con una pieza de Jethro Tull hasta llegar al colegio con la música de Héctor Lavoe a todo volumen. Siento que la música llenó espacios en mi vida y que gracias a ella, así no tenga fijación por ningún instrumento, es mi alimento antes de ir a grabar o a ensayar. Incluso, según la obra que ensayo en un determinado momento, la música que escucho va buscando una semejanza o algo que identifique el proceso de ensayos que llevo, de manera natural y con un enriquecimiento muy grande. Nunca fui de los que practicó a los cuatro años frente al espejo su discurso para cuando ganara un Oscar.
-¿Estudió otra profesión o esta dedicado de lleno a las artes escénicas?
- Comencé ejerciendo un papel en una serie de la productora Laura Visconti recién cumplido los 16 años, así que mientras cursaba el bachillerato, ya había dado mi primer paso dentro de las artes escénicas; una oportunidad sin duda única. Fue algo que no busqué, digamos que la oportunidad me llegó y yo fluí con ella. Al culminar mi bachillerato estaba grabando mi primera novela, y siendo este un medio tan inestable, decidí estudiar Economía en la Universidad Metropolitana, carrera que entre las tantas era la que más me atraía. Pues estaba equivocado. Llegué al cuarto semestre y me di cuenta que no era lo mío y que no iba a gastar energías en algo que no me retribuía un gusto por lo que hacía. Menos, teniendo las oportunidades que me estaba brindando el canal en aquel momento. Así que luego de varias conversaciones con mis padres decidí parar los estudios de Economía y concentrarme en lo que me gustaba. Desde pequeño siempre fui autodidacta, y con la ayuda de mis padres, comencé a adquirir libros de Stanislavski, Michael Chejov, Uta Hagen, Yoshi Oda, entre otros maestros actorales para conocer y profundizar sobre el trabajo que realizaba. Ahora mis planes a futuro en cuanto a los estudios van orientados a esta área.
-¿Que opinión o reflexión le merece la obra High (Alto)?
- High (Alto) es sin duda esa obra en la que esperas trabajar desde que entiendes la labor que realizas. Un texto magnífico y muy bien llevado por parte de Matthew Lombardo, quien además de saber lo que estaba escribiendo por haber vivido experiencias similares a las de Andy, mi personaje, también tiene el conocimiento literario/teatral que se necesita para mantener al público "enganchado" durante toda la pieza. La fe, la esperanza, la redención, la búsqueda de la verdad, del por qué y para qué estamos en este mundo, son algunos de los temas que se ven a simple vista en esta pieza. Sin contar de todo el sub-texto del cual el público se identificará a medida que los diálogos de estos tres personajes comienzan a emerger y a formar una fantástica y emocionante historia. Más que una reflexión, High (Alto) me ha llevado a revisar constantemente el propósito de por qué estamos y cual es la manera de llevar nuestras vidas. Una montaña rusa de emociones y vivencias que sólo acaban… cuando la obra termina.
-¿Qué pasa con su controversial personaje, cómo lo ha abordado o construido? ¿Satisfecho?
- Caer en el cliché del reto es necesario, ya que todos los personajes, pequeños o grandes, profundos o más ligeros, son un reto; sino por qué lo ejecutaríamos, ¿no? Mi personaje, un prostituto homosexual (no por decisión propia) y narcotraficante, no es el personaje que sin duda te presentan en cualquier obra. Andy es de estos jóvenes embotados de vivir, de no descansar, de no encontrar paz y de tal vez no querer encontrarla. A veces la vida, para algunos, pasa en un abrir y cerrar de ojos, para otros, para a los que verdaderamente le ha tocado duro, volver a abrir los ojos no es tan fácil como uno cree. "Requiem for a Dream" -en conjunto con un fondo musical de Placebo y Radiohead-han sido guías necesarias en el desarrollo de este personaje. Sin dejar a un lado la opinión de Luis Fernández, director de este montaje y cinéfilo irreparable. Todos tenemos secretos y momentos vividos que en algún momento salen a flote, pues para eso llegó High (Alto), para poder drenarlos en este personaje tan peculiar como ningún otro que haya vivido, porque que en los ensayos el vivir, disfrutar y dejar el intelecto a un lado es necesario para así poder soltar prenda a toda esta trama que te entusiasma desde que abres la boca para decir el primer texto de tu personaje. Satisfecho estaré cuando escuche tu opinión y la de los que asistan al montaje que estrenamos el 20 de Enero en el Trasnocho. Carlota Sosa, Luis Fernández, Rafael Romero y yo. Honrado estoy al sólo nombrarlos.
-¿Que reflexión hace sobre su personaje?
- Cuando te dicen: "La vida es una sola" y tu sigues de largo viviéndola, sin importar que has hecho, a quien has lastimado, que te has hecho a ti mismo durante tantos años, las locuras de joven y de no tan joven; todas estas "hazañas" que has superado durante tus días, no tienes remordimiento de voltear y ver que pasó, que te sigue pasando factura o qué te pasará luego. Simplemente sigues, una y otra vez en este círculo vicioso que llamamos vida. Pero cuando de verdad piensas que esto se acabó es que te das cuenta que ese dicho tan paternal, tan fastidioso y repetido, es la causa para que reflexiones sobre todo lo que ha pasado y lo que has hecho. Para que te des cuenta que lo que has cometido es una acción que tendrá una consecuencia. He pensado más seriamente en esos pequeños y no tan pequeños detalles capaces de hacerte desaparecer por completo. Andy tiene que hacerlo, y una de sus búsquedas, así el no quiera aceptarlo, es reconocer las circunstancias de su entorno. Capaz lo logra. Pero como te digo, Edgard, cada ensayo que realizamos, cada lectura que hago a solas, me deja reflexionando sobre Andy, sobre mí y sobre el mundo en el que vivimos.
-¿Qué más proyectos tiene para el resto del año 2012?
- Además de este proyecto, seguiré grabando la telenovela Natalia del Mar que ha sido muy satisfactoria ya que hemos logrado un rating altísimo. Esto tomará un par de meses más. Por lo tanto, grabar televisión y representar a Andy en High (Alto) irán de la mano. El Festival Iberoamericano de Bogotá está confirmado para marzo del 2012, lo cual es una gran noticia, ya que High (Alto) no ha sido producida en ningún otro país en Latinoamérica. Llevarla nosotros a este festival por primera vez, y en Español, es una satisfacción inmensa. No encuentro las palabras para describirla. Mi meta es irme a Nueva York, al finalizar la temporada en el Trasnocho, para estudiar en The Lee Strasberg Institute por unos nueve meses, quizás un año, y hacer audiciones para ver que oportunidades se presentan. Estudiar actuación a fondo es fundamental para mí y considero que Nueva York es el sitio indicado para hacerlo… mientras tanto me tocará volar en High (Alto).

El ganador es el teatro venezolano

2011-12-28T21:28:00.005-04:30

La periodista Andreina Martínez Santiso, de El Nacional, publico en la edición del 28 de diciembre, un ponderado articulo sobre la temporada teatral caraqueña del año que culmina. Lo reproducimos aquí por considerarlo de importancia para la familia de los teatreros venezolanos. Espero que lo disfruten:

Desde que comenzó 2011, la cartelera teatral venezolana se ha mantenido nutrida con una oferta amplia que ha estado caracterizada como en los últimos años por las piezas comerciales.
Los estrenos y reposiciones de obras han permitido que el público acuda a las salas como una opción de esparcimiento y, menos a menudo, como parte de una búsqueda de reflexión.
La productora y responsable de la página web www.vayaalteatro.com, Jorgita Rodríguez, dice con alegría que ha llegado a publicar en el portal hasta 56 obras que se han presentado de forma simultánea en la ciudad, tanto en lugares tradicionales como no convencionales. "Ha sido un buen año, a pesar del penoso cierre de la sala del Teatro Luisela Díaz y del nulo apoyo gubernamental a los grupos que hacen vida teatral, que han tenido que salir adelante con sus propios medios".
El crítico de teatro Edgard Antonio Moreno-Uribe (E.A. Moreno-Uribe) aplaude que este año varios grupos se hayan decantado por la puesta en escena de piezas de autores venezolanos. "Tres de las mejores obras que vi son Diógenes y las camisas voladoras de Javier Vidal, Petroleros suicidas y Como vaya viniendo, ambas de Ibsen Martínez. Son grandes textos porque hay una búsqueda en la historia contemporánea del país para teatralizar. Además, las actuaciones fueron maravillosas".
Luigi Sciamanna, que actuó en Informe sobre la banalidad del amor, considera que el proyecto Centenario de Tennessee Williams que se llevó a cabo en el Trasnocho Cultural fue muy importante, porque a su juicio es necesaria la revisión, aproximación y divulgación de un autor tan agudo, amargo e incómodo. El intérprete destacó, además, la dirección de Moisés Guevara en Diógenes y las camisas voladoras y el trabajo de belleza plástica que se hizo en Paria, del teatro La Bacante.
Moreno-Uribe incluyó entre los momentos más importantes de 2011 la interpretación de Mariaca Semprún en Un informe sobre la banalidad del amor y en La novicia rebelde; y el Festival de Teatro de Caracas, organizado por la Alcaldía Metropolitana a través de Fundarte. "Para mí fue el evento del año. Me sorprendió gratamente. Fue un fenómeno de público. Después de muchos años, volví al 23 de Enero, al Teatro Cristo Rey, que fue reinaugurado para la función que ofreció Mimi Lazo de El aplauso va por dentro".
El director del grupo Skena, Basilio Álvarez, piensa que la reapertura del Teatro César Rengifo en Petare y del Teatro Principal en la plaza Bolívar, junto con la inauguración del Teatro de Chacao, marcaron 2001 de forma positiva. "Esas salas pertenecen a alcaldías que, aunque tienen ideologías y presupuestos distintos, también tienen sueños bastante semejantes. Qué alegría presentarse en estos dos polos opuestos de una misma Venezuela y sentir que el público es el mismo".
El actor Javier Vidal valoró la apuesta por la dramaturgia venezolana, por ejemplo, la nueva puesta en escena de clásicos como Acto cultural de José Ignacio Cabrujas y la celebración del festival de Fundarte. "Fue una verdadera fiesta, la gente podía recorrer las calles del centro. Fue una pequeña muestra de que se pueden hacer cosas así. Ellos demostraron que fueron capaces y operantes".
El protagonista de Diógenes y las camisas voladoras, sin embargo, cree que lo malo del evento es que no fue una iniciativa del Estado, sino de una sola alcaldía. "Lamentablemente, el lado negativo siempre se lo carga el régimen cultural que desprecia las artes. Es triste pensar que los mejores espectáculos de teatro que se presentan en el Teresa Carreño son los del Gobierno. La Compañía Nacional de Teatro es un ente que no ha asumido su papel".
La actriz Carlota Sosa considera que, a pesar de que ha aumentado la oferta de producciones teatrales, son pocas las obras que tienen calidad: "Se hace mucho, pero no todo es bueno. Hay mucha matadera de tigre. También pongo en duda que ha aumentado el público, como dicen algunos. Cuando yo trabajaba en el Teatro Nacional todas las funciones estaban full. Ahora creo que la asistencia a las salas es moderada. No son llamados masivos".
El director del Teatro del Contrajuego, Orlando Arocha, coincide con Sosa: "Creo que fue un año un poco extraño, se caracterizó fundamentalmente por una baja en la creación. Me hubiera gustado ver nuevas escrituras. El teatro comercial se incrementó mucho y el de arte se vio disminuido. A pesar de eso, los grupos demostraron que no paran. Me pareció interesante Machete caníbal de Río Teatro Caribe. Pero me hace falta un movimiento teatral más consistente, con el que el público tenga las posibilidades de moverse entre varias opciones".
Tablas de luto
El teatro venezolano perdió este año a grandes hacedores. Para Basilio Álvarez, ésta es la nota más triste de 2011. "Perdimos al actor Francisco `Paco’ Alfaro de Rajatabla, luchador de utopías y maravillas. También a Alfredo Sandoval, actor de miradas y guiños, señor presidente de irreverentes discursos. No puedo dejar de lado a Gilberto Pinto, mordaz, directo, luchador y creador de una generación que inventó el camino; ni a Isaac Chocrón, el todo por el todo, base de nuestro propio crecimiento, fundador del Nuevo Grupo y gerente de una compañía nacional que llegaba a públicos populares con llenos en todo el territorio. Se fue también Pepe Gómez Fra, el gran escenógrafo de imágenes poderosas y contundentes, que nos enseñó que con la escenografía también se potencia una idea. Tantos hombres de teatro que fueron imprescindibles y necesarios, aunque jamás se lo creyeron", expresó el fundador del grupo Skena.

Andreina Martínez Santiso

¿Peligra el teatro en Bogotá?

2011-12-25T11:53:00.003-04:30

El teatrero colombiano Sandro Romero Rey da la voz de alarma ante una crisis que puede hundir al teatro comercial de su país. Publicó, el pasado 24 de diciembre, en su blog “Contra Escena”, que inserta El Tiempo, de Bogota, el articulo El teatro en el teatro dentro del teatro”, el cual consideramos importante que lo conozcan nuestros lectores. Aquí lo tienen y que se diviertan:
-Estoy muy preocupado por el futuro del teatro comercial en Colombia. El teatro que hemos hecho toda la vida, ése que se ha financiado “con las uñas”, siempre se mantendrá, puesto que “con las uñas” ha sido la mejor manera de mantener viva una tradición, una terquedad, una necesidad, un capricho. Pero el teatro que se hace con el firme propósito de ganar dinero, tanto para sus actores como para quienes lo producen, cada vez es más difícil mantenerlo en pie. No nos digamos mentiras: a nadie le hace falta el teatro. Y me parece que está muy bien así. Peor para los que no lo necesitan. A mí nunca me ha hecho falta ir a la Luna o simplemente montar en globo, pero me imagino que, si lo hubiese hecho, hubiese sido un mejor ser humano, más curtido, más valiente o, por lo menos, más curioso.
Hace poco, el actor Humberto Dorado nos contaba a un grupo de amigos que, cuando estuvieron consiguiendo el dinero para el montaje de Hamlet con el Teatro Nacional en el año 2005, muchos de los posibles empresarios que financiarían la empresa les preguntaban que si esa obra era conocida. No. El teatro no le hace falta a nadie. Ni a los ricos ni a los pobres. A mí sí, porque uno se crea sus propias adicciones en la vida y gracias a ellas sobrevive, más feliz o más ausente, pero con un asidero confiable antes de caer para siempre en el abismo.
Leo la opinión de un lector en la edición digital del diario El Espectador: “Yo ya no regalo libros. Creo que ya no le dicen nada al 99% de la población…” Y me imagino que lo dirá con conocimiento de causa y seguramente hoy, 24 de diciembre de 2011, se emborrachará feliz en su casa y recibirá de regalo, qué se yo, una camisa de cuadros, un teléfono celular, una petaca de cervezas, fuegos artificiales, un dardo de fina punta. No. Los libros no los necesita el 99% de la población. Mucho menos la tontería de unos señores muy serios que se maquillan todas las noches para repetir textos aburridísimos y tratar de ser hermosos o, en el peor de los casos, poéticos.
En estos tiempos que corren, donde son más importantes las balas o las vuvuzelas, la transformación de un espacio en una nueva dimensión de formas, la sensibilización de la conciencia a través de la provocación o el éxtasis son, a no dudarlo, manipulaciones para acabar con el insomnio más enquistado.
Qué le vamos a hacer. Por eso, cuando nos encontramos con excepciones que confirman la temible regla, nos sentimos tan felices o, por lo menos, tan protegidos de los embates de la mala fortuna, que nos dan unas inmensas ganas de salir bailando por las paredes, como en algún viejo filme del olvidado Fred Astaire.
Decía el recientemente desaparecido ex presidente de la República Checa Václav Havel, en un artículo de 1997, reproducido por el diario El Tiempo: “Así que el drama de la política exige no un público, sino un mundo de actores”. El texto titulado “La política como teatro”, comienza con una idea similar a la que intento en estas líneas navideñas: Havel reflexiona acerca de aquellos que le cuestionan el hecho de haberse dedicado a la dramaturgia y luego a la política. Al parecer, el teatro es algo “poco serio” para ser valorado por un político. En este sentido, no estamos en Colombia muy lejos de los reproches de los checos fundamentalistas. Y me imagino que así piensan también en las tribunas públicas de Noruega, de Turquía, de Venezuela, de Estados Unidos de América. El teatro es eso: teatro. Es decir, suplantación, mentira, falsedad, impostura.
¿Nada de ello ocurre en los foros políticos? Bueno, no era de eso que quería hablar. Pero si miro el Canal Institucional de la Televisión colombiana, si miro el funcionamiento de los senados, de las cámaras de representantes, no puedo dejar de pensar en la suplantación, en la mentira, en la falsedad, en la impostura que tanto le imputan a los escenarios.
Pero me desvío. Hace un mes estuve en Buenos Aires. Entre ires y venires, asistí a dos representaciones teatrales, en dos salas distintas de la Calle Corrientes. La primera, una obra titulada Estado de ira, escrita y dirigida por Ciro Zorzoli. En ella, un grupo de actores ensaya, entre bambalinas, una puesta en escena del drama Hedda Gabler de Ibsen. El montaje es una fiesta total. Es una fiesta para nosotros, espectadores, pero una tragedia terrible para los personajes, que deben resolver la emergencia de remplazar a última hora a la actriz protagonista. Me imagino el texto de Zorzoli: no existe, no debe existir. El texto real está sobre el escenario y es, simplemente, la obra de Ibsen como excusa. Pero el contrapunto genial de los actores (en especial, de la protagonista, Paola Barrientos) convierte el asunto en un verdadero carnaval sin góndolas ni marimondas. En realidad, nunca entendí del todo porqué la obra se llamaba Estado de ira. Estamos ante una pieza de aquello que se llama “teatro dentro del teatro” en la que, como lo indica la expresión, una representación escénica es el tema de la misma. Pero hay algo más, y a ello es que intento referirme con el título de esta nota: en el fondo, es el teatro, como tema, como forma, como dictamen, el que está nadando por encima de la anécdota de la representación misma. De allí que el título, Estado de ira, no esté tan lejos de mi comprensión, sino que se aferra al fondo de mis dudas. Es ese “estado de ira” de la representación escénica el que se convierte en el protagonista del juego, de tal suerte que una simple comedia se puede transformar en el pretexto para que la reflexión sea, en realidad, el epicentro de la diversión. La ira de Hedda Gabler se vuelve el estado de ira de quienes la representan. Y en nosotros, sus testigos, en estado de dicha.
Un par de días después, estuve viendo la puesta en escena de Hamlet del ya legendario actor y director Juan Carlos Gené. En un espacio irregular, con una tumba al centro del escenario dominándolo todo (espero que Gené no haya tenido que sufrir lo que sufrió Dorado y su ejército colombiano para montar la tragedia…), los actores reproducen el drama de Shakespeare donde, como-se-sabe (bueno, es un decir), el juego de la representación se convierte en estrategia para la venganza. La obra de teatro que monta el joven Hamlet (“El asesinato de Gonzago”), para desenmascarar a su madre y a su tío, se convierte en el motor de los acontecimientos y, de alguna manera ayuda, no a resolver el asunto sino, en realidad, a demostrar lo mal director que puede ser el buen príncipe. Nadie le dijo a Hamlet que el teatro no servía para nada. Sin embargo, él recurre a la representación para poner en evidencia a los asesinos de su padre.
En la antigüedad, hay un drama parecido: Electra y Orestes, al darse cuenta de que su madre Clitemnestra ha asesinado a su padre Agamenón para casarse con el tío Egisto, deciden, no inventarse una obra de teatro para denunciar el acto, sino que simplemente sacan sus dagas y acaban con los criminales. Santo remedio. El teatro no sirve para nada. Pero, por lo visto, el crimen mucho menos, porque el pobre Orestes termina condenado toda una tragedia después, huyendo de las fuerzas de la culpa.
¿Para qué volver a montar Hamlet, en pleno siglo XXI, si a nadie le parece importante ni necesario? De nuevo, es la necesidad de la impostación. De reflexionar sobre el artificio, utilizando el teatro dentro del teatro como medio, como telón de fondo y forma, como rompimiento.
En estos días, el director y dramaturgo colombiano Pedro Miguel Rozo revisitó Hamlet, en una versión desmadrada, para los estudiantes de último año de la Academia Superior de Artes de Bogotá. Allí, “el-teatro-en-el-teatro-dentro-del-teatro” era más que evidente: ya no estábamos ante Hamlet, príncipe de Dinamarca, sino ante Hamlet, príncipe de Cundinamarca y, ante los restos de una escenografía de detritus de San Victorino, se representaba el juego donde Shakespeare era un pre-texto para mostrar las urgencias más profundas de su “metteur en scène”.
Sí. El teatro es un tema y, al mismo tiempo, es el tema dentro de un tema, es una reflexión dentro de un juego, dentro de un síntoma, dentro de un vago remedio. Al que no quiere caldo se le dan una, dos, tres, múltiples tazas para reflexionar sobre lo inútil, sobre lo vago, sobre lo insulso, sobre lo que no le hace falta a nadie. Qué más da. A eso vinimos a este mundo. A perder gloriosamente el tiempo. No solamente a comprar teléfonos celulares.
Termino estas líneas recordando la reapertura del Teatro Odeón, antigua sede del Teatro Popular de Bogotá. Estuve el sábado 22 de octubre pasado y me sentí, realmente, feliz. Ese lugar, hecho ruinas, que antaño fuese un templo sagrado para todos los que lo visitamos y lo actuamos, entre 1968 y finales del milenio pasado, es ahora un ave fénix que mueve sus alas lleno de propuestas artísticas propias de nuestros tiempos desencajados. ¿Que ya no hay un escenario? Claro que lo hay. Todo el Odeón, el espacio Odeón, es un gran teatro reinventado por Tatiana Rais y su ejército de colaboradores. Quizás ni ellos mismos lo sepan, porque son muy jóvenes, pero ese espacio, antes de que fuese TPB, fue sede del teatro de la Universidad de América, que oficiase mi buen tío don Bernardo Romero Lozano, para luego convertirse en el hogar del Teatro El Búho, es decir, la prehistoria de nuestra escena, casa de los inútiles gestores de lo que luego sería Pensión para solteros, La mandrágora, La posadera y tantas y tantas obras que luego se convertirían en parte de nuestro repertorio personal y vital.
Aún recuerdo, muy niño, visitando el TPB para ver Los fusiles de la madre Carrar, Las sillas o El Tartufo. Llegar al TPB era llegar a un territorio especial, donde la maravilla de la representación en vivo se nos venía encima y nada podía remplazarla. Luego sería I Took Panama y el Delito, condena y ejecución de una gallina y, qué se yo, tantos títulos que no puedo enumerar completos porque el teatro no sirve para nada y puedo correr el riesgo de perder el espacio. Pero, por fortuna, hay otros tercos que mantienen la mecha encendida. Hay otros empecinados que les da por resucitar a los muertos y abrir de nuevo las puertas del Espacio Odeón para que sigamos perdiendo el tiempo, para que le digamos a los que tienen otros asuntos más urgentes que frescos, que nos dejen vivir, que de pronto, cuando quieran maquillarse el alma y convertirse por un rato en una parodia de sus propias sombras, se den una pasada por allí. Quizás no descubran a Hamlet, pero se darán cuenta de cómo se están poniendo los cimientos, sobre nuestras bellas ruinas, de lo que será el arte de la nueva arcadia.
Sandro Romero Rey

¿La política enemiga del teatro?

2011-12-22T20:03:00.003-04:30

Un parte del lúcido pensamiento del dramaturgo Václav Havel, ex presidente de la República Checa, fallecido el pasado domingo, esta presente en este artículo que reproducimos con inmenso placer, esperando que los lectores lo analicen y saquen sus propias conclusiones.
-Hace poco leí un artículo titulado La política como teatro, una crítica de todo lo que he tratado de hacer en política. Argumentaba que en la política no hay lugar para un ámbito tan superfluo como el teatro. No hay duda de que en los primeros meses de mi presidencia algunas de mis ideas mostraron más talento teatral que previsión política. Pero el autor se equivocó en una cuestión fundamental: no entendió el significado del teatro ni una dimensión crucial de la política.
Aristóteles escribió una vez que todo drama o tragedia requiere un inicio, un desarrollo y un final, con un antecedente que siga a un precedente. El mundo, vivido como un ambiente estructurado, incluye de manera inherente la dimensión dramática de Aristóteles, y el teatro es una expresión de nuestro deseo de una manera concisa de captar este elemento esencial. Una obra de no más de dos horas siempre presenta, o tiene la intención de presentar, una imagen del mundo y un intento de decir algo sobre él.
Una definición de la política sostiene que es la conducción, la preocupación y la administración de los asuntos públicos. Obviamente, la preocupación por los asuntos públicos significa preocupación por la humanidad y el mundo, lo que requiere un reconocimiento de la autoconciencia de la humanidad en el mundo.
No veo cómo un político puede lograr esto sin reconocer el drama como un aspecto inherente al mundo visto por los seres humanos, y por lo tanto como una herramienta fundamental de la comunicación humana.
La política sin un principio, un desarrollo y un final, sin exposición ni catarsis, sin gradación ni capacidad de sugestión, sin la trascendencia que desarrolla un drama real, con personas reales, para dar un testimonio sobre el mundo es, en mi opinión, política castrada, coja y desdentada.
No siempre consigo practicar lo que predico, pero trabajo por una política que sabe que importa qué es lo primero y lo que le sigue, una política que reconoce que todas las cosas tienen una secuencia y un orden adecuados. Por encima de todo, es una política que se da cuenta de que los ciudadanos -sin teorizar, como lo hago ahora- saben perfectamente si las acciones políticas tienen una dirección, estructura, una lógica en el tiempo y el espacio, o si carecen de estas cualidades y no son más que las respuestas circunstanciales al azar.
En un escenario limitado, con poco tiempo y figuras u objetos de utilería limitados, el teatro dice algo sobre el mundo, sobre la historia, sobre la existencia humana. Explora el mundo con el fin de influir en él. El teatro es siempre tanto símbolo como abreviación.
En el teatro, la riqueza y la complejidad del ser se comprimen en un código simplificado que intenta extraer lo esencial de la sustancia del universo y de transmitirlo a su público. Esto, de hecho, es lo que las criaturas pensantes hacen todos los días. El teatro es simplemente una de las muchas formas de expresar la capacidad humana de generalizar y comprender el orden invisible de las cosas.
El teatro también posee una habilidad especial de aludir a múltiples significados y transmitirlos. La acción que se muestra en el escenario siempre irradia un mensaje más amplio, sin que necesariamente deba ser expresado en palabras. Se trata de un fragmento de vida organizado de una manera que quiere decir algo sobre la vida en su conjunto. El carácter colectivo de una experiencia teatral no es menos importante: el teatro siempre presupone la presencia de una comunidad (actores y público) que lo vive como experiencia.
Todas estas cualidades tienen su contraparte en la política. Un amigo dijo una vez que la política es "la suma de todas las cosas concentradas". Abarca derecho, economía, filosofía y psicología. Inevitablemente, la política es también teatro -el teatro como un sistema de símbolos que se dirige a nosotros como un todo, como individuos y como miembros de una comunidad, y da testimonio a través del evento específico en el que se encarna, para los grandes acontecimientos de la vida y el mundo, mejorando nuestra imaginación y sensibilidad-. No puedo imaginar una política exitosa sin conciencia de estos elementos.
Los símbolos que emplea la política son teatrales por naturaleza. Los himnos nacionales, las banderas, los adornos, los festivos no significan mucho por sí mismos, pero los significados que evocan son instrumentos de la imagen que una sociedad tiene de sí misma, herramientas para crear conciencia de la identidad y continuidad sociales. La política también está cargada de símbolos en otros aspectos menos visibles. Cuando el Presidente de Alemania visitó Praga poco después de nuestra Revolución de Terciopelo, el 15 de marzo de 1990 (el aniversario 51 de la ocupación del territorio checo por parte de los nazis), no tuvo que decir mucho, porque el hecho de su visita en ese día lo decía todo. Igualmente auspicioso fue cuando el Presidente francés y el Primer Ministro británico visitaron el país en el aniversario del Pacto de Múnich.
Los actos políticos simbólicos se asemejan al teatro. También implican alusión, multiplicidad de significados y capacidad de sugestión. También retratan una realidad resumida, estableciendo una conexión esencial sin ser explícitos. Y también cuentan con un marco ritual de aceptación universal que resiste el paso del tiempo.
Incluso los escépticos no pueden negar un aspecto de teatralidad en la política: la dependencia de la política de los medios de comunicación. Muchos políticos estarían perdidos sin los entrenadores que les enseñan técnicas de actuación ante una cámara. Todos los políticos, incluidos los que desprecian el teatro como algo superfluo, algo que no tiene cabida en la política, sin querer se convierten en actores, dramaturgos, directores o actores.
El importante papel que juega una sensibilidad teatral en la política tiene doble filo. Quienes la poseen pueden llevar a la sociedad a realizar grandes obras y fomentar la cultura democrática, el coraje cívico y un sentido de responsabilidad. Pero también pueden movilizar los peores instintos y pasiones, fanatizar masas y conducir a las sociedades a un infierno. Recordemos los gigantescos congresos nazis, las procesiones de antorchas, los discursos incendiarios de Hitler y Goebbels, y el culto de la mitología alemana. Difícilmente podríamos encontrar un abuso más monstruoso del aspecto teatral de la política. Y hoy en día -incluso en Europa- hay gobernantes que utilizan herramientas del teatro para despertar el tipo de nacionalismo ciego que conduce a la guerra, la depuración étnica, los campos de concentración y el genocidio.
Entonces, ¿dónde está el límite entre el respeto legítimo de la identidad y los símbolos nacionales, y la música diabólica de los magos oscuros y flautistas de Hamelin? ¿Dónde terminan los discursos apasionados y comienza la demagogia? ¿Cómo podemos reconocer el punto más allá del cual la expresión de la necesidad de una experiencia colectiva y rituales de integración se convierten en manipulación maligna y un asalto a la libertad humana?
Aquí es donde vemos la gran diferencia entre el teatro como arte y la dimensión teatral de la política. Un espectáculo teatral demencial escenificado por un grupo de fanáticos es parte del pluralismo cultural y, como tal, ayuda a expandir la libertad sin representar una amenaza para nadie. Una actuación demencial por parte de un político fanático puede sumir a millones en una calamidad sin fin.
Así que el drama de la política exige no un público, sino un mundo de actores. En un teatro, nuestras conciencias se tocan, pero la responsabilidad termina cuando cae el telón. El teatro de la política nos plantea permanentemente exigencias como dramaturgos, actores y público, apelando a nuestro sentido común, moderación, responsabilidad, buen gusto y conciencia.
Václav Havel

Sexo y drogas en "Alto" o "HIGH"

2011-12-21T12:48:00.006-04:30

La temporada teatral caraqueña promete ser caliente en todos los sentidos y especialmente por el estreno y la temporada, en el Trasnocho Cultural, de Alto (HIGH) de Matthew Lombardo, puesta en escena por Luis Fernández, quien también actúa al lado de Carlota Sosa, Rafael Romero y Christian McGaffney. El estreno esta pautado para el próximo 20 de enero, a las diez de la noche.
Sobre este espectáculo, cuyo texto ya leímos, y consideramos “escandaloso” o nada grato para las mentes mojigatas, el director y actor Luis Fernández respondió esta entrevista:
-¿Cómo llega Alto a sus manos?
-Mimi Lazo y yo estamos buscando constantemente cosas que podamos producir en Venezuela, que vayan de acuerdo a nuestros intereses artísticos y que a la vez ofrezcan elementos nuevos para nuestros espectadores. Vimos HIGH en Broadway con Kathleen Turner y quedamos impresionados con el texto y su trabajo. Mimi contactó a uno de los productores y él nos presentó al escritor de la pieza. De allí en adelante todo fluyó de manera natural. Creo que más que nosotros buscarla, la pieza nos encontró a nosotros y exigió su producción venezolana.
-¿Cómo fue la operación comercial para adquirir los derechos y por cuanto tiempo los tiene?
-Al autor de la pieza, Matthew Lombardo le comentamos que nos encantaría producir su texto en Venezuela y llevarlo al Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá en 2012 (presentaremos cinco funciones en el marco del XIII Festival Iberoamericano de Bogotá en marzo en el teatro Gilberto Alzate Avendaño) y él se mostró encantado con la idea. La negociación fue muy sencilla y tenemos los derechos por un año para Venezuela y la primera opción para producir la pieza en Bogotá.
-¿Quién hizo la traducción y sería interesante saber si tu las adaptado al contexto criollo?
-La obra fue traducida del manuscrito original por Osvaldo Machado, que hizo un trabajo excelente. Yo la adapté al "venezolano" con la ayuda del elenco, Carlota Sosa, Rafael Romero y Christian McGaffney, pero resultó muy fácil porque está muy bien escrita.
-¿Qué es, según su lectura lo que propone el autor de Alto?
-A HIGH o Alto, como la hemos titulado, es un espejo despiadado en el que no queremos mirarnos pero que no nos queda otra alternativa que encarar. Es un viaje a través de las adicciones que al final nos plantea preguntas muy contundentes y de respuesta nada fácil. ¿Lo que hacemos en la vida es resultado de nuestra inclinación a ayudar al otro o es producto de una culpa crónica que nos embarga?, ¿nuestras decisiones son realmente nuestras o somos el efecto de lo que nos rodea?, ¿la manera como nos mostramos a los demás es real en algún punto o es la máscara elaborada al detalle durante décadas para esconder lo que somos? HIGH o Alto es, a fin de cuentas, una confrontación sin tregua con los motores de nuestra vida, en especial con la culpa y con las maneras como nos evadimos de lo que no podemos escapar. Y lo más interesante es que lo hace a través del humor.
-¿Ese mundo en descomposición que plantea Alto es frecuente o se da también en Venezuela, se lo pregunto por lo referente a los dos personajes religiosos o de sotana ahí presentes?
-Por favor, Edgard, miremos alrededor. HIGH es lo que pasa al lado nuestro y muy probablemente dentro de nuestras propias familias y fingimos no darnos cuenta. HIGH es lo que somos, y eso no siempre es lo que queremos ver, pero es lo que hay. Lombardo utiliza brillantemente su paso por las drogas (fue adicto al Crystal Meth durante 7 años) como vehículo para llevarnos a una afirmación despiadada y muy real "Todos tenemos una adicción" y el que piense que no la tiene es el que está peor, sobre todo si lleva sotana y excusa religiosa. En Venezuela la gente esta adicta, a alguna droga (legal o no), al chisme, a la confrontación política, a la queja, a la vanidad, a la fe, y un largo etcétera. Y la razón principal por lo que esto ocurre es porque sentimos una profunda vergüenza de lo que somos y necesitamos evadirnos. Además, vivimos pendientes de una risita, celebramos nuestro sentido del humor y no nos damos cuenta de que no es algo de lo que nos tenemos que sentir particularmente orgullosos pues muchas veces es más una salida frívola e infantil que una ironía cuestionadora y constructiva. Nos miramos en el espejo para vernos la nariz torcida o las nalgas caídas, pero no para vernos realmente. Los venezolanos somos unos adolescentes perpetuos que esperamos soluciones mesiánicas y tenemos un padre muy rico que al final nos lanza un fajo de billetes para resolvernos los problemas con los que no queremos lidiar. Ese escenario es el caldo de cultivo perfecto para producir adictos irresponsables y autodestructivos. No somos una sociedad madura y basta ver alrededor para darnos cuenta de cómo vamos por la vida culpando a terceros de todo lo que nos pasa. Eso es HIGH. Nada de lo que he visto y leído recientemente me ha parecido más cercano a lo que somos.
-¿Qué buscan con este espectáculo?
-Lo mismo que busco con todo lo que hago en escena, producir en el espectador la misma reacción que yo experimento como público. HIGH me sacudió cuando la vi desde la platea. Me pareció que me hablaba a mí directamente y me dejó estremecido y pensando. Me modificó. Esa es para mí la finalidad de toda aventura escénica.
-¿Qué futuro tiene la producción? ¿Cómo y cuando serán los ensayos si el estreno es para el 20 de enero?
-Estrenar en Caracas un espectáculo en enero supone concluir la producción en noviembre. Todo cierra y se reactiva con suerte para el 15 de enero, de modo que no hay otra alternativa que tenerlo todo listo con un mes de antelación. Ya HIGH está y esperamos al 20 de enero para mostrarla.
-En la primera lectura que hice de Alto encontré la siniestra sombra de la homofobia, ¿te interesa por supuesto ese tema?
-Me interesan todas las caras de la discriminación. Estamos tan acostumbrados a discriminar que lo hacemos sin pensar. Y me he dado cuenta de que uno de nuestros más populares hábitos es el juicio. Pre juzgamos a la gente implacablemente basándonos en nuestros traumas particulares y eso es el germen de toda discriminación, algo subjetivo y perverso. Con HIGH nos hemos propuesto invitar al espectador a que emita sus juicios en los primeros segundos de la obra para luego mostrarles gradualmente cuan equivocadas están nuestras percepciones iniciales. Vamos por la vida etiquetando al vecino para no tenerle miedo, para incluirlo en nuestra tribu o para lanzarle una piedra, eso es algo sumamente primitivo, creo que no tenemos alternativa a estas alturas que evolucionar un poco y dejar atrás los tribalismos y la superficialidad. Ese es el tema que me interesa por estos días.
-¿Como será la alternancia del elenco?
Por ahora sólo nos alternamos Rafael Romero y yo en el rol del padre Miguel. Carlota Sosa (la hermana Helena) y Christian McGaffney es Andy, un joven trabajador sexual hacen todas las funciones. Es una producción de Mimi Lazo
SINOPSIS
HIGH o Alto es un poderoso drama en el que colisionan con potencia la fe y la adicción como clásicos escapes en los que el ser humano se refugia para lidiar con sus fallas y su propia insignificancia. El encuentro de un sacerdote con un secreto, una monja con un pasado y un trabajador sexual sin futuro, provoca una lucha entre la convicción religiosa, los procesos terapéuticos y una salvaje adicción, recorriendo los temas universales del perdón, las fallas humanas y las posibilidades de redención. Cuando la hermana Helena acepta colaborar en la rehabilitación de Andy, un joven de 19 años, encuentra que su esfuerzo por ayudarlo a combatir la adicción a las drogas revela secretos que ninguno de ellos está preparado para enfrentar. Una batalla por la supervivencia y la redención individual que se convierte en la más dura prueba a su propia fe. Se trata de un devastador recorrido que deja al espectador al descubierto y sin posibilidad alguna de escapatoria. HIGH o Alto tuvo su estreno mundial en Broadway, en marzo de 2011.Y en Caracas estara en cartelera hasta el 20 de mayo, según calculan sus productores.

Los mejores teatros del 2011

2011-12-17T22:44:00.002-04:30

Los pueblos disfrutan o sufren el teatro que producen sus artistas y es por eso que durante la temporada 2011 evaluamos algo más de 90 montajes en Caracas y aquí ahora resaltamos los 14 mejores:
Diógenes y las camisas voladoras recrea la historia de la Venezuela de 1945, gracias a la investigación, creativa escritura y actuación protagónica de Javier Vidal, apoyado por José Miguel Dao y Jan Vidal Restifo, con precisa dirección de Moisés Guevara. Temporada en Trasnocho.
Petroleros suicidas recordó leyendas urbanas brotadas al fragor de la huelga de 2002, pero lo importante es su gran oda trágica al pueblo marginado, por intermedio del malandro caraqueño Alexis “Mayimbe Expósito (Dimas González). Texto polémico de Ibsen Martínez, bien cuidado por Héctor Manrique. Mostrada en BOD.Corpbanca y Trasnocho.
Como vaya viniendo, experimento de Ibsen Martínez que analiza la historia reciente criolla a partir de la telenovela Por estas calles y su protagonista popular Eudomar Santos, reencarnado por Franklin Virgüez. Coordinó Daniel Uribe. Exhibida en Premium y BOD.Corpbanca.
Acto cultural, de José Ignacio Cabrujas, con la nueva generación del Grupo Actoral 80, dirigida por Héctor Manrique, es otro de los gratos acontecimientos teatrales del año que culmina. Un montaje que rescata los valores del texto y obliga a reflexionar sobre lo que significa hacer cultura. Hizo temporada en el Trasnocho.
Machete Caníbal demostró como la creativa experimentación (texto, puesta y actuación) es posible cuando hay un Francisco Denis Boulton al frente. Unearte y la sede de Río Teatro Caribe lo albergaron.
Lírica es una original crónica sobre la niñez en popular escuela caraqueña, según visión poética de Gustavo Ott. Fue materializada en teatro San Martín.
Un informe sobre la banalidad del amor reiteró que el amor es amoral, como lo demuestra el argentino Mario Diament por intermedio de Luigi Sciamanna y Mariaca Semprún. Teatro Humboldt lo mostró en dos temporadas.
Toc Toc, del francés Lauren Baffie, enseña que nos burlamos de nosotros mismos. Exhibida en BOD.Corpbanca y Trasnocho por Juan Souki.
Mi reino por un sueño de José Antonio Barrios, en poética versión escénica de Costa Palamides, festejó los 40 de Rajatabla y exaltó lo que dio al teatro desde su sede, en los predios de Unearte.
Tras una puerta cerrada del chileno Egon Wolff subrayó que la soledad es enemiga de la libertad, fino montaje de Virginia Aponte en Escena 8.
Baraka, de la holandesa María Goos, recordó que Judas vive. Gracias a Héctor Manrique y la actuación de Javier Vidal, hizo historia en Trasnocho.
Gorda, del gringo Neil Baute, es una cruel saga amorosa por encima de las diferencias, como lo demuestra su correcto elenco, dirigido por Héctor Manrique. Paseó por Premium y BOD.Corpbanca
Excusas, de Joel Joan y Jordi Sánchez, es la consagración de la directora Melissa Wolf, acompañada de valioso elenco joven. Trasnocho fue su escenario.
Cabrujas Performance es un valioso y didáctico homenaje al ausente José Ignacio, coordinado por Yoyiana Ahumada e Iván Oropeza para la sala Cabrujas.
Para una revisión pormenorizada de la temporada invitamos a visitar el blog http://elespectadorvenezolano.blogspot.com o nuestro libro Teatro 2011/Apuntes para su historia en Venezuela.

Desnudan a Romeo y Julieta

2011-12-17T22:38:00.004-04:30

El unigénito del cubano Álvaro y la colombiana Teresita de Jesús es Dairo Luis Piñeres Chamorro (Caracas, 20 de febrero de 1975), el director que más ha creado y exhibido espectáculos teatrales entre 1996 y este 2011. Y eso lo demuestra con el récord de sus 100 montajes, producidos con su agrupación Séptimo Piso y otras compañías e incipientes empresas culturales.
En estos momentos no es, por supuesto, el más consagrado, pero gracias a su demostrada capacidad de trabajo artístico y con unos indispensables refuerzos actorales-especialmente si tienen la aureola del rating- Dairo Piñeres se convertirá en una especie de rey Midas del teatro vernáculo, antes de cumplir los 40. ¡Esperamos estar ahí para atestiguarlo!
Y para festejar sus 15 años de labores profesionales nada mejor que hacer un atrevido montaje de Romeo y Julieta de William Shakespeare, en la sala 2 del Celarg, aunque resultó ser una maltrecha producción de Séptimo Piso, la cual exhibieron del 11 de noviembre hasta este 18 de diciembre, de jueves a domingo.
OBRA Y ESPECTÁCULO
Romeo y Julieta, trágica historia de dos amantes que se quitan la vida porque los van a separar y nunca jamás podrán consumar o repetir sus ansiados besos y acoples sexuales, es quizás la más popular tragedia romántica de Shakespeare y la que más interpretaciones le han dado los puestistas.
Traemos, precisamente, a colación una información sobre el impactante espectáculo El caso de Romeo y Julieta, presentado en México por la Compañía Nacional de Teatro, para el cual, de manera “detectivesca”, crearon una contemporánea paráfrasis policiaca de la tragedia shakesperiana. Ahí muestran como los jóvenes enamorados perecen a consecuencia de un crimen causado por el odio, el cual los lleva hacia el fatídico final, porque fracasan en su lucha contra la arrogancia, el odio, la venganza y la misma sangre, no pueden escapar de su entorno y, en un mundo enloquecido, hablan de un amor que lentamente se fusiona con la desgracia.
Mientras tanto, aquí en Caracas, el director Piñeres se ciñe estrechamente al texto tradicional y ubica la saga en un tiempo contemporáneo, pero sometido a las viejas normas, y lo logrado es una fantástica fiesta de disfraces con reguetoneros armados con pistolas que sustituyen las tradicionales espadas y las cuales usan a discreción, mientras los amantes se entregan y deben perecer después como el autor lo escribió entre 1595 y 1596. Los jefes de las familias enemigas, Capuletos y Montescos, conmovidos por la catástrofe provocada por su enemistad, se reconcilian, pero ya los amantes no gozarán de esa paz lograda con su sacrificio. Una versión conservadora en su esencia, aunque vestida con mucho barroquismo y el inevitable reciclaje de ropajes de otras producciones.
El vestuario y las mascaras utilizadas ayudan a la ambientación carnavalesca del espectáculo, pero a nivel escenográfico el espectáculo luce desbalanceado por una tarima adosada contra una pared del poligonal escenario y además es torturante el uso de una pesada mesa de madera que usan como palanquín o como altar. Inexplicable que aquello suceda en un montaje de un casi veterano director.
Las actuaciones no son parejas, salvo los protagonistas Moisés Berr y Patricia Romero, y los soportes que prestan Carlos Díaz, Juan Pablo García, Jesús Miguel Das Merces y Alexander Rivera.
Como detalle hay que reconocer la audacia tenida para desnudar y mostrar a los amantes y los otros dos muertos que apuntalan la tragedia: Mercucio y Teobaldo.
En síntesis, el director Piñeres debió cuidar más las actuaciones del resto del elenco y resolver los problemas con los elementos escenográficos y el inconveniente espacio escénico utilizado. Para una posterior temporada, durante el año venidero, tendrá que buscarse un escenario más cónsono con su propuesta estética, la cual no solo es valida sino atrevida, pero que desluce por las fallas elementales detectadas.
ELENCO

Moisés Berr y Patricia Romero, como Romeo y Julieta, son histriones que asumen el reto de interpretar a los amantes más populares de la historia universal. Luego en los roles de carácter nos encontramos con las satisfactorias actuaciones de Carlos Díaz, Jesús Miguel Das Merces, José Manuel Peña, Alexander Rivera, Daniel Torres, Royer García, Yovanny Durán, Juan Pablo García, Cherly Peña y María Alejandra Tellis. Además participan: Reinaldo Navas, Agustín De Freitas, Michael Vegas, Gleinson Medina, Melissa Inojosa, Luis Fernando Acosta, Hiram Aguilera, Christian Saavedra, Omar Alexis Salas, Stella Vargas, Angélica Arranz, Ysabel Nieto, Amneris Ramírez, Moisés González, Ricardo Barreto y Karla Mishell.
VERDADEROS ARTISTAS

Dairo Piñeres escogió las artes escénicas para su desarrollo personal y cultural y ya está entre los mejores directores venezolanos. Él cree que el Estado tiene que tomar más acciones importantes para el desarrollo del teatro, tal como ya como lo hizo con la música, la danza y el circo. Piensa que la relación entre el Estado y los teatreros esta fracturada, pero se puede arreglar. “Tenemos que ser tratados como artistas, porque el teatro también representa a la sociedad y es importante como cualquier otra actividad, porque la palabra en escena es trascendental”. Precisa que el dialogo entre los hacedores del teatro y el Estado “es pieza fundamental en la construcción de un teatro nuevo y moderno que vaya acorde con las exigencias del siglo XXI”.
SÉPTIMO PISO

Estábamos locos por hacer teatro y no sabíamos lo que era. Poseídos por esas ganas juveniles de estar en un escenario, de esparcir el ego y nuestra diminuta fama. Decidimos hacerlo y así nació Séptimo Piso y debutamos hacia 1996 con Credit Bill, versión de Los intereses creados de Jacinto de Benavente. Fundarte nos dio 50 mil bolívares para producción y la mostramos en la Sala Carlos Giménez, en el sótano de la Torre Este de Parque Central, recuerda Dairo Piñeres.

Teatro para Chacao

2011-12-11T00:16:00.001-04:30

La infraestructura teatral es básica para el desarrollo de las artes escénicas de cualquier país. Alguien, con visión humanista y poética, dijo que cuando se inaugura un teatro se cierra una cárcel, y al parecer tiene razón porque los teatros son templos para la cultura fundamental de los seres humanos en libertad.
Las erecciones de esos espacios arquitectónicos, que no solamente se usan para eventos teatrales o artísticos, siempre la han asumido los Estados y algunas instituciones o empresarios privados, como es el caso venezolano, donde diversos gobiernos de los últimos 200 años ejecutaron obras de gran envergadura y también unos cuantos grupos económicos hicieron sus aportes.
En lo que va este siglo, en Caracas, el Gobierno Nacional inauguró el Centro de Acción Social para la Música, pero también rescató y reabrió las instalaciones de los teatros Municipal, Nacional, Principal y Cristo Rey en la parroquia 23 de Enero y, por si fuera poco, acaba de apuntalar y poner en marcha, por intermedio de la Alcaldía de Chacao, el Teatro de Chacao.
Los empresarios venezolanos –sin contar con leyes que los exonere de impuestos por la positiva labor de mecenazgo que asumen- también han apuntado al desarrollo cultural y por eso en las primeras décadas de este siglo XXI han puesto a funcionar diversas salas teatrales –algunas son casi de bolsillo-en la Gran Caracas, como son las de Teatrex (El Hatillo), Escena 8 y Teatro Trasnocho (Las Mercedes) y Premium (Los Naranjos), además un conspicuo sector de la banca nacional incrementó los espacios para las artes escénicas en la Torre BOD.Corpbanca (La Castellana).
Los responsables de la calidad y la cantidad de espectáculos que puedan mostrarse en esos espacios y los otros que ya existen, así como de los complejos costos de producción y los controversiales precios de los boletos que se exhiban en esos teatros, públicos y privados, serán los artistas, los empresarios y los gerentes culturales oficiales.
A todos ellos les recomendamos que organicen un circuito caraqueño de artes escénicas, al cual podrían enriquecer con agrupaciones de la provincia, para ofrecerles a las comunidades más ofertas educativas y lúdicas, sin olvidarse que el teatro es todavía el único lugar donde el hombre aún puede soñar en libertad.
Origami naranja
Los habitantes de Chacao, unidos con sus autoridades municipales y los consecuentes cuerpos edilicios, le “echaron pichón” al proyecto de sacar adelante el proyecto de un Teatro Municipal. Tuvieron dificultades de toda índole, pero se impuso la sensatez de los venezolanos por encima de las rencillas politiqueras, se superaron las rémoras y pudieron inaugurarlo el pasado sábado 26 de noviembre, a las 6:00PM, con el alcalde Emilio Graterón, en la parcela donde funciona el Centro Cultural Chacao, en la Avenida Tamanaco de El Rosal.
Este nuevo Teatro -su costo aproximado es de 50 millones de bolívares fuertes-fue concebido bajo los lineamientos del arquitecto Juan Machado de la Oficina de Arquitectura ODA, a partir de un lenguaje contemporáneo de diseño de arquitectura fractal, el cual, como una suerte de Origami, se erige a través de una moderna infraestructura color naranja de 3.000 metros cuadrados de construcción, inspirada en la forma y pliegues de El Ávila. Para su edificación, la Alcaldía, además, logró una alianza pública privada, a través del aporte de Bancaribe. ¡Otra institución con visión de futuro!
Símbolo de la ciudad posible, el moderno y novedoso espacio servirá de referencia y punto de encuentro entre los hacedores y los espectadores de las artes escénicas en Venezuela, además ofrecerá al Centro Cultural Chacao la oportunidad de brindar a la población una mayor oferta artística, con la presentación de espectáculos de alta factura en distintas áreas de las artes escénicas y musicales, para lo cual dispone de un aforo de 528 butacas más tres espacios para personas con movilidad diferente, y un amplio escenario con 12 metros de ancho, 14 metros de profundidad y 8 metros de altura.
Programación
Los teatros, sean privados o públicos, consumen muchos recursos financieros para erigirlos y muchas más son las exigencias básicas para mantenerlos abiertos y útiles a la comunidad, porque de lo contrario será cerrados y habitados por fantasmas hasta que otro político de turno se interese en reabrirlos, tras otra gasto de capital del Estado, y así continuar la historia. Esto, por supuesto, no es exclusivo de Venezuela por ahora.
En el caso del Teatro de Chacao, que estará bajo el control de la fundación Cultura Chacao, ya labora un equipo integrado por Alejandro Blanco Uribe, como director artístico; Betsy Cáceres, como gerente de programación; Eduardo Plaza, en la coordinación musical; Nahir Ramírez, en audiovisual; y Lorena González, en artes visuales.
Ellos, con sus asesores que aún no conocemos, son responsables de la programación de lo que resta del 2011 y la del 2012, donde, al parecer, la realización del 17 Festival Internacional de Teatro de Caracas es “el plato fuerte”, para lo cual ya han conversado con agrupaciones latinoamericanas y una que otra de Europa. Héctor Manrique (Grupo Actoral 80) y William López (Rajatabla) serán algunos de los que empujarán ese proyecto, secuela de los que inventaron, desde 1973, María Teresa Castillo (Ateneo de Caracas) y “el pirata del sur” Juan Carlos Giménez Gallardo, quienes lo “abandonaron” en 1992.
Símbolo de la ciudad posible, el moderno y novedoso espacio servirá de referencia y punto de encuentro entre los hacedores y los espectadores de las artes escénicas en el país, además ofrecerá al Centro Cultural Chacao la oportunidad de brindar una mayor oferta artística, con la presentación de espectáculos de alta factura en distintas áreas de las artes escénicas y musicales, con un aforo de 528 butacas más tres espacios para personas con movilidad diferente, y un amplio escenario con 12 metros de boca, 14 metros de profundidad y 8 metros de altura.
El Cascanueces
El espectáculo músico teatral La verdadera historia de Clara y El Cascanueces abrió definitivamente al publico caraqueño el Teatro de Chacao, el pasado domingo 04 de diciembre a las 5:00 de la tarde, con la participación de la Orquesta Sinfónica Infantil de Chacao (comandada por Elisa Vegas), el Grupo Teatral Skena, y los músicos Clara Mejías (arpa) y León Herdan (clavecín), en calidad de invitados especiales.

Ellos, a sala llena, revivieron el clásico navideño de El Cascanueces, a través de un concierto que abarcó las distintas piezas de la Suite, compuesta por P.I. Tchaikovsky para la libre adaptación del cuento El Cascanueces y el Rey de los ratones de Hoffman, Dumas y el mismo Tchaikovsky, acompañado por la representación actoral del Grupo Teatral Skena (comandado por Sara López). Como complemento del programa, la Orquesta Sinfónica Juvenil de Chacao, dirigida por Florentino Mendoza y con el barítono Gaspar Moleiro y la soprano Ninoska Camacaro, interpretaron cuatro piezas del Mesías de Händel, para subir definitivamente el carmesí telón del anaranjado nuevo Teatro de Chacao.

Cuatro contundentes excusas

2011-12-11T00:13:00.001-04:30

Jesús Cova, Angélica Arteaga, Wadih Hadaya y Ana Alicia Pérez son sólidos actores pero aún sin rating, ese hálito mágico de supuesta grandeza o calidad que emana de la televisión. Este cuarteto de venezolanos -rondan ya los 30 años- culmina hoy la primera temporada del espectáculo Excusas, ácida comedia de los hispanos Joel Joan y Jordi Sánchez, la cual presentan en Trasnocho Cultural, con la severa dirección y la profesional producción de Melissa Wolf, respaldada por Grupo Actoral 80 (GA80) y Celcit.
Al subrayar que estos habilidosos comediantes carecen de rating es porque no han trabajado recientemente en teleseries criollas y eso es “importante” para un público que gusta ver, en persona o sobre el escenario, a intérpretes destacados en las pantallas. Este es uno de los más perversos mecanismos mediáticos para el codiciado éxito de taquilla del mal llamado teatro comercial. La televisión y también el cine ayudan a las salas, y eso no es aquí no más, es casi una constante mundial. Pero la paradoja es que, en ocasiones, actores con rating no siempre llevan audiencias tumultuosas, al parecer porque están viejos o descontinuados, como ocurrió, recientemente, con Fuga en el Trasnocho.
Presentar un montaje en salas que dependen exclusivamente de la taquilla, es siempre un riesgo, porque se puede perder hasta la camisa o ganarse un kino con una obra. Otros aseguran que el éxito comercial depende de temáticas y argumentos, y dan hasta recomendaciones sobre qué se debe exhibir y/o rechazar. En síntesis, la “piedra filosofal” para enriquecer a dueños de salas y productores, no existe todavía o no ha sido aún patentada por aristas en su diseño.
Conocedores de los problemas generados por no tener un talismán mediático en una sala comercial, estos muchachos del GA80 hicieron muy bien su temporada para demostrar su oficio y que sí pueden manejar comedias ácidas, teniendo también en contra el horario de las representaciones: sábados y domingos, a las 4PM. Pero no les fue tan mal, porque el boca-a-boca llevó un calificado público que aplaudió a rabiar ya que Excusas es una metáfora agridulce sobre la ruina de los anhelos, especialmente de quienes avanzan hacia los 30 y aún no han atrapado el éxito, algo que tampoco esta muy definido en la vida y ni en el teatro.
Hay que exaltar el trabajo actoral exhibido por este cuarteto de aguerridos cómicos y en especial por el humor desplegado, así como por el ritmo de sus competitivas performances. Gracias a ese peculiar lenguaje escénico, macerado bajo la férula de Melissa Wolf, ellos logran convencer con los dramas de las parejas y los de sus personajes, pero en especial las actrices, porque el histrionismo femenino siempre supera al de los varones y en esta obra tienen mejores líneas.
Excusas es otro calido montaje de este 2011 que arrincona al nefasto rating y el cual ha permitido evaluar cuatro actores y una directora en abierto desafío a los fantasmas de la taquilla.
Y para nosotros, este Excusas es uno de los mejores montajes de la temporada 2011, lo cual nos complace por ese elenco de actores en pos de la fortuna de la fama con un tema que arruina las vidas de las generaciones y además comandados por una mujer artista que tiene güaramos para hacer ese tipo teatro en un espacio que hasta ahora era de “los meros machos”.

Murió el dramaturgo Gilberto Pinto

2011-12-07T05:15:00.008-04:30

Gilberto Pinto luchó para sobrevivir unos años más y no dejar sola a su última esposa Francis Rueda y además conocer el nieto que les anunciaba Máximo, el hijo de ambos. Pero hoy murió y así ingresó definitivamente en la historia, convulsa pero hermosa, del teatro venezolano como autor, maestro de actores y director de espectáculos. Dejó para estrenar su pieza Mark Crossman regresa a casa, sobre los soldados gringos que pelearon en Vietnam.
Nació el 7 de septiembre de 1929 en una casa de vecindad de la parroquia Santa Rosalía. La obrera Socorro era su madre -ganaba seis bolívares semanales- y la de sus dos hermanos, Lilia y Porfirio Pinto, conocido posteriormente como el teatrero Luis Márquez Páez. Sólo estudió hasta el sexto grado, pero su bachillerato y la universidad fueron los escenarios criollos. Sus únicas diversiones cuando muchacho las realizaba en la YMCA, cuando funcionaba en las inmediaciones del puente La Trinidad.
Unas páginas de El Nacional abandonadas sobre la mesa del billar del YMCA (Young Men's Christian Asociation) atraparon la atención de aquel jovenzuelo. Las hojeó y se detuvo con curiosidad en un reportaje que Carmen Clemente Travieso le hacía al curso de Capacitación Teatral que, bajo los auspicios del Ministerio de Educación, dictaba el profesor mexicano Jesús Gómez Obregón para la juventud caraqueña desde 1947. “Eran las ocho de la mañana, de un día que ya no recuerdo de aquel 1948. Aquello me sorprendió porque no sabía quien había dejado abandonado ese periódico y además lo leído me llamó la atención. No tenía ninguna inclinación hacia el teatro pero mi profesión de vago me llevó a conocer que era aquello. Me encaminé hacia el edificio Casablanca, de Peligro a Puente República, y Carlos Denis, que era una especie de secretario, me inscribió sin mayores requisitos, porque no había más de 25 alumnos. De pronto me encontré en una clase, escuchando al profesor y viendo las improvisaciones de Luisa Mota y Pedro Marthan, quienes ya tenían un año en esos avatares. Todo eso me preocupó y al mismo tiempo me llamó la atención. Y al día siguiente estaba estudiando teatro. Desde entonces no he parado y son algo así como largos 60 años. La vagancia me llevó a la escena”.

Así relató sus inicios en las artes escénicas venezolanas este Gilberto Pinto, Premio Nacional de Teatro de 1999, actor, director, maestro de varias generaciones de comediantes y autor de 19 piezas, una de las cuales, El peligroso encanto de la ociosidad, fue estrenada por la agrupación Rajatabla, bajo la dirección de Germán Mendieta.

Afirmaba, a manera de consejo para los que presentan problemas de salud, que “uno escribe mejor cuando le cuesta hacerlo y no cuando no le cuesta escribir. Este largo tiempo con mis dolencias, me ha permitido serenar mi estilo y acercarme a lo que proponía Ibsen, que era ser económico en las palabras y profundo en el uso de ellas. Eso me ha permitido descubrir que yo escribía de más”.

Abandonó la docencia por razones obvias, pero eso no le impidió reiterar que “la actuación es una sola, todo lo demás son tonterías. La actuación es una, bien sea en teatro, cine o televisión, y en cada una de esas especialidades hay que cumplir las exigencias generales de la profesión: la sensibilidad, la imaginación, la concentración y sobre todo el deseo de jugar a ser otro, lo cual es importantísimo, porque quien no tiene ese deseo no puede ser actor”.

Subrayaba que la investigación es importante, porque ayuda a todo lo demás. “Ayuda a profundizar, pero tiene que partir del juego, porque actuar es como jugar, por eso es que en el mundo sajón actuar se identifica con el término play, porque actuar es como jugar. Cuando se actúa se juega a ser el otro. Es un juego de niños pero emancipados, no es el niño que juega a ser Superman, no, nosotros los adultos jugamos a ser otras cosas porque estamos emancipados. Una de mis mayores satisfacciones es el haber dejado una profunda huella en una gente que hoy está actuando o dirigiendo. Los veo en la televisión, en el cine o el teatro y me llena de satisfacción que algunos de ellos hayan cristalizados sus aspiraciones profesionales y artísticas, porque no hay que olvidar que no todos llegan. Hay un 95 por ciento que se queda en el camino”.

De sus años mozos, durante la compleja década de los 50, recuerda que participó activamente en la lucha popular contra la dictadura perezjimenista. “Hacíamos teatro contestatario en el día y en la noche nos entregábamos a las actividades políticas. Hacíamos graffitis y repartíamos proclamas y propaganda. Y todo ese grupo estaba en una lista negra. Éramos Rafael Briceño, Héctor Myerston, Humberto Orsini y Román Chalbaud, entre otros. La llegada de la democracia no cambió nada: siguieron la torturas, los asesinatos, las represiones y hasta que afortunadamente, vino una pacificación, pero antes mataron a César Trujillo y Oswaldo Orsini entre otros”.

La producción dramatúrgica de Gilberto Pinto está impregnada y cargada de profunda y mordaz crítica social, política e histórica. Dejó leer y representar piezas como El rincón del diablo, El hombre de la rata, La noche moribunda, Los fantasmas de Tulemón, El confidente, Pacífico 45, La guerrita de Rosendo, La muchacha del blue jeans, Gambito de dama, Lucrecia, La visita de los generales y El peligroso encanto de la ociosidad, entre otras.

Seguirá vivo siempre que lo recordemos y además veamos en escena sus piezas.

Balance del Festival Caracas 2011

2011-12-03T21:07:00.002-04:30

El teatro venezolano ha sido, es y será revolucionario. Sus artistas, los dramaturgos y su oceánico público así lo han demostrado a lo largo de 200 años, aunque en ocasiones surgen detractores y enemigos encubiertos que tratan de asfixiarlo, de quitarle espacios, de desviarle los recursos del Tesoro Nacional que le pertenecen por ser una crítica manifestación cultural, y hasta han pretendido matar por hambre a sus hacedores. No es complaciente, ni frívolo, ni tampoco tarifado, ni servil; prefiere comerse las migajas del banquete antes que deshonrarse.
Hay que recordar, que Rómulo Betancourt liquidó a tres teatreros- el actor César Bustillos, Oswaldo Orsini y el hijo de María García- quienes participaron en aquellos revoltosos alzamientos contra su régimen, pero el teatro no feneció ni siquiera ante el plomo de las pistolas adecas y copeyanas, como lo dice el dramaturgo Gilberto Pinto.
Hasta ahora nadie ha podido hacerlo claudicar ni desaparecer de los escenarios y el boom del mal llamado teatro comercial es muestra de como sus creadores pueden sobrevivir gracias a la imaginación pero sin claudicar en su filosofía de denuncia contra las injusticias, contra los desatinos de los gobiernos y siempre en contra de las exclusiones. El teatro siempre ha estado en la acera del frente pero sin poner en tela de juicio su amor patrio.
En medio de ese sórdido panorama de incertidumbres y contradicciones para la sobrevivencia del arte escénico, en Fundarte, la mano cultural de la Alcaldía de Caracas y el Gobierno del Distrito Capital, se planificó y materializó una muestra del teatro contemporáneo, ese que estaba en cartelera o en despensas de los teatristas, y fue así que se puso en marcha, del 11 al 25 de noviembre, el Festival de Teatro Caracas 2011 (FTC 2011) con la intervención de 80 agrupaciones y sus 600 actores para realizar más de 160 funciones en 13 salas, ocho espacios públicos recuperados y 30 espacios comunitarios.
Comenzó el FTC 2011 con Seguimos o paramos, espectacular montaje de sainetes venezolanos, que dirigió Ibrahim Guerra, y culminó con La cantata del rey Miguel, creada por Tomás Jurado Zavala y Carlos Arroyo con el Teatro Negro de Barlovento. Y hasta sorprendió un homenaje al desaparecido transexual Esdras Parra con la presentación de nuestro monólogo Novia en rojo, en la Casa del Artista.
El FTC 2011 (cobró 5 bolívares por cada boleto) arroja, hasta ahora, cifras como 70 mil espectadores en salas, 18 mil en la calle y 10 mil en las comunidades, 1200 en Unearte y 80 mil en Ciudad Teatro. Gracias, pues, al funcionario Freddy Ñañez, el bálsamo teatral bajó la presión no solo a la ciudadanía al borde del colapso. A las agrupaciones les cancelaron sus honorarios y algunas fueron invitadas a exhibirse en una mini muestra que se hace con motivo del Celac, vital evento de geopolítica latinoamericana. Hay planes para el próximo año y los teatreros esperan que se los informen, a tiempo, para lucirse con sus montajes.

Hay,pues, teatro vivo en esta Venezuela que timidamente avanza en la centuria XXI!

Caracas con Novia en Rojo

2011-12-03T20:57:00.003-04:30

En medio del escándalo mediático suscitado por el atentado terrorista que eliminó al fiscal Danilo Anderson, la defunción de Esdras Parra fue privada y al funeral solo acudieron sus escasos familiares. Se marchó en silencio y entre sombras como había sido su vida durante los últimos 26 años de los 74 que vivió.
El pasado 18 de noviembre se cumplieron, pues, siete años del mutis de Esdras Parra y nadie se acordó de su obra literaria ni de su rocambolesca vida, salvo un grupo de teatreros que montaron, dentro de la programación del Festival Nacional de Teatro de Caracas 2011, el espectáculo Novia en rojo, para rendirle un homenaje, ya que él fue quien inspiro a este periodista para escribir el susodicho monólogo, el cual ahora ha sido dirigido y actuado por José Gregorio Cabello y José Gregorio Becerra, respectivamente, y exhibido en la sala Doris Wells de la Casa del Artista, durante los días 23 y 24 de noviembre.
Orígenes
Novia en rojo es la primera pieza de una trilogía que hemos pergeñado sobre la temática de la homofobia que persigue la identidad humana y las diversas luchas reivindicativas que se suscitan por la consecución de la misma. La escribimos entre abril y octubre de 2008, tras haber ahondado en la saga del intelectual y poeta Esdras Parra quien se sometió a una RGS a los 48 años, en Londres, para vivir como “señora” hasta su muerte, tras sortear trampas y burlas de una sociedad que rechaza conductas como las que ella, o él, asumió públicamente.
De esa investigación periodística, en la cual nos sumergimos impulsados por la anécdota que Mario Vargas Llosa cuenta sobre una visita inesperada de Esdras Parra a Guillermo Cabrera Infante en su residencia londinense, emergieron varios elementos fundamentales para la creación de nuestro personaje Esdras Quinto, transexual que, cual Pigmalión venezolano descubre su Galatea, peluquera de origen peruano, pero de padres chinos, y vive con ella un tórrido romance “lésbico…” hasta que la muchacha se marcha a la lejana Australia para casarse con su otro amor, el transexual Valeria que no piensa operarse, y hasta procrear una familia por los métodos tradicionales.
La soledad y los recuerdos provocan el final de Esdras, quien en el espectáculo viene desde su tumba para revelar todo lo vivido.
Montaje caraqueño
José Gregorio Cabello, curtido director teatral, y José Gregorio Becerra, meritorio comediante de la agrupación Teatro del Baco, asumieron la creación del primer espectáculo a la venezolana de Novia en rojo, respetando en gran parte nuestra propuesta de autor.
Lo mostrado, utilizando un video y una grabación radial, para subrayar la vida del transexual, la cual es plenamente recreada, permite ponderar las amplias condiciones actorales de Becerra, quien además corporiza al intelectual que asumió su destino de transexual. Impacta el duelo visual del personaje fílmico y el de carne y hueso, no solo por las diferentes caracterizaciones sino por intensidad en cada uno de esos roles.
Se trata, pues, de una bien lograda y audaz propuesta del director, y además poco frecuente en esta Caracas donde los monólogos tienen su pétreo reinado, no solo desde 1996, cuando Mimi Lazo estrenó El aplauso va por dentro de Mónica Montañés.
La caraqueña Novia en rojo hará una temporada en febrero del 2012, en una de las salas del Celarg, para quienes no se asusten de esas realidades que planteamos.
Homofobia
Dentro de la temática teatral de la homofobia, contamos con Novia en rojo y este año se estrenó El fantasma de Bonnie, dirigida por Dante Gil y con la producción de Veneteatro de Los Teques , y ya alistamos, para el 2012, El carnaval de Marilyn.
Quinto es Parra
El 11 de septiembre de 2009, en el Teatro Diagonal de la argentina urbe veraniega Mar del Plata, fue el estreno mundial de Novia en rojo, irrepetible experiencia existencial que nos permitió ver por primera vez en escena al protagonista Esdras Quinto, enamorado y sufrido personaje transexual. Habíamos viajado 14 horas en avión y autobús para conocerlo, en carne y hueso, gracias al trabajo del equipo de teatreros que liderizó Mónica Marchini y actuó Mario González, con el soporte de María Schulze y Claudia Mauriz.
Culminada en octubre de 2008, Novia en rojo es la saga de Esdras Quinto, quien, como su sosías Esdras Parra, nació en Santa Cruz de Mora (1 de enero de 1930) y murió en Caracas (18 de noviembre de 2004). Así puede simplificarse la vida de ese escritor, poeta y promotor cultural, quien tras “un cambio de sexo”, en Londres (1978), alteró su periplo y se reinstaló en Caracas (1982) pero no lo dejaron ser plenamente feliz. Su transexualidad y su lesbianismo le generaron múltiples problemas que afectaron su capacidad de creación para la narrativa y hasta sus enemigos hicieron chistes eróticos con todo eso. Fue una víctima más de la homofobia, lacra cultural que mata o execra a quienes se atreven a ir contra los caducos cánones sociales.
En Novia en rojo se ficcionan los últimos cuatro años de su vida, salpicada de amores que van y vienen con pesada brevedad, hasta que una muchacha lo precipita en un abismo de paranoias. Aunque siempre la realidad es superior a la recreación artística, ésta es una metáfora más sobre la vejez que, acompañada de desamor, soledad y pobreza, asecha a la mayoría de los seres humanos, sin importar su conducta sexual o su género. Gracias, pues, al inteligente y macerado trabajo, lograron impactante performance que transmitió limpiamente, la trágica vida del transexual devorado por una sociedad retrógrada, tal cual como la habíamos escrito.
Exaltamos el importante aporte de la directora Marchini al alterar las didascalias originales y transformar a dos muñecas, que eran apoyos para el monologante, en actrices – muy diestras en el arte de deslizarse con telas circenses- para encarnar a Galatea y Valeria, personajes que precipitan el conflicto final de esa especie de Pigmalión del siglo XXI.
Y todo quedó redondeado con la patética caracterización que alcanzó González y las asombrosas caracterizaciones, cual hadas del averno, de esas siniestras muñecas-mujeres que lo acompañaron en escena.
Ese montaje argentino vino Venezuela y se presentó en los Festivales de Oriente y Occidente, además de la sala de conciertos del Unearte, durante el último trimestre de 2009.
Para nosotros fue un debut excepcional en la escritura teatral, dado que, como lo dijese el dramaturgo Darío Fo (Premio Nobel 1997) en visita a Buenos Aires en 1984, “en ningún país del mundo el teatro tiene la importancia que tiene en la Argentina”.

La rumba caliente de Santana

2011-11-27T00:07:00.001-04:30

El espectáculo Rumba caliente sobre el muro de Berlín, creado sobre la obra homónima de Rodolfo Santana, fue el gran estreno del recién concluido Festival Nacional de Teatro Caracas 2011, en la Sala Anna Julia Rojas de Unearte. Ahí, el meritorio director José Gregorio Cabello y su acoplado grupo Manatí eran los oficiantes de un extraño ritual con personajes metafísicos o fantásticos, y además muertos, quienes cantan y bailan a la vida sobre las ruinas de ese algo que el mismo autor ha señalado como “la costumbre, muy humana, de encontrar siempre las leyes y permisos que permiten elevar muros y prohibiciones”.
Santana, pues, a sus 67 años recién cumplidos, no tiene miedo alguno de enfrentarse a un público, anquilosado mentalmente por el cine, la televisión y el teatro realistas, y proponerle un juego intelectual, un exhaustivo acertijo para obligarlo a pensar sobre asuntos tan básicos como la religión, Dios, la vida, la muerte, la libertad, los gobiernos y hasta el amor, pero usando personajes cotidianos tales como una mujer transformada en ángel, un obrero empeñado en levantar muros, y un militar dedicado a fiscalizarlo y ordenarlo todo, en compañía de unos soldados perrunos, etcétera. ¡El teatro copia a la vida, eso es todo!
En resumen, el Santana de quien conocemos las claves de su cantera teatral, ha regresado a dos piezas básicas en su extensa dramaturgia: Nuestro Padre Drácula y La empresa perdona un momento de locura, ambas exhibidas en los años 70, donde los seres humanos se inventan mitos y monstruos para jugar con ellos y aceptar además que lo dominen y lo esclavicen, y además enseña como el hombre explota a sus congéneres sin piedad alguna para lucrar o para jugar con ellos. Textos, para nuestro entender, existencialistas, en la medida que materializan aquello que nos gusta y que además no hacen daño pero no podemos vivir sin ellos o dominarlos. En ambas piezas el juego de la representación es básico o fundamental, se esta actuando o imitando a un ser que ha copiado o creado por otros. Teatro dentro del teatro, o vivir de acuerdo a las normas y hasta jugar que podemos alzarnos y cambiarlas cuando nos incomodan.
Por supuesto que Santana no hace ensayos filosóficos complicados o densos, nada de eso, recurre a lo lúdico y lo cómico y, quizás lo más delicado de su propuesta, invoca y personifica a la violencia, al tiempo que pretende explicarla, de darle un sentido para que no sea una fuerza ciega, como lo ha escrito.“Las violencias soterradas o explicitas duermen en todos los pechos humanos. Son parte de nuestra naturaleza y una de las virtudes de la representación es que puede mostrarla en todo lo que tiene de peligro y liberación”, reitera. Todos tenemos un demonio adentro y a veces le damos salida.
El público podrá digerir la nueva pieza de Santana, la cual tiene una breve temporada caraqueña durante el venidero diciembre, o aplaudir las performances de Virginia Urdaneta, Gerardo Soto o Francisco Silva, además de Mari Pili Salas, Luis Gómez y José Antonio Fernández, los oficiantes que acompañan al tesonero director Cabello.
Hay, por supuesto otras lecturas posibles sobre este texto y su espectáculo, apreciaciones incluso muy comprometidas, para los tiempos que vivimos, pero que se las dejamos a los espectadores porque todavía el teatro es el único rincón del mundo donde impera la libertad. Solamente quiero recordarle a los lectores o eventuales espectadores que el derrumbe del muro del Berlín alemán no fue tan sencillo ni tan inocente, pero para explicarlo Santana escribirá otra pieza de teatro porque las consecuencias así lo ameritan.

Sin excusas para el futuro

2011-11-27T00:00:00.002-04:30

En Venezuela no abundan las mujeres entregadas a la dirección de espectáculos teatrales, una exigente especialidad artística que históricamente ha estado mayoritariamente en manos masculinas. Por eso cada vez que aparece una fémina al frente de una producción artística hay que festejarlo y buscar el testimonio respectivo de ese avance o ese logro. Hay muchas por aprender y nunca se termina.
Y para comprobarlo con hechos esta Melissa Wolf, joven, bella e inteligente, al frente de la comedia Excusas, de los españoles Joel Joan y Jordi Sánchez, protagonizada por Jesús Cova, Angélica Arteaga, Wadih Hadaya y Ana Alicia Pérez, la cual hace temporada en el Trasnocho Cultural.
-¿Cómo llega Melissa Wolf al teatro?
- Empecé a estudiar en el Taller de Formación Actoral de Venevisión cuando se formó en el año 2004. Ese fue mi primer acercamiento al oficio del actor. Era un programa muy completo, con clases de lunes a viernes desde las siete de la mañana a las 12:30pm, y los mejores profesores de actuación, expresión corporal, voz y dicción. Apenas empezó fue un enorme descubrimiento. Aquello me apasionaba desde cualquier ángulo que lo mirara. Fue un año delicioso y al finalizar hicimos el montaje de Se quieren, en el cual, además de interpretar a uno de los personajes, asumí el rol de asistente de dirección de Héctor Manrique. Finalizando ese trabajo, Héctor me invita a ser la asistente de dirección de El día que me quieras, dirigida por Juan Carlos Gené, durante la temporada 2005, y a partir de ese momento y hasta la actualidad he trabajado en numerosos montajes del grupo como asistente, posteriormente como actriz en Final de partida y Acto cultural. Hace dos años comencé a dictar los talleres sabatinos del GA80 y he dirigido montajes como Momentos de José Luis Alonso de Santos (2007), El cruce sobre el Niágara de Alonso Alegría (2008), Edmond (2009) y Romance (2010) ambas de David Mamet y actualmente tenemos en cartelera a Excusas.
-¿Con quienes ha trabajado?
-En el programa de formación de Venevisión tuve como maestros a Felicia Canetti, Giovanni Reali, Marcos Reyes y Héctor Manrique, a quien después he tenido como profesor en varios talleres del Grupo Actoral 80. Además, en cada montaje del que he formado parte como asistente de dirección, ha sido de alguna manera un proceso en mi formación como actriz y directora.
-¿Qué es lo que más le gusta y por qué?
-El hecho vivo del teatro. Que las cosas sucedan “como si fuera la primera vez” frente a los ojos de un espectador distinto cada noche, que se va de la sala imaginando que ese hecho extraordinario ocurrió para él. Me gusta la montaña rusa que empieza en el momento en que se apagan las luces y suena la normativa de un teatro. De ahí en adelante todo es un enigma, por mucho que lo hayas ensayado.
-¿Qué trata su más reciente espectáculo?
- Excusas es una comedia sobre el fracaso de los sueños.,asi de sencilla es la cosa.

-¿Cómo es Excusas, cómo le llegó la obra y cómo ha sido el trabajo con los actores?
-Esta obra me llegó hace unos cinco años a través de Héctor Manrique, en un momento en que leíamos posibles proyectos para montar. Me pareció una pieza que decía cosas importantes a través del humor, una obra en la cual yo quería actuar. Ahora, años más tarde terminé montándola como directora. En el trabajo con los actores siempre procuro que sea lo más divertido y libre posible. Son cuatro jóvenes con mucho entusiasmo. Para dos de ellos es su primera experiencia frente al espectador y eso siempre es contagioso y llena de ímpetu el trabajo. Tener una fecha en un teatro (privilegio en esta época, tan dura para conseguir espacios) era una gran responsabilidad para todos en donde fuimos creciendo juntos y descubriendo el rumbo que tomaban las acciones de cada personaje.
-¿Satisfecha con lo logrado?
-Mucho. Es un montaje hecho con verdad, con mucho esfuerzo, y el resultado es una obra que espero divierta al espectador tanto como lo hace conmigo y lo confronte tanto como me golpea a mí el tema de las excusas para justificar nuestros miedos y nuestros fracasos.
-¿Qué más trabajos tiene entre manos?
-Por ahora estamos cerrando un año de mucho trabajo. Con el GA80 estrenamos cinco espectáculos que hemos mostrado en Caracas: Acto cultural, Baraka, Gorda, Petroleros Suicidas y Excusas, todos en 2011, lo cual significó un intenso y sabroso trabajo en equipo. Me gustaría mucho volver a actuar y por ahora sigo en la búsqueda de la obra que dirigiré el año que viene.
La crisis de los 30
Querían escribir una comedia sobre la amistad y ese invento estrambótico que es la pareja. Así nació Excusas, una obra que Joel Joan creó y protagonizó a medias con Jordi Sánchez. Ahora es famosa e internacional y ha sido llevada incluso al cine, y además es de comprobado éxito en otros países. Ahonda en la debilidad del ser humano a la hora de afrontar compromisos, cambios y decisiones importantes para su futuro, es una pieza cargada de humor y reflexiones. Una comedia sobre la crisis de los 30 esa edad en la que las personas comienzan a estabilizar sus vidas, a casarse, y dejan atrás la libertad y el desenfreno juvenil. En la obra, los cuatro protagonistas han conseguido una estabilidad laboral que no les proporciona aquello que buscan; a lo largo de la historia veremos cómo evolucionan cautivos de las excusas que se ponen a sí mismos para no elegir lo que realmente quieren. Es el tono de comedia el que facilita a los autores contar cosas muy serias sobre las vidas de los personajes. Cristian y Jesús son dos amigos de toda la vida, ahora en la treintena han elegido caminos diferentes: el primero es un mujeriego crónico incapaz de comprometerse con su novia Susana; el segundo está casado con Begoña y a su lado su vida va alejándose de lo que se imaginaba cuando era más joven, especialmente cuando ella queda embarazada. Infidelidades, hijos, peleas, cenas de pareja, fiestas, persecuciones y una gran cantidad de excusas para no ir tras los sueños. Todo ello cargado de un humor ácido que dice cosas muy serias sobre nuestra incapacidad para tomar decisiones por nosotros mismos.

La homofobia mata o arruina

2011-11-21T06:01:00.002-04:30

Mata venezolanos y no es invento periodístico ni tampoco vagabundería de los teatreros, pero es una letal realidad, incluso prohibida por la Carta Magna de Venezuela. Y como una prueba más de que la homofobia, mortífera discriminación existe, el diario Últimas Noticias (19.11.11) en su página 24 reseña que las autoridades levantaron el cuerpo de un transexual asesinado de una pedrada en la cabeza, tenia manos y pies atados con tirro, y vestía pantalón negro, blusa de mujer y zapatillas. La victima, que apareció en la calle Santa Ana de Prado de María, no portaba documentos de identidad.
Mientras la investigación policial da más detalles, reseñamos que, precisamente el sábado 19, dentro de la programación del Festival Nacional de Teatro Caracas 2011, se presentó un espectáculo contra la homofia, lacra cultural que esparce odio y muerte en el mundo. Era La disculpa o El costo de la intolerancia, escrito y dirigido por César Eduardo Rojas Márquez, con las desgarradas actuaciones de Trino Rojas, Weidry Meléndez, Slavo Sorman, Luis Miguel Sánchez, Omar Churión, la jovencita Viviana Sandoval y el vibrante baladista Johan Astros.
La disculpa muestra las vicisitudes de seis venezolanos, dentro de una saga melodramática, donde la muerte de un muchacho homosexual desencadena una increíble violencia domestica contra su pareja sobreviviente y como una niña, concebida en una vientre “alquilado”, se convierte en ángel de la reconciliación de esa familia que no acepta conductas sexuales diferentes y aplica la homofobia con abyectos fines…al parecer sin saberlo.
Vito, Rosa, Julio y Leopoldo Salvato, además de Roberto y Penélope Ricardo son los conspicuos personajes del melodrama que Rojas Márquez (caraqueño de 50 años) ha plasmado, dentro de un espacio no convencional, para romper lanzas contra la discriminación homofóbica que desgració al compañero de una victima del VIH-Sida, pero al final el remordimiento cobra su victima propiciatoria.
No es fácil digerir la saga de La disculpa porque esta construida sobre la pared de papelillo que separa al melodrama de la tragedia, pero tiene un asombroso efecto catársico entre la audiencia.
Ahora César Eduardo Rojas Márquez, se va con su espectáculo a otros espacios porque prosigue su lucha contra la homofobia (rechazo o intolerancia contra los homosexuales).
¡El teatro una vez más copia a la vida y enseña!

El diablo en misa

2011-11-20T10:08:00.002-04:30

Gilberto Agüero Gómez (Barquisimeto, 1940) logró escandalizar y entretener a los espectadores del Festival Nacional de Teatro Caracas 2011 con su pieza El diablo en misa, puesta en escena por Román Chalbaud y con el despliegue actoral de Hans Cristopher, Alexander Dolorzano, Norma Monasterios y el debutante César Augusto Roa.
En El diablo en misa se denuncian algunas de las tantas corruptelas económicas y morales de un sector de sacerdotes de la Iglesia Católica Romana, para lo cual, a partir de hechos acaecidos en la Venezuela de los últimos años, debidamente ficcionados, se demuestra como es que los clérigos intervienen descaradamente en la política y abusan del poder de sus investiduras para acosar y violar a miembros de la feligresía o del personal que trabaja con ellos en los rituales del culto.
Todo transcurre en la sacristía de una iglesia venezolana, en tiempos actuales, cuando el obispo Melchor arma un berrinche con el párroco Pablo por la poca asistencia del público a una misa celebrada para exaltar a su “sobrino”, el exiliado Dixion Rubio; pero la crisis se agudiza porque Fidel, el joven acólito, urde una trampa rocambolesca –les sirve café con burundanga- para descubrir la pedofilia y la homosexualidad de esos dos religiosos, contando con la complicidad de María, la ama de llaves, y bajo la mirada medio inocente de Vicario, un sacerdote menos corrupto y más con los tiempos de cambio que azotan al mundo.
La obra, que oscila entre el sainete y la comedia moderna, disfraza sucesos recientes y los usa como guarnición para ese “pabellón criollo” que es la descarada y reiterada violación de los niños acólitos por parte del párroco y hasta del mismo Melchor.
Por supuesto que el espectáculo atrapa a la audiencia con el histrionismo de los actores principales (Solórzano, Cristopher y Monasterios) y porque Chalbaud, curtido en las lides del teatro y el cine, como lo demostró con sus obras Sagrado y obsceno o La quema de Judas, le da el ritmo justo al montaje y obtiene las atmósferas necesarias para su verosimilitud, por el cual el público, que es muy creyente en la religión, pero también desconfiado con los curas en general, aplaude frenéticamente.
MAS DE 40 PIEZAS
El dramaturgo Gilberto Agüero Gómez ha vivido gran parte de sus 71 años en Barquisimeto, donde acompaña a su madre, Rosa Doralicia Gómez de Agüero. Visita Caracas siempre por motivos especiales, aunque aquí tiene amigos como Román Chalbaud, y además aquí aprendió los rudimentos del teatro y se hizo dramaturgo, cuando ya había vivido un cuarto de siglo.
Advierte que ha escrito más de 40 piezas, pero solamente tiene una docena de esas obras editadas. “Las otras las he distribuido en libretos y algunas me las han representado. Pero eso no es suficiente. Sigo siendo un dramaturgo excluido, quizás el campeón de todos los excluidos escritores del teatro venezolano”.
Cree que se escenifica poco teatro nacional porque se editan muy poco a nuestros autores. “El Estado, que es el único que lo puede hacer, no tiene todavía una política especial de incentivos, aunque hay que resaltar el caso de la editorial oficial El perro y la rana que me ha publicado mi libro La primera orquesta latina de mujeres, y también lo ha hecho con otros escritores. Ojalá que intensifiquen esa tarea de hacer conocer a los dramaturgos criollos, porque es muy larga la lista de inéditos o ignorados o excluidos. Ojalá que las autoridades de esa empresa estatal se entusiasmen con esa tarea que yo considero patriótica”,
Agrega que también se escenifica poco teatro de autor nacional por “razones muy personales, supuestamente culturales o intelectuales de los productores y directores, pero de eso prefiero no hablar, porque por ahí salta la liebre de la comercialización de la escena, que es otro problema complejo, el cual se caracteriza por la búsqueda de textos exitosos de afuera o de autores internacionales y la contratación de aquellos actores que tienen un buen rating por la televisión. En fin la situación es bien compleja, pero se puede ayudar a sofocar o disminuir esa exclusión con la publicación al menos de los textos, También gracias a la Internet hay posibilidad de difundir algunas piezas pero yo no estoy en nada de eso, ni computadora tengo”.
“Los tiempos han cambiado para mal, porque antes existía El Nuevo Grupo y ahí el autor nacional tenía prioridad, porque para eso lo crearon José Ignacio Cabrujas y Isaac Chocrón, ya fallecidos, y Román Chalbaud, entre otros. Esa institución cerró hace 23 años y nadie tomó el relevo, lamentablemente. Y eso también ha afectado el desarrollo de nuestro teatro en general”.
Agüero Gómez debutó como autor con Ciclón sobre los barcos de papel. “La escribí en Caracas y la envié a un concurso de Maracaibo, donde me gané el primer premio, unos dos mil bolívares de la época, era el año 1966. Esa pieza se montó en el Zulia y nunca más subió a escena, aunque aquí en Caracas estuvo en cinco proyectos. Es la historia de un muchacho que viaja a Londres para hacer unos talleres sobre traducción simultánea de conferencias y cuando regresa se le presentan varios problemas con su mamá porque ella quiere casarlo a juro. Después escribí Amelia de segunda mano y desde entonces no he parado. También he escrito teatro para niños, que es el que más se ha escenificado”.
También se ha ganado la vida dictando talleres de dramaturguia, la cual aprendió de manera autodidáctica, ya que se dedicó a leer a los autores del teatro universal y al mismo tiempo fue aplicando las pautas que dejó el crítico Enrique Izaguirre en su librito Técnicas literarias del drama. “Es un texto mínimo pero preciso y altamente didáctico. Ahí se explica, de manera muy clara, los rudimentos de una pieza teatral, como son la exposición, el nudo y el desenlace. También enseña que los temas tienen que ser, al principio, sobre cosas que el principiante conozca, y dejar para más adelante aquellas situaciones complejas, o sea que no se debe incursionar en terrenos desconocidos de primera entrada. "Hay que ir poco a poco, y aprendiendo a vivir para lo cual no hay libro que sirva, sino la propia experiencia".

Seguimos con festival de teatro

2011-11-19T21:31:00.002-04:30

Es muy temprano para hacer evaluaciones generales sobre el Festival Nacional de Teatro Caracas 2011, el cual avanza con 80 agrupaciones -37 son del área metropolitana-en salas y otros espacios alternativos hasta el próximo 25 de noviembre. Pero ya se puede reconocer que la organización, en manos del hábil equipo de Fundarte, cumple con su doble programación, la lúdica y la reflexiva Ciudad Teatro de la plaza Diego Ibarra, al tiempo que el público, atraído por los económicos precios de los boletos, se pelea por entrar a como de lugar para degustar los espectáculos, gesto que no veíamos desde aquellos inolvidables eventos internacionales que dirigía Carlos Giménez.
Se debe subrayar que en el Festival no pululan los espectáculos nuevos, salvo unas excepciones. Los coordinadores del evento (Freddy Ñañez y Antony Gómez) convocaron a las agrupaciones para que exhibieran sus montajes de repertorio o los que podían estrenar de inmediato. Eso es muy importante porque así la muestra se transforma en un gran fresco sobre el estado actual del teatro vernáculo, algo que hacia falta y es conveniente para las mismas instituciones culturales, tanto oficiales como privadas. Hay que saber lo que se lleva en la faltriquera para este viaje perenne de la cultura criolla.
De lo visto, hasta ahora, debemos resaltar la sainetera apertura y las presentaciones de Mimi Lazo, la Fundación Rajatabla, el grupo Teatro Forte, Salamandro Teatro, Teatro del Laberinto, Producciones Román Chalbaud, Teatrela y El Galpón de San Fidel todos con montajes bien hilvanados.
Estamos conscientes que esta fiesta histórica recién empieza como lo demostró Ibrahim Guerra con su delicioso sainete ¿Seguimos o paramos? , híbrido de gran factura con textos de Leo, Guinand, Andrés Eloy, Aquiles y Pimentel, utilizando además música cañonera, valses, pasodobles y el rucaneo que interpretó el conjunto Los Antaños de San José.
En el teatro Cristo Rey del 23 de Enero pidió Mimi Lazo, expresamente, exhibirse con su monólogo El aplauso va por dentro, sin sospechar el impacto que ocasionaría en aquella audiencia con su discurso feminista y la mesurada performance que utiliza.
El cuarentón Rajatabla aprovechó homenajear al ausente “Paco” Alfaro con una extraordinaria función de Tu país esta feliz en la sala José Félix Rivas, donde nuevamente, subrayó que la libertad y las reivindicaciones sociales siempre estarán pendientes.
Vladimir Vera y su agrupación Teatro Forte, quienes trabajan para hacer espectáculos vanguardistas, de esos que se cultivan en España, insistió con su emblemático montaje Crónicas de Palahniuk, para reiterar que todas las pulsiones sexuales marcan la ruta de la humanidad, aunque se diga todo lo contrario, como ya lo hizo también con Amén, más centrado en la homofobia.
Freddy Pereyra se vino del lejano San Cristóbal para mostrar su versión de La empresa perdona un momento de locura de Rodolfo Santana, donde están rampantes los excesos que hizo y hace el capitalismo.
Inolvidables fueron las funciones de Bolívar vs. San Martín. La revancha de Ignacio Márquez, un inverosímil match boxístico de los grandes libertadores de este continente.
El dramaturgo Elio Palencia de la mano del director Costa Palamides revivieron ese clásico del siglo XXI que es Penitentes, gracias a la entrega de un terceto de maravillosos actores.
El legendario Román Chalbaud dirigió un complejo texto sobre las maldades de los clérigos católicos como loa escribió Gilberto Agüero Gómez en El diablo en Misa.
Y esta primera parte el festival la cierra César Rojas con La disculpa, un melodrama contra la homofobia, esa lacra que pretende destruir a los diferentes.
Podemos anticiparles a los lectores que en Fundarte ya iniciaron la planificación para que durante el 2012 el Festival exhiba una respetable presencia internacional, porque el teatro venezolano lo necesita, ya que no puede continuar como “el pasajero del último vagón”.

El amor no es bueno ni malo

2011-11-19T21:27:00.001-04:30

Retornó a la sala Humboldt, en San Bernardino, el espectáculo Un informe sobre la banalidad del amor, de Mario Diament, considerado como uno de los mejores de la temporada 2011, el cual precisamente le permitió al protagonista ganarse el Premio Municipal de Teatro 2010-2011 como Mejor Actor.
Ahí, pues, de nuevo están sus intérpretes Mariaca Semprún y Luigi Sciamanna, quien además es el director del montaje, para enseñar las vicisitudes de una excitante y tormentosa relación amorosa entre el afamado filosofo Martín Heidegger y su alumna Hanna Arendt, en la Universidad de Marburgo, Alemania (1925), la cual culmina 50 años más tarde, con sus muertes.
El encuentro entre el profesor (35 años)-casado y con hijos- y la alumna (18 años) originó una de las historias de amor más renombradas y cuestionadas del siglo XX, ya que la joven era judía y el que sería denominado “el padre de la filosofía moderna”, militaría en el partido nacional socialista de la Alemania nazi.
HISTORIA FICCIONADA
En ese romance se inspiró el periodista y dramaturgo Mario Diament (Buenos Aires, 1942), para escribir la obra Un informe sobre la banalidad del amor, cuya primera temporada en Caracas duró diez semanas y ahora estará únicamente un mes.
La pieza es esencialmente una ficción y no un trabajo biográfico. Muchos de los episodios y referencias están basados en hechos reales, pero otros son inventados o imaginados. Para escribirla, el autor realizó una amplia investigación histórica. También usó frases y expresiones tomadas de la correspondencia entre ambas personalidades.
Un informe sobre la banalidad del amor es, pues, una turbulenta historia romántica entre el filósofo y la alumna, pero con desgraciado final. Es una bien entretejida trama, desarrollada por un periodista que terminó siendo un excelente comunicador creativo. Se desarrolla en cinco actos y va desde los años 20 hasta los 50 del siglo XX, en Alemania. La saga plasma al atormentado buscador de sexo para drenar pulsiones y la mujer que sublima el valor de la inteligencia representada en un donjuán que dice cosas como “la vida, en si misma, carece de todo propósito...solo el amor es capaz de infundirle razón a la existencia”.
Heidegger frivolizó al mal, jugó a ser nazi para salvar el pellejo y banalizó al amor usándolo como válvula para controlar presiones. Ella casi enloquece porque nunca puede ser su esposa, como era su anhelo, porque era una diversión más para el caballero…hasta que al final lo salva de la catástrofe por su nazismo.
COMPLETAMENTE AMORAL
En la obra, Heidegger le dice a Arendt que se ha vuelto "completamente amoral" y ella responde que el amor es "permisivo". En este caso de la obra hay un primer vínculo que es la inteligencia, el conocimiento; de allí surge el amor. Esto hace que el amor entre Heidegger y Arendt sea platónico. En efecto, la primera conversación que los reúne es un trabajo sobre Platón. A veces lo único que necesitamos para que todo sea mejor es estar enamorados. Sólo eso.
De sus vicisitudes existenciales y reflexiones se deduce que el amor es amoral en la medida en que no es bueno ni es malo, es amor. Trasciende la calificación. Está más allá del bien y del mal. Sólo cuando se le juzga puede adquirir la categoría de inmoral en la medida que alguien diga que contraviene una norma moral. Pero el amor como tal está por encima de todo.
ESPECTACULO
Un informe sobre la banalidad del amor esta dirigido, con precisión creativa por Luigi Sciamanna, quien además actúa al lado de Mariaca Semprún, y exhiben a sus personajes en memorables performances.
El trabajo de Sciamanna como Heidegger esta bien logrado, especialmente en el último acto, mientras que a lo largo de todo el espectáculo acentúa su férula sobre Mariaca Semprún, verdadera revelación, dama joven y bella que debe estar más tiempo en la escena para disfrute del público. La enamorada Arendt es la gran protagonista de esta hermosa obra de Mario Diament, otro enamorado de las mujeres, como lo dice a viva voz y como lo demuestra, además, con su escritura. ¡Su Hannah Arendt es otra gran heroína del amor y así lo muestra Mariaca Semprún!
PASION INSÓLITA
La relación amorosa entre Heidegger y Arendt comenzó en 1925 y su fase más intensa terminó en 1926.Ella se mudó a Heidelberg para completar un doctorado con Karl Jaspers y él se fue a vivir a Friburgo, donde ocupó la cátedra de Filosofía dejada vacante por su amigo y mentor, Edmund Husserl. La segunda fase de la relación, de 1926 a 1933, eran encuentros furtivos. Heidegger tuvo otras amantes y Arendt se casó en septiembre de 1929 con Günther Stern.
El 30 de enero de 1933, Hitler se convirtió en canciller de Alemania y el 21 de abril, Heidegger asumió como rector de la Universidad de Friburgo. Diez días más tarde, se incorpora al Partido Nacionalsocialista, membresía que mantendría hasta el fin de la guerra. Ese mismo año, Arendt se exilió en París, de donde partiría más tarde a Estados Unidos de América. Durante 17 años, no supieron nada el uno del otro. Heidegger, asediado por conflictos políticos y administrativos había renunciado a su posición de rector en 1934, vivió los años de la guerra en una relativa oscuridad. Arendt, por su parte, trabajó intensamente en el movimiento sionista.
Heidegger emergió de la derrota alemana convertido en un paria. Arendt regresó a Alemania en febrero de 1950, como miembro de la Comisión Europea para la Reconstrucción Cultural Judía. Para entonces, estaba casada con el dirigente marxista Heinrich Blücher y su nombre ya comenzaba a resonar en los círculos intelectuales de todo el mundo. Cuando llegó a Friburgo, le envió un mensaje a Heidegger para encontraran. La reunión, que comenzó ásperamente, terminó en una reconciliación. A partir de entonces, Arendt no sólo fue amiga y confidente de Heidegger, sino que se convirtió en una pieza fundamental en su rehabilitación pública.
En los 26 años que siguieron hasta su muerte, Heidegger fue celebrado por su influencia fundamental en el pensamiento contemporáneo, en particular, en la obra de los filósofos franceses de la posguerra. Nunca se disculpó por su pasado ni emitió jamás juicio alguno sobre las atrocidades del nazismo.
Arendt murió el 4 de diciembre de 1975 y Heidegger el 26 de mayo de 1976, dejando en manos de algunos escritores y dramaturgos, imaginar las claves de esa pasión insólita. Aunque el affaire entre ambos era sospechado por muchos, sólo salió a la luz pública en 1995, cuando Elzbieta Ettinger logró acceso a la correspondencia entre ambos, compuesta de 119 cartas, en su mayoría pertenecientes a Heidegger, ya que él, probablemente, se deshizo de las que Arendt le escribió.

Bolivar y San Martín en su revancha

2011-11-19T09:36:00.001-04:30

Poco a poco el público caraqueño y un sector de los medios de comunicación (o sea los periodistas) están descubriendo y evaluando el fenómeno social-artístico que viene ocurriendo en Caracas desde el 11 de noviembre. Eso esta muy bien y ya llegará el momento de su evaluación global que será positivo para la cultura nacional.
Mientras tanto, solo podemos decir que no está banalizada la escena criolla y este Festival Nacional de Teatro Caracas 2011 ha permitido, en sus primeros diez días, una revisión de lo que esta insurgiendo, tal es el caso del grupo Teatro del Laberinto que ha producido y exhibido Bolívar vs. San Martín. La Revancha, en la sala José Félix Rivas, para poetizar un hecho histórico, del cual poco se conoce o se analiza en los claustros.
Sí, el título no es errado. Es un imaginario match de boxeo entre el venezolano Simón Bolívar y el argentino José de San Martín, creado a partir del encuentro real que mantuvieron ambos Libertadores, entre el 24 y el 27 de julio de 1822, en Guayaquil, para discernir el futuro de sus incipientes repúblicas ante el acoso de los imperios del siglo XIX y cuando la independencia no se había consolidado.
Lo novedoso es como lo muestran en escena: mediante divertida propuesta que se vale de la metáfora boxística, para representar el enfrentamiento de los personajes en busca de la gloria, sin usar espadas y cañones.
Esta propuesta se logra dentro de una situación anacrónica, escrita, dirigida y actuada por Ignacio Márquez. Se materializa de manera lúdica, popular y no exenta de una atmósfera desacralizadora con la pareja de guerreros suramericanos cruzando sus guantes como curtidos boxeadores en un cuadrilátero del Coliseo el Exilio, ubicado en el Barrio El Olvido, y cuyo ritmo lo determina el narrador y comentarista de la pelea para una radio alternativa que nadie sintoniza. Los performancistas Arnaldo Mendoza e Ignacio Márquez dan vida a Bolívar y San Martín, respectivamente, así como a diez personajes más que acompañan al Libertador y al Emancipador de América, tratando de dialogar y convencerse a punta de guantazos.
Márquez no desecha el background histórico y obtiene así una delirante e ingeniosa propuesta que utiliza la metáfora del boxeo para rememorar el choque de los personajes en busca del poder y sus beneficios. Encuentro que no tuvo vencidos, por supuesto, pero que dejó sin resolver los destinos de sus naciones, que aún pugnan por alcanzarlos. Se trata, pues, de un audaz espectáculo que tiene el nivel de excelencia que se merece por la oportuna carga ideológica que enarbola.

Penitentes contra la homofobia

2011-11-18T05:55:00.002-04:30

Desde la temporada 2008 esta en los escenarios y ahora, después de su participación en el Festival Nacional de Teatro Caracas 2011, tendrán que darle un espacio donde sea, porque son miles los espectadores que deben verla y sacar sus conclusiones, porque otra vez más el teatro es escuela o es cátedra abierta para la comunidad y mucho más cuando lo hace a partir de hechos reales que estremecieron a la nación.
Nos referimos a la superpremiada pieza Penitentes, de Elio Palencia, la cual se centra en la saga, ficionada, del sacerdote católico Jorge Piñango quien apareció muerto en la habitación 89 del caraqueño hotel Bruno, el 24 de abril de 2006. Las investigaciones que esclarecieron dicho asesinato y además identificaron al criminal, inspiraron al autor para que pergeñara su oportuna, estrujante y valiente pieza, la cual ahora se presentó a sala llena en la Casa del Artista, gracias a la creativa y excelente dirección de Costa Palamides, además de las convincentes actuaciones de Ludwig Pineda, Delbis Cardona y José Gregorio Martínez.
Palamides insiste con Penitentes por su tema corrosivo y desgarrador, inspirado en la saga del asesinato del cura y las extrañas circunstancias como apareció su cuerpo. En su montaje cuidó que el público revisara la intolerancia que existe contra todo lo que manifieste diversidad sexual, alucinante suma de la ignorancia contra todo lo que sea divergencia, y plasmó en la escena el miserable e inhumano mundo en que se debaten los tres personajes del drama: el sacerdote, un chulo y un estudiante; la víctima, el asesino y otro que conocía íntimamente al religioso.
No hay por parte del dramaturgo un abuso de la temática ni un exceso en la argumentación. Todo se limita a mostrar las acciones físicas en sobrio juego coreográfico, pero suficientes para deducir las acciones de los personajes y sus respectivos dramas, al tiempo que se usa un lenguaje concreto. Todo destinado a mostrar como esos seres humanos están condenados de antemano por una sociedad que no permite salirse de la norma religiosa que apuntala a las leyes de un Estado, que no es laico, y que sí castiga con la muerte, a pesar de que está prohibida la pena capital, no sólo ese tipo de violaciones o excesos de las conductas sexuales contrarias a las normas religiosas. Caldo para la homofobia, esa lacra cultural que lastra a los pueblos.

La empresa capitalista

2011-11-17T05:51:00.003-04:30

La empresa perdona un momento de locura de Rodolfo Santana (Guarenas, 14 de octubre de 1944) es una de las obras más importantes del teatro político venezolano, porque ahí se muestra lo que hizo y hace actualmente el capitalismo. Convierte en maquinas a los trabajadores y los explota hasta enloquecerlos para sustituirlos por otros o para echarlos a la calle, a veces con una modesta jubilación o simplemente con unas “gracias”, más nada.
Es de tal calidad su texto y tan contundente su contenido, que ya fue llevada al cine por Mauricio Wallerstein con Simón Díaz en el rol protagónico. Y como el Festival Nacional de Teatro Caracas 2011 esta dedicado a exaltar la dramaturgia de Santana no podían dejarla de exhibir, por lo cual convocaron al grupo Salamandro Teatro, de San Cristóbal, estado Táchira, para que su primer actor y director, Freddy Pereyra viniera a la capital y la mostrara en el teatro San Martín, junto a la actriz Nilka Vélez.
En La empresa perdona un momento de locura se plasman las consecuencias derivadas de unas historias del protagonista, Orlando Núñez, un obrero que, ante un accidente laboral sufrido por un compañero, reaccionó con una psicosis que lo hizo actuar de manera violenta.
Núñez lleva casi 30 años de su vida trabajando de manera ejemplar en esa fabrica a la que, para descargar su ira, le ha destruido costosos bienes materiales.
Una psicóloga somete a terapias precisas al obrero y lo obliga a confesar que su verdadero gran drama, que lo tiene sin sueño y con una ira que se desborda por sus poros, es el asesinato de su hijo mayor, Antonio a manos de la policía del régimen, tras acusarlo de intentar asaltar un banco, pero la verdad es que lo liquidaron por ser un luchador revolucionario.
La psicóloga le entrega un muñeco de tela para que lo golpee con toda y su fuerza y así lograr que desahogue su ira, pero Núñez entiende el trasfondo del tratamiento y se resiste hasta donde sus fuerzas se lo permiten. Sabe que le van a condecorar y además le harán unos regalos monetarios, porque tratan de comprarle su conciencia y además lo quieren usar como ejemplo para sus compañeros de trabajo.
Pereyra, o Núñez, hace una actuación memorable y deja en claro que no se rinde aunque así se lo quiera ver. ¿Cuántos hay como él?
Esta obra, que esta jugada cen clave de comedia, es una dura cátedra sobre lo que es la utilización de la ciencia y el supuesto humanismo burgués como instrumentos de dominación social, Y aunque Santana la escribió hace 40 años tiene una vigencia que no debe asombrarnos.
Este montaje que es verdaderamente memorable, no solo por la amarga verdad de sus contenidos, sino también por la calidad de producción exhibida, contó además con el apoyo de Jorge Luis Dávila y Luis Muñiz.

Sexo con violencia

2011-11-16T05:07:00.002-04:30

Desde que se reinstaló en Caracas-después de una intensa pasantía en la vieja Numancia -Vladimir Vera (1978) lucha para recuperar el tiempo no vivido en su Venezuela y por eso está mostrando en la escena todo lo aprehendido y entre los espectáculos que trajo metamorfoseados con sus valijas tiene Crónicas Palahniuk, el cual exhibe nuevamente esta noche en la sala Rajatabla, dentro de la programación del Festival Nacional de Teatro Caracas 2011.
Son cinco monólogos, muy bien actuados por Jesús Sosa, Nadeschda Makagonow, Fedora Freites, Larissa Costas y Elvis Chaveinte, los cuales Vera pergeñó a partir de la novela Fantasmas del escritor Chuck Palahniuk (Pasco, Estados Unidos, 1962), que gracias a sus interpretes se transforman en conmovedora lección sobre las pulsiones sexuales.
Sentados en circulo, el publico es testigo de cómo cinco personajes, marginados por la sociedad dan rienda suelta a su agresividad autodestructiva, la cual termina por ser humorísticamente cruel, ante la supuesta anormalidad de sus situaciones, todas relacionadas con su sexualidad. Ahí se puede apreciar al alucinante Jesús en su exaltación a la masturbación; la desenfada Nadeschda con su cuento erótico de cómo abusó sexualmente de un niño anciano enfermo de progeria; o fantasear con Fedora en la saga de su modernizada hetaira practicante de la reflexología y aquel derroche histriónico cierra con la sorprendente performance de Elvis con su maniático de los cuchillos, un asesino en serie de los críticos de cocina. El quinto personaje, encarnado por Larissa Costas, hilvana las historias de los otros comediantes, ella tiene cierto encanto para crear expectativas ante lo que llega. En síntesis: todos justifican los 80 minutos que dura el espectáculo, el cual permite aplaudir las condiciones de Vera como puestista y director de actores.
Crónicas Palahniuk es un deleite escénico, aunque no se compartan ni aplaudan la crudezas de los contenidos de esos monólogos, que nos hicieron evocar aquel “teatro pánico” de las años 60 y 70, el cual asustó a nuestras madres, las abuelas de este crispado siglo XXI, donde sus hijos y nietos se debaten para sobrevivir en todos los renglones de la vida misma, un asunto nada fácil, pero que resulta placentero en ocasiones.
Vera defiende su discurso estético que utiliza la sexualidad explicita y la violencia latente, pero insiste en que su ritual teatral, donde usa una minúscula cámara de video proyección para apoyar a sus comediantes, tiene mucho de sexual, porque “somos amantes de esas dos pulsiones”.
Este espectáculo, que ojalá pueda tener una inmediata temporada, es un buen pretexto para reflexionar desenfadadamente sobre temas como el materialismo, la religión, la sexualidad, la familia, la identidad y, como es obvio, la privacidad.

Homenaje al "Paco" rajatablino

2011-11-15T06:02:00.003-04:30

Interpretando los sentimientos de la comunidad teatral venezolana, Fundarte, como organizador del Festival Nacional de Teatro Caracas 2011, coordinó con la fundación Rajatabla un homenaje al desaparecido Francisco “Paco Alfaro, con la presentación de sendos videos alusivos al actor y gerente y el espectáculo músico teatral Tu país esta feliz, anoche en la sala José Félix Rivas del Teatro Teresa Carreño.
Pero como los designios de Dios son inescrutables, el evento se transformó en un estremecedor y profundo ritual artístico para además exaltar las memorias de Isaac Chocrón, Alfredo Sandoval, Hugo Márquez y Renato Gutiérrez, otros teatreros o héroes civiles que se fueron en pos del “Paco” rajatablino.
La saga de Rajatabla-donde “Paco” asumió la gerencia tras la muerte del fundador Carlos Giménez (27 de marzo de 1993)- es vital para analizar contenidos y estéticas de las últimas cuatro décadas artísticas de Venezuela. Ahí están sus 119 montajes, 22 talleres de formación actoral, dos concursos de dramaturgia y producción de las mejores obras, además de la fina organización de 14 Festivales Internacionales de Teatro de Caracas (1973-2006).
No hay que olvidar que Rajatabla comenzó aquel 28 de febrero de 1971, cuando exhibió Tu país esta feliz, poemario de Antonio Miranda, musicalizado y teatralizado por Xulio Formoso y Carlos Giménez, respectivamente, en la sala que Carlos Raúl Villanueva construyó para el Ateneo de Caracas.
Vimos anoche una función memorable de Tu país esta feliz , gracias a la reposición que firma, con justicia, José Domínguez, desde la temporada del 2006, la cual además se hizo para hacerlo conocer a las audiencias del 2011, porque Rajatabla necesita que el público lo acompañe en los próximos proyectos,
Tu país está feliz es un híbrido de recital poético, con actos actuados, endemoniado ritmo escénico, música pegajosa y textos preñados con consignas revolucionarias y esa versión caribeña de la irredenta rebelión francesa de 1968,donde para rematar hay un fugaz desnudo colectivo. En esta oportunidad el elenco estaba conformado por Jesús Viera, Elvis Chaveinte, Gabriel Agüero, Vicente Bermúdez, Jean Franco Di Marchi, Rossana Hernandez, Eliana Terán e Indira Jiménez, con Jerry Maneiro en la guitarra y en la batería el legendario Enrique “Mantequilla” Suárez, quien estuvo con el primer elenco rajatablino. ¡Todos precisos en sus comprometidos roles a pesar de que los sentimientos lastraban la razón!
¡Nunca debemos olvidar que el teatro es el barómetro de un país, como lo enseñó Federico García Lorca y lo repetía constantemente Carlos Giménez!

El gran sainete de Ibrahim Guerra

2011-11-14T17:06:00.003-04:30

En el momento perfecto y en el sitio indicado. Eso hizo el teatrero Ibrahim Guerra al inaugurar anoche, en el Teatro Municipal, el Festival Nacional de Teatro Caracas 2011 con un inteligente y sentimental espectáculo que rescata y reivindica al sainete criollo, la comedia popular venezolana, semilla del desarrollo del teatro nacional a lo largo del siglo XX, ese mismo que ahora avanza con sus luchas sociales en la actual centuria en pos de una expresión estética de acuerdo con los tiempos que vivimos.

¿Seguimos o paramos? (El Norte es una quimera) es un espectáculo creado especialmente por Guerra, apuntalado en un diestro elenco y con el apoyo del veterano actor y cantante Cayito Aponte, a partir de textos escogidos de Leoncio Martínez (El salto atrás), Rafael Guinand, Andrés Eloy Blanco (Soneto de la rima pobre), Aquiles Nazoa (Exaltación del perro callejero) y Francisco Pimentel, utilizando además la música cañonera, valses y pasodobles y el rucaneo que interpretó el conjunto Los Antaños de San José, para ubicar al montaje en los siniestros años de la dictadura del Benemérito Juan Vicente Gómez.
Guerra optó por tomar el camino del sainete porque sus autores no solo satirizaron los vicios de esa Venezuela, en Caracas especialmente, que se negaba a luchar por el progreso y que no conseguía salir del sopor del gobierno fuerte y de un cierto miedo ante la irrupción de una democracia que ya asomaba en el horizonte. El arte teatral siempre ha sido revolucionario y nuestros artistas lo han pregonado y demostrado, y por eso es que algunos quieren disminuiurlo y hasta hacerlo desaparecer...pero no lo podrán hacer jamás.

El espectáculo es el ensayo de unos actores, acosados por apuros económicos y retos existenciales, quienes interpretan al delicioso sainete El salto atrás, donde Martínez advierte y fustiga las costumbres racistas y clasistas de una incipiente clase media, que no quiere aceptar su pasado y pretende purezas de linaje.
Una vez mas, la crítica inteligente de Martínez se exhibe airosa y tiene presencia y continuidad también en esta segunda década del siglo XXI, cuando hay una sociedad empeñada en defender y acentuar los derechos humanos, sin negociaciones maniqueas.
El espectáculo tiene un colofón sobre las vicisitudes del artista, especialmente sus penurias financieras, y sus anhelos de amar, porque saben que sin amor es imposible hacer arte...y hasta vivir,como lo predican filósofos de la talla de Martin Heidegger y Hanha Arendt.

No podía faltar un "fin de fiesta", como se hacía en aquellos tiempos, donde la voz y desenfado actoral de Cayito Aponte animaron al público para que coreara sus canciones y movieran también el esqueleto.
Esta apertura festivalera y preñada de venezolanidad contó además con la entrega muy profesional de los comediantes José Luis Useche (asombra su versatilidad), Karina Velásquez, Yalitza Hernández, Iliana Hernández, Ivor Muñoz, Julio Liendo, lula Bertucci, Walter Andrés y la participación del niño Sebastian Bretón, entre otros.
El festival luce incontenible y estimulante para los habitantes de esta urbe.

Mimi Lazo en el 23 de Enero

2011-11-14T05:30:00.001-04:30

Ana María Lazo, conocida como Mimi Lazo (Caracas, 23-11-54), reputada actriz y exitosa productora de espectáculos, estuvo en el teatro Cristo Rey, del 23 de Enero, para predicar la necesaria lucha reivindicativa de las mujeres venezolanas con su monólogo El aplauso va por dentro, escrito y estrenado por Mónica Montañés y Gerardo Blanco, aquel 7 de junio de 1996, en la sala de conciertos del Ateneo de Caracas.
Mimi perdió la cuenta exacta de las funciones realizadas de El aplauso va por dentro desde su estreno, pero su esposo Luis Fernández cree que andan cerca de los 3600 y van a proseguir mostrándolo no saben hasta cuando y ahora con más pasión después de ver la gratísima reacción del público que los aplaudió de pie y estruendosamente el pasado domingo 14 de noviembre, en la histórica parroquia popular, durante el desarrollo del Festival Nacional de Teatro de Caracas 2011.
El aplauso va por dentro, disfrutado por más de 500 mil espectadores alrededor del mundo, plasma la historia de Valeria, divorciada y con dos hijos, y una carrera profesional en ascenso, mientras espera la llamada del hombre con el cual ya compartió algo más que una noche. Define presente y futuro de su vida, el mismo día que cumple 40 años. Transcurre su rutinaria clase de aeróbicos, y entre un ejercicio y otro, el espejo le ratifica la pérdida de la juventud, su miedo a la soledad, a darse cuenta que desde hace mucho sólo vive para los demás, y que solo lleva dentro...un silencioso aplauso por todo lo hace, como es luchar denodadamente para sacar adelante a su familia y conquistar un espacio decente dentro de la sociedad competitiva en que se desempeña; al tiempo que duerme sola y rumia frustraciones hasta que consiga que un verdadero hombre se fije en ella y la haga feliz, porque nunca pierde las esperanzas de amar recíprocamente.
No son Mimi y la autora Mónica unas loquitas antimasculinas ni tampoco bobas románticas. Lo que hacen es un llamado de atención a las féminas para que no decaigan en sus luchas particulares porque esten sin la compañía estimulante de un varón. Y por el contrario esperan que los hombres cambien más temprano que nunca y se den cuenta que son necesarios y que ellas los reclaman para si y sus hijos, porque la patria necesita hogares estables, difícil tarea para hacerla bien y solas.
El espectáculo, donde participa Luis Fernández como profesor de los aeróbicos, tiene atmósferas intimistas donde no faltan satisfactorios momentos románticos, como cuando Valeria sueña y baila con su novio, pero también se torna ácido y cruel porque la desprecian y la dejan para el día siguiente. Ahí viene la clase práctica de resistencia y lucha que Mimi imparte a sus compañeras de género cuando son abandonadas y están para hundirse.

Gorda

2011-11-12T23:24:00.002-04:30

Sí Gorda no es la única obra que han estrenado en Caracas del dramaturgo Neil Labute (Detroit, USA, 19 de marzo de 1963), estoy seguro que es el primer gran montaje que exhiben del terapéutico texto en el Centro Cultural BOD.Corpbanca, gracias al incuestionable talento del director Héctor Manrique bien combinado con sus comediantes Liliana Mélendez, Luis Gerónimo Abreu, Antonio Delli y Marta Estrada, además de la pulcra producción resuelta por Carolina Rincón para el Grupo Actoral 80.
Leí Gorda hace un año y de inmediato “adjudiqué” el protagónico a la gordita Irabé Seguías, ascendente joven cómica del Teatro San Martín, porque no conocía a Liliana Meléndez, tremenda primera actriz, como ahora lo demuestra fehacientemente con su Helena. Bibliotecaria, inteligente, graciosa, sensual y sumamente divertida, con unos 30 kilos de más, o de sobrepeso, quien acepta una relación intensa con el metrosexual criollo Tommy y cuando todo parece que marcha bien, languidece la pasión amorosa porque los amigos del susodicho caballero no aprueban tales desatinos y el muergano enamorado termina por decirle adiós.
Es un espectáculo jocoso y jodedor porque lo malo le pasa a otros, pero agridulce, porque Helena (jamás me cansé de admirar la intensa y extensa performance de Liliana) y Tommy sufren un flechazo, de esos que Cupido a veces regala para hacer sufrir, porque no existe varón o hembra que no se haya enamorado de la persona equivocada o de la que no conviene o porque no está a tu nivel o aquella que genera siempre la duda: ¿le gustará a mi familia o a mis amigos? Por supuesto que el público es el que más disfruta con la relación de la gordota y aquel falo con corbata, a sabiendas que ella no tiene precisamente un cuerpo de Miss Venezuela, pero rebosa donosura, contagiosa vitalidad, alegría, inteligencia y amor verdadero.
Por supuesto que Gorda genera profunda reflexión tras su desagradable desenlace: Tommy (un correctísimo Abreu) maletea a Helena y al menos tiene los cojones de decirle, en cobarde lenguaje rebuscado, que sus amigos y su contexto social son muy importantes para él, pero ella no cabe ahí, por su sobrepeso.
Pocas veces había presenciado en un teatro el desengaño del público por ese final, porque todos querían a la pareja casada y llena de hijos. Pero la realidad cotidiana es otra: Helena pasa a ser un recuerdo y Tommy continuará buscando su ideal de fémina, además aplaudida por su “cajita de cristal”.
Por supuesto que el mecanismo teatral de Gorda funciona con gordos u otras personas susceptibles de discriminación sexual, social o estética o edad, porque así es esta sociedad en que vivimos. Y los lectores saben de que escribo.
Delli y Estrada son soportes vitales de este show de amor y gordura, donde hay hasta una entretenida coreografía para cambios de escena del hermoso montaje que dura menos de 90 minutos y deja exhausto a la audiencia por lo que se dice y cómo lo dicen, pero sin olvidar que el amor es la única razón para la vida misma.

Occidente es puro teatro

2011-11-12T23:13:00.002-04:30

Algún día, cuando se redacte la historiografía del teatro venezolano de los últimos 70 años, tendrán que dedicarles varios capítulos al significado y la importancia de los festivales, desde los que se hicieron y aún se hacen en Caracas hasta los regionales, porque en todos ellos se han gestado artistas y, lo más importante, oceánicas multitudes han aplaudido a conciencia y con mucha satisfacción los hechos artísticos que les mostraron, algunos foráneos y otros totalmente del terruño criollo.
Nosotros, que esperamos contribuir de alguna manera a esa gran crónica sobre esas facetas del teatro vernáculo, podemos decir ahora que los festivales, sean internacionales o regionales o locales, eran y son los carnavales de la fiesta teatral, son ese gran estallido por encima de las diferencias políticas de las comunidades donde todas y todos se reconocen.
Y decimos esto porque el director Carlos Arroyo anuncia que entre los días 11 y 20 de noviembre se realizará el 29 Festival de Teatro de Occidente (FTO), “el más importante evento teatral que desde hace veintinueve años, de forma ininterrumpida, se realiza en Venezuela, y que tiene su sede principal en Guanare, estado Portuguesa, pero que abarca otras tres cosedes: Barinas, Lara y Yaracuy”.
Desde su fundación, en el año 1982, por iniciativa de los actores Federico Collado, Alberto Ravara y Francisco Leonti, pioneros de grandes aventuras, el FTO ha sabido sortear todo tipo de obstáculos hasta hoy, “cuando se pone a un paso de las tres primeras décadas, surge nuevamente como lo ha hecho año tras año, con renovados bríos, para llevar al público teatral de cuatro regiones una serie de espectáculos de indiscutible calidad, realizados tanto por compañías nacionales como extranjeras”.
En todas las cosedes se presentarán las compañías extranjeras.
PROGRAMACIÓN
En Guanare se inició el FTO el viernes 11 con la agrupación Muros de Espuma Circo Teatro, de Colombia, con Actos de payasos .El domingo 13 actuará la compañía española Minimalteatro con Marat+Sade de Peter Weiss, versión de Alfonso Sastre, dirigida por Miguel Ponce. El lunes 14, la compañía argentina de Rubén Di Mauro muestra su espectáculo de títeres Neum y el libro secreto. El martes 15, el grupo Fundación José Ignacio Cabrujas, del estado Carabobo, muestra el monologo Allende, de Rodolfo Quebleen, con el primer actor Roberto Moll y bajo la dirección de Williams Urdaneta.
El jueves 17, Chile con la agrupación “Arriba los humanos”, con su montaje de títeres Un botón en mi cabeza y cierra el sábado 19 el grupo Desacuerdo Teatro y Teatro del Cronopio, de Ecuador, con La revuelta de los idiotas.
En Guanare, sede principal, la programación se ha copado agregando a las compañías mencionadas la participación de los grupos nacionales, además de los eventos extra teatrales que ya son costumbre en la programación: foro crítico, talleres, exposiciones, presentación de libros, charlas. Para este año, además, se instalará la carpa “Cacao”, un espacio para la comunidad, de la Fundación Circo Nacional de Venezuela, en la cual se presentarán eventos de circo, teatro, títeres, narración oral, danza y música.
Y en las tradicionales salas del Complejo Teatral Herman Lejter: Sala Federico Collado con programación para niños a las 7 pm. y sala Alberto Ravara con la programación de adultos, a las 9 pm. Incorporando los días 16 y 29 la sala experimental de la escuela de Teatro José Antonio Páez, a las 7 PM, en dos espectáculos de Argentina, para adultos.
Cosedes
En Barinas, concretamente en el Teatro Orlando Araujo, serán seis días de festival: el viernes 11, le corresponde a la Fundación José Ignacio Cabrujas, con el primer actor Roberto Moll y su monologo Allende; sábado 12 se presentará la compañía Minimalteatro, de España con la pieza Marat- Sade de Peter Weiss. El lunes 14 actuará la compañía Muros de Espuma Circo Teatro, de Colombia, con Actos de payasos, creación colectiva inspirada en la Escuela Rusa de Payasos Eslava Polunin, bajo la dirección de Felipe García. El miércoles 16 será para el grupo Teatro del Cronopio y Desacuerdo Teatro, de Ecuador, con La revuelta de las idiotas, de Guido Navarro, Andrea Moreno y Yasna Vivanco, con claras aproximaciones a las formas teatrales del cabaret, bajo la dirección de Guido Navarro. El viernes 18, de Argentina llega Petaka Teatro, con la obra Menguada, la hora, versión del cuento La hora menguada de Rómulo Gallegos, dramaturgismo de César Rojas, y dirigida por Jesús Gómez. Y el domingo 20 estará la compañía argentina Solo por hoy, con Gadst, texto y dirección de Facundo Agrelo.
En Barquisimeto, Lara, el Festival comenzará el sábado 12 con Petaka Teatro y su Menguada, la hora. El lunes 14 Minimalteatro, de España, con Marat+Sade de Peter Weiss. El martes 15 actuará el grupo argentino Solo por Hoy con Gadst, texto y dirección de Facundo Agrelo. El jueves 17, el grupo colombiano Muros de Espuma Circo Teatro con Actos de payasos. El viernes 18, el grupo Desacuerdo Teatro y Teatro del Cronopio, de Ecuador, con La revuelta de las idiotas. Cerrando su programación con el grupo Fundación José Ignacio Cabrujas, de Carabobo, con Allende.
En San Felipe, Yaracuy, el viernes 11 se iniciará el Festival con la compañía de Teatro Coordinación y su espectáculo Cecilia. El sábado 12. el grupo Desacuerdo Teatro y Teatro del Cronopio, de Ecuador, con La revuelta de las idiotas. El domingo 13, el grupo Fundación José Ignacio Cabrujas con Allende. El lunes 14, Petaka Teatro, de Argentina, con Menguada, la hora. El martes 15, Muros de Espuma Circo Teatro, de Colombia, con Actos de payasos. El miércoles 16 actuará la compañía española Minimalteatro con la obra Marat+Sade. Y el jueves 17 el grupo Solo hoy, de Argentina, con Gadst. El sábado 18. el Ateneo de Aroa con La historia del soldado de Stravinski, dirigida por Tomas Jurado Zabala.

El mutis de Isaac Chocrón

2011-11-06T10:22:00.002-04:30

Murió vivo Isaac Chocrón, un nombre propio muy grande del teatro venezolano. Guapeó contra su cáncer óseo y se fue de gira a las una de la mañana del 6 de noviembre de 2011, tras 81 años, un mes y 11 días de aportar cultura y mucho amor a su país.
El teatro para el maracayero Chocrón comenzó cuando Romeo Costea (Braila, Rumania, 1922), durante en la temporada caraqueña del 1959, le montó Mónica y el florentino. Antes, en el 1956, publicó Pasajes, su primera novela. Desde entonces no paró, nadie ni nada, ni sus enfermedades, lo podían detener en su carrera de escritor de éxitos teatrales y literarios. Todas sus piezas teatrales están envenenadas, tienen contenidos duros o pesados para que el público los descubra, los saboree y termine aceptándolos.
Lo hizo con Asia y el Lejano Oriente (la venta de un país), Okey (la compraventa de los seres humanos, no siempre al mejor postor), La revolución (el drama combatiente de la homosexualidad latinoamericana), La máxima felicidad (las dificultades existenciales de la bisexualidad), Mesopotamia (la vejez y las trampas para que sea feliz y acompañada), Escrito y sellado (la amistad y el amor más allá de la muerte), El acompañante (la inconmensurable soledad de los artistas) y Solimán, el magnífico (la muerte es el fin de todos, incluso de los mas poderosos), entre otras obras.
La vida dura con la familia sanguínea, la pasión y el amor con la familia elegida, la resistencia para seguir viviendo y la muerte como conclusión de todo lo hecho y de lo no realizado también, fueron sus fantasmas. Y él los llevó a la escena. Por ese terminó siendo el gran patriarca del teatro venezolano.
El poeta Leonardo Padrón escribió que Chocrón es uno de los pocos venezolanos que pudo elegir lo que iba a hacer con su vida. Escogió el teatro, quizás, porque, como dijo Oscar Wilde, "es inmensamente más real que la vida". Seleccionó su propia manera de ejercer el amor. Renunció a una carrera académica, era economista, para casarse con su propia imaginación. Uso la escritura como oxígeno de sus pulmones, pero sobre todo eligió no traicionarse jamás. Desde ese siempre, no dejó de provocarnos con sus más de 20 obras de teatro, sus siete novelas y sus libros de ensayos. Además enseñó, que siempre tenemos dos familias: con la que se nace, la sanguínea, y la que elegimos, a partir de la amistad y de los afectos.
La última obra
Hace cinco años, un pool de amigos como Javier Vidal, Juan Carlos Gardié, Juan Carlos Alarcón y Annabelle Brun, todos dentro de un dispositivo escenográfico hiperrealista y con olor a cebolla y condimentos culinarios, creado por Edwin Erminy, dirigido por Michel Hausmann, lo homenajearon con el preciso montaje de su más reciente pieza, Los navegaos, en el teatro Trasnocho Cultural.
Los navegaos no es más que la saga de dos hombres mayores, Juan y Brauni, por encima de los 60 años, o sea en el proceloso camino de “los envejecientes”, cuya paz del retiro en su casa de la isla Margarita es alterada por la repentina visita de un familiar -Parol, mudo, pero no sordo, además- y por la materialización del fantasma de la muerte, la cual esperaban para más adelante, pero llegó y sin anunciarse. Hay además en la pieza un símbolo que advierte sobre el final de sus vidas, como es el corte de unas trinitarias que amenazan derrumbar los muros de ese refugio de la pareja de amantes masculinos, que eso fueron durante algo así como 40 años, ahora convertidos en amigos hasta el final, y está además la básica presencia de una cachifa o mujer de servicio, Luz.
Esos cuatro personajes crean situaciones cómicas por lo que hacen, más no por lo que dicen, y le dan un ritmo entretenido a la obra, especialmente por los intentos del mudo de hacerse comprender por los otros y por los espectadores, como es lógico. No es frecuente en el teatro encontrarse con un personaje con limitaciones como el mudo Parole.
Con respecto a Los navegaos hay que advertir como Chocrón recurre a todas sus tradiciones estilísticas teatrales, desarrolladas a lo largo de su veintena de piezas, en cuanto a la temática, los conflictos, la pureza del lenguaje y, fundamentalmente, el mensaje que quiere hacerle llegar al publico por intermedio de interrogantes que el mismo debe responderse. El público, para el cual siempre se trabaja, ríe a mandíbula batiente de las tragedias de la pareja de "envejecientes" y el drama del mudo para comunicarse.
Escribía para hablar con Dios
Y en el complejo ping pong con los periodistas, desde que se hizo famoso, a quienes nunca evadió, nos dijo en una ocasión, cuando cumplió 75 años, esto que lo define:
-Yo fui criado en la religión judaica y cuando niño participaba en las grandes fiestas y aprendí a leer fonéticamente el hebreo, porque ya tenía la chispa del teatro por dentro, para mi Bar Mitzvab. Eso gustó tanto a unos judíos religiosos que le ofrecieron a mi papá una beca para que yo terminara mis estudios en Estados Unidos y de esa manera yo seria el primer rabino nacido en Venezuela. Mi papá Elías al escuchar tal propuesta, me mando a estudiar a una escuela militar de Estados Unidos… y todo el mundo sabe lo que pasó después. Pero con el paso de los años, me he dado cuenta de que Dios para mí es como la luz de una vela o como la luz del Sol. Es una esencia, que de alguna manera me dirige y me da confianza”.
Chocrón no invocaba a Dios e incluso sus amigos judíos le reclamaban porque no visitaba frecuentemente la sinagoga. “Pero yo les digo que soy un judío laico, una expresión que aprendí en Israel, No soy tan religioso. Creo que mi manera de comunicarme con Dios es escribiendo”.
Ahora que Chocrón sale de escena, se le recordará no solo por su teatro y su novelística, además de su pulcra ensayística, sino por sus extraordinarias anécdotas personales, donde quizás haya suficiente material para obras teatrales de quienes lo sobrevivan y logren escribirlas.
Nosotros, modestamente, lo tenemos en el melodrama El fantasma de Bonnie, escenificada en la sala Rajatabla, en mayo de este año, por Dante Gil y su agrupación Veneteatro.
Excelente maestro
Chocrón era un excelente maestro no solo desde la cátedra, sino también por intermedio de sus declaraciones para la prensa. En una entrevista con Stefanía Mosca, puntualizó las diferencias notables entre el teatro y la novela.
El enseñó ahí que “en una obra de teatro, al empezar, hay una situación extraña, tensa, irregular, que afecta a los personajes y los personajes se transforman por esa situación, al mismo tiempo. Aparece una mamá que le dice a su hijo: "Tú eres un perro. Yo no te quiero ver más". Ya hay una situación. Para el público el teatro son preguntas que se van hilvanando. Nadie entra a escena y dice: "Mi nombre es Isaac Chocrón, mi cédula de identidad es ésta, yo vivo en tal parte y tal parte y mi mamá es una perra". No, dice: "Tú eres una perra, mamá". El teatro tiene esa inmediatez. Lo más importante en el teatro, como en la vida, no es lo que uno dice, sino los tonos, los tonos con que se habla. Yo puedo decir: "El gato es negro", y de acuerdo a como yo lo diga, puede ser una declaración de amor o puede ser el mayor insulto. El teatro sucede o no sucede, y no hay tutía…La novela es otra cosa. La novela tiene una intimidad envidiable. El que escribe, escribe solo, y lo que escribió lo lee una sola persona. Es una cosa muy íntima entre dos: una persona del pasado y la persona del momento, la que está leyendo. Por otra parte, en una narración, las descripciones pueden ser muy detalladas y ahí, quizá, está el arte del novelista. Uno detalla lo que ve. En una obra de teatro uno no puede decir: "Hamlet tiene 28 años, es rubio, de ojos azules, tiene 30 de cintura". No, porque de pronto Hamlet lo puede interpretar un gordito de 36 años, de pelo afro y es una maravilla”.

Cinco mujeres intensas

2011-11-05T20:50:00.005-04:30

Todo lo humano es perecedero, pero es posible arrinconar la muerte y para eso debemos trabajar, especialmente en esta Caracas donde el periplo de las instituciones culturales esta signado por la saga vital de sus directivos. Hemos visto como languidecen y cierran algunas agrupaciones porque la Parca se lleva a sus líderes y no son bien sustituidos o también desaparecen los sucesores sin que hayan cuajado sus relanzamientos
Recordamos esto porque el grupo teatral Bagazos, fundado en 1979, creció notablemente y ahora, de la mano de su director-fundador Gerardo Blanco López, inauguró un importante espacio escénico para actividades lúdicas y educativas. Se trata de la sala La Caja Teatral, planta baja del Centro de Artes Integradas, en Terrazas del Ávila, vía Universidad Metropolitana. ¡Larga vida deseamos a este proyecto!
Y para festejar ese exultante logro que favorece a la comunidad, Bagazos estrenó el espectáculo Monólogos del silencio o Aventuras y desventuras de mujeres intensas, dirigido con inteligencia y precisión por Blanco López, con la excelente actuación de Gladys Prince, apuntalada correctamente en la violinista Inés Bravo y los intérpretes María Fernanda Esparza y Cipriano Castro Flores.
TEATRO FEMENINO
En un país donde siete de cada diez espectadores teatrales son mujeres, no extraña que se monten obras sobre diversas facetas del quehacer femenino o de los seres humanos en general. Y esto lo hemos aprehendido tras reseñar, a lo largo de cuatro décadas, lo que pasa en los escenarios de Caracas u otras ciudades. ¿Qué por qué el público es mayoritariamente femenino? No damos una opinión rotunda, porque todavía nos limitamos a registrar, a contar cabezas en las plateas y tomar nota para más adelante. Es posible que esas cabecitas rubias o rojizas o castañas sean de gente muy sensible, de seres curiosos, de mujercitas que buscan en la escena explicaciones a sus íntimas preguntas.
Pero dejemos interrogantes y aventuradas respuestas de lado y vayamos al doble motivo de esta crónica: la inauguración de una sala teatral y la presentación de un montaje centrado en peripecias existenciales o en aventuras y desventuras de cinco mujeres intensas, a quienes la primerísima actriz Gladys Prince ha creado, las diferencia profundamente y las hace amar o sufrir o añorar.
Este aleccionador espectáculo por sus contenidos y realización global presenta a la hembra como interlocutora con sus propias vivencias, sus pasiones y su lucha armónica y total por lo que ama o por lo cual se mueve o vive. Integrado por cinco monólogos, son sagas estremecedoras que cuentan, en tiempo de drama y comedia, de la entereza, voluntad, pasión y tenacidad que solamente tienen ellas, las mujeres, porque para ellas el amor es sangre y muchas desgarraduras, físicas y sentimentales.
CINCO EN UNA
La boca amordazada (1999), de la argentina Patricia Zangaro, enseña como la pasión cabalga sobre la razón y el premio es la mujer lapidada por serle infiel al marido y además revivir el mito de Fedra, el amor carnal con el hijastro. Es un corte vertical sobre las leyes islámicas que tienen a la mujer sometida al macho y le niegan su libertad en lo más íntimo. Gladys Prince se transforma de tal manera que la realidad escénica es conmovedora y lastima las ánimas del público, especialmente en esta Venezuela donde la mujer compite de igual a igual con el varón, aunque todavía hay violencia de género.
Amar a solas no es exclusividad masculina, a las mujeres también le pasa lo mismo y para mostrarlo la dramaturga caraqueña Mónica Montañés entrega La historia de un hombre que fue feliz con otra (2004). Es uno de esos amores platónicos donde el objeto macho jamás se entera de la pasión que despierta a su amante cercana, quien envejece atada a un imposible. Una historia agridulce que produce más que sonrisas y enfrenta al público con el espejo para descubrirse impotente con un amor que se pierde por el tiempo y la muerte. Deliciosa y llena de picardía la manera que la actriz utiliza para revelar esa herida que sangra para adentro cuando nos enamoramos y no podemos decirlo o nadie interesa, sino al ser que ama. Ellas y nosotros tenemos el mismo mal.
En este año Bicentenario no podía faltar una heroína, la colombiana Policarpa Salavarrieta, la Pola (1850) de Lisandro Ruedas. El ejemplar lamento de la fémina que lo sacrifica todo por la libertad de su tierra del yugo español, mientras en el calabozo espera la muerte, sin importarle todo lo que pierde al sacrificar su vida que dedicó por completo a la patria. Gladys aquí enseña lo que es el verdadero sacrifico,
Gerardo Blanco López también se aplica a la dramaturgia y lo demuestra pícaramente con su Bonsái de canutillos (2010) para recordar en clave de humor como el sexo y la locura pueden convertir a una mujer en un arma letal, precisamente porque la soledad y el desamor así lo estimulan. Es una ventana hacia la locura en medio de una sociedad donde todo es normal y lo inconveniente se esconde o se justifica. Nuevamente Gladys se supera a si misma y se metamorfosea por la magia del atuendo y una peluca dorada, aunada a un desopilante trabajo físico.
Y todo se cierra con Mi plegaria (2006) donde la actriz escribe para exaltar a Susanita, mujer que adoraba a su señora, la gran Eva Moreno, personificada ahora por una muñeca al estilo de Armando Reverón.
EL ESPECTACULO
Dirigir monólogos ha sido una de las pasiones de Gerardo Blanco López y así lo demuestra desde 1996 cuando inventó El aplauso va por dentro, el show que Mimi Lazo ha perpetuado todos estos años, gracias además al texto de Mónica Montañés. Y ahora con Monólogos del silencio reitera que sí sabe dirigir actrices y que la escena es como el caldero del nigromante, capaz de inventar mundos y feminidades, apuntalado en la música que interpreta Inés Bravo y los humorísticos anfitriones, María Fernanda Esparza y Cipriano Castro Flores. Todo un delicioso y estremecedor trabajo para reiterar ese mundo tan particular en el que transitan las mujeres por…esos hombres.
ESPACIO DE INTEGRACION
El Centro de Artes Integradas (CAI) -dirigido por Trina Itriago y Gerardo Blanco López-tiene como objetivo contribuir a la formación del individuo con un enfoque integral de las artes, la ciencia y la tecnología e impulsar la generación de nuevos valores ciudadanos, la calidad de vida y espacios de integración social. Una asociación civil sin fines de lucro, con amplia trayectoria en organización de talleres para estudiantes y profesionales, que apoya y abre puertas a nuevos valores de la escena nacional, presentando sus montajes. Esta abierto a los que trabajen buscando avanzar y enriquecer el ámbito teatral.
LA CAJA TEATRAL

Teniendo a Bagazos-asociación civil sin fines de lucro, con 32 años de trayectoria-como motor, su objetivo es hacer un espacio para que profesionales y agrupaciones, dicten talleres, cursos, seminarios en aras de la formación teatral; presenten espectáculos, lecturas dramatizadas, montajes y eventos especiales; una escena donde los artistas se encuentren e intercambien experiencias y proyectos que puedan contribuir al desarrollo cultural del país. Este teatro, que se inició como un sueño de Salvador Itriago, tiene un aforo de 74 puestos y dispone de estacionamiento gratuito con vigilancia privada.

Festival de Teatro Caracas 2011

2011-11-05T20:46:00.001-04:30

Nadie puede desconocer como históricamente el movimiento teatral venezolano ha estado siempre identificado con las reivindicaciones sociales y los respectivos retos de la modernidad para obtener un lenguaje propio y de impacto en el contexto social. Sus dramaturgos, actores y técnicos, además del consecuente público, son luchadores contra la violencia, la intolerancia y el pragmatismo que devalúa la vida.
Reiteramos esto, porque Jorge Rodríguez y Jackeline Faría, Alcalde de Caracas y Jefa de Gobierno del Distrito Capital, son venezolanos empeñados en materializar un proyecto que los desvelaba: organizar y ejecutar el Festival Nacional de Teatro Caracas 2011.Trabajan con un equipo donde Freddy Ñañez y Anthony Gómez, en representación de Fundarte, llevan la batuta para que 80 agrupaciones criollas se presenten, del 11 al 25 de noviembre, en 51 espacios convencionales y no convencionales, las cuales realizarán 160 funciones: 110 para adult@s y 50 niñ@s y adolescentes.
La inauguración del Festival Nacional de Teatro de Caracas, pautada para las siete de la noche del viernes 11 de noviembre en el Teatro Municipal, ha sido asignada al autor y director Ibrahim Guerra, quien presentará su comedia Seguimos o paramos, donde participan comediantes de la talla de Alejandro Corona. Se trata de un espectacular sainete cuyo epílogo se decidirá durante el estreno.
Ibrahim Guerra (Caracas, 1944) empezó su peregrinar por las artes escénicas hace más de 53 años. Se graduó de bachiller (1961) y comenzó a estudiar ingeniería, “pero aquello era insoportable”. De todas maneras recibió su titulo y ejerció durante siete años, en IBM, pero antes, estando en tercer año, ingresó a la Escuela de Capacitación Teatral de la UCV (1965). Su pieza A 2,50 la cubalibre, que lo ha convertido en autor internacional y esta en la programación del Festival con varias funciones en el hotel Alba Caracas, exhibe un elenco estelar donde participan Mimi Lazo y Luis Fernández, quienes además han sido pautados para mostrar sus afamados monólogos, El aplauso va por dentro y No eres tu, soy yo, en el teatro Cristo Rey, de la parroquia 23 de enero.
Como conocemos a la mayoría de las agrupaciones involucradas en esa fiesta cultural, además de haber visto gran parte de sus espectáculos-viene El desconocido de Tomas Jurado Zabala, dirigida por Carlos Arroyo, desde Guanare-solamente nos queda aplaudir para que esa muestra ecléctica sea degustada por oceánicas multitudes en esta capital.
La ganancia de esa gran batalla cultural que significa un festival de tal magnitud, donde intervienen 600 actores, puede ser la creación de un verdadero sistema de las artes escénicas para el Distrito Capital que contemple la formación y el desarrollo de la creación libre y sustentable. Solo así las artes criollas, en especial nuestro caro teatro, constituirán un auténtico servicio público de primera necesidad. ¡Y de ahí deberá surgir el necesario teatro del siglo XXI!

Concurso de Dramaturgia César Rengifo

2011-11-02T20:42:00.004-04:30

Para no olvidar el periplo existencial del caraqueño autor teatral, pintor y poeta César Rengifo (1915-1980), la Alcaldía de Caracas y el Gobierno del Distrito Capital realizan la convocatoria para la segunda entrega de Concurso Nacional de Dramaturgia que lleva su epónimo.
Es por eso que se publican las normas del Concurso, por lo cual recomendamos a los veteranos o principiantes que lean las bases para que estudien las posibilidades de participar, porque además de la publicación del texto ganador, podrán recibir 30 mil bolívares y hasta el montaje de la obra.
BASES
Podrán participar escritores venezolanos o extranjeros residenciados en el país que no hayan sido premiados en anteriores ediciones del concurso ni estén participando en otros certámenes paralelos al César Rengifo.
Las obras, que deberán ser inéditas, entendido por ello las distintas formas de difusión impresa y/o mediática incluyendo sus formas de representación escénicas, deben tener una extensión mínima de 40 cuartillas y máxima de 100.
Serán descalificadas las obras que hayan adquirido algún tipo de compromiso editorial previo que afecten los intereses del presente certamen.
El tema: Los grandes acontecimientos políticos y sociales en Venezuela desde Pérez Jiménez al Caracazo.
Deberán consignarse un (1) original y cuatro (4) copias encuadernadas en el siguiente formato: Tamaño carta a doble espacio, impreso por una sola cara. Letra “Arial 12”, bajo lema o pseudónimo. No se aceptarán trabajos que vengan con ilustraciones, fotografías ni otros añadidos gráficos. En sobre aparte cerrado se consignará biografía del autor, copia de cédula de identidad, y ficha de la obra con la que concursa.

Los trabajos deberán ser enviados vía correo o entregados personalmente en la sede de la Fundación para la Cultura y las Artes en el horario comprendido entre las 9 am y las 5 pm a la siguiente dirección: Av. Lecuna, Parroquia San Agustín, Edif. Tajamar. PH. Distrito Capital.
La obra ganadora recibirá un premio en metálico único e indivisible de Treinta mil bolívares (30.000, oo), diploma de reconocimiento y publicación cuyo tiraje será de 2000 ejemplares.
La Alcaldía de Caracas, a través de Fundarte, se reserva el derecho de publicación y montaje de la obra ganadora y sus respectivas menciones (si las hubiere) durante el año del concurso sin que esto represente un compromiso adicional con el autor de la obra ganadora a lo ya expresado en las cláusulas anteriores.
El jurado estará conformado por tres personas de reconocida solvencia en el campo del teatro y del tema escogido para la presente edición del certamen y su labor consiste en evaluar pormenorizadamente cada obra participante y emitir un veredicto en el plazo establecido en las presentes bases. Sus nombres serán dados a conocer en la publicación del veredicto. El fallo del jurado será inapelable.
El concurso queda abierto a partir de la publicación de las presentes bases y cierra el 15 de marzo de 2012 a las 4:00 pm.
El premio podrá ser declarado desierto.

El libro 25 sobre teatro venezolano

2011-10-30T21:06:00.002-04:30

Siempre tenemos que repetir lo mismo, por si acaso hay lectores nuevos. En diciembre de 1992 nos propusimos iniciar la compilación de una serie de apuntes útiles para la historiografía del teatro venezolano, con miras a realizar no sólo un trabajo de mayor investigación sino también pensando en la utilidad de esa información para los trabajos cotidianos de periodistas y estudiantes de arte escénicas, además de servir como fuente de documentación para artistas o cultores o cultoras involucrados en este interesante e inédito proceso cultural, político y económico que vive Venezuela desde 1999.
Iniciamos, pues, ésta aventura editorial con un gran reportaje sobre lo que había sido la vida y la obra del fundador del grupo Rajatabla y el creador de los caraqueños festivales internacionales de teatro. Se hicieron tres ediciones de Carlos Giménez/Tiempo y Espacio y después, en 2003, salió Carlos Giménez/Antes y después para recordar los diez años de su fallecimiento. Y ahora para completar los primeros 25 textos tenemos Teatro 2011, dedicado al primer actor y esmerado dramaturgo Javier Vidal i Pradas en ocasión de su exitosa pieza Diógenes y las camisas voladoras, que el director Moisés Guevara presentó además con el invalorable soporte de los jóvenes comediantes Jan Vidal Restifo y José Miguel Dao Pennino, producida por Margarita Lamas y Carmen Jiménez, durante la temporada de la Sala del Teatro Trasnocho.
Para este Teatro 2011 hemos compilado, como en los anteriores, nuestras entrevistas, trabajos especiales, crónicas y críticas sobre una temporada que ha permitido conocer a más nuevos artistas y a la solidificación del teatro comercial, ese que cobra las entradas a los espectáculos. A nivel de temporada (septiembre del 2010/agosto de 2011), el teatro osciló entre lo gratuito y lo pagado, sin que eso afectara los contenidos ni la calidad de las propuestas artísticas, ya que el teatro o está bien hecho o fatalmente logrado, y los espectadores, gratuitamente o pagando, lo ven y lo aplauden o rechazan. También hay que subrayar que gracias a nuestro blog (http://elespectadorvenezolano.blogspot.com) la mayoría de los textos de esta publicación han sido difundidos, dentro y fuera de Venezuela.
Seguiremos, pues, publicando en la prensa capitalina venezolana y en nuestro blog, para colocar ahí además nuestras publicaciones, con lo cual el teatro criollo tendrá mayor difusión.
Esta publicación, la 25, número con muchos significados, encierra unas cuantas incógnitas, como es la totalidad de la vida del hombre en este universo. Veremos que compilará la 26, porque al arte teatral venezolano no lo detiene nada ni nadie, solo la Providencia Divina, la cual hasta ahora nos ha protegido, porque el teatro, como el resto de las artes escénicas también es otro invento divino.

La homofobia no tiene disculpa

2011-10-29T22:28:00.003-04:30

La temporada teatral 2011 de Caracas avanza con un promedio de 25 espectáculos de autores venezolanos durante cada fin de semana, a pesar de siniestras rémoras no artísticas. Eso es inédito y nos satisface afirmarlo. Las razones de tan positivo fenómeno cultural no las enumeramos ni explicamos en este espacio periodístico, pero sí hay subrayar que a lo largo de este histórico “año bisagra”, la homofobia ha sido uno de los temas que impactó a la audiencia, pues, se han presentado cinco montajes, de una programación de seis, contra esa lacra cultural que esparce odio y muerte en el mundo.
Y como no hay sexto sin quinto, el nuevo montaje antihomofóbico es La disculpa o El costo de la intolerancia, escrito y dirigido por César Eduardo Rojas Márquez para la Fundación El Galpón de San Fidel. Laboratorio de Investigación Teatral, el cual se exhibe en la Sala Marco Antonio Ettedgui, del edificio Rajatabla.
INTOLERANCIA
Vito, Rosa, Julio y Leopoldo Salvato, además de Roberto y Penelope Ricardo son los conspicuos personajes del melodrama La disculpa o El costo de la intolerancia que Rojas Márquez (caraqueño de 50 años) ha escrito y dirigido, dentro de un espacio no convencional, para romper lanzas contra las discriminaciones homofóbicas de una familia que desgració al compañero de uno de sus familiares, muerto por el VIH-Sida, pero al final el remordimiento cobra su victima propiciatoria.
Rojas Márquez (con más de 60 piezas escritas y unas 20 representadas) revela que en la isla de Margarita, durante los años 90, conoció a una pareja gay, con muchos años de “matrimonio”, que lo tenían todo para ser felices, pero no contaban que la muerte los desuniera en cuestión de meses. El sobreviviente quedó materialmente en la calle tras el funeral del amante, porque los familiares del difunto se apoderaron de todos sus bienes y también los del vivo, sin mayores explicaciones, ya que no existe una legislación sobre ese tipo de uniones sentimentales entre varones, aquí en Venezuela.
Con esa historia, Rojas Márquez elaboró el argumento de su obra, donde el sobreviviente Roberto, después de varios años visita a la familia de su amante Leopoldo y les presenta a Penélope, la hija que su amigo engendró en un vientre “alquilado”. Por supuesto que aquello genera explicaciones de todo tipo y al final muere el suegro Vito de un ataque al corazón, tras reconocer como el hijo que desobedeció, quien rompió las reglas, fue el único que pudo ser feliz, aunque pereció en el disfrute de su relación.
No es fácil digerir la saga de La disculpa porque ha sido construida sobre la pared de papelillo que separa al melodrama de la tragedia, pero tiene un asombroso efecto catársico entre la audiencia. Disfrutamos el espectáculo dos veces y nos conmovió ver correr unas cuantas lágrimas desde los asombrados ojos del público ante la crueldad que pudo anidar entre aquellos seres teatrales contra dos personas quienes se atrevieron a no ser tradicionales y trataron de vivir con su conducta diferente, pero la bruja mala de la homofobia a caballo sobre el indómito retrovirus de la inmunodeficiencia humana adquirida les dañó la fiesta.
Por supuesto que la ficción teatral sigue todavía en deuda porque hay más sagas como la que conoció Rojas Márquez, pero también otros dramaturgos deben experimentar, si les interesa.
ESPECTACULO
Rojas Márquez diseñó su espectáculo a partir de una cena o almuerzo de la familia Salvato para Ricardo y la no anunciada Penélope, para lo cual recurrió a un espacio semicircular, donde los personajes se sientan a la mesa oblonga para consumir pasta y beber vino. Esto crea especiales diagonales para la comunicación visual con el público y también para escuchar los parlamentos, pero todo fluye normalmente, con las falencias propias de cuando no se trabaja dentro de un espacio acústico solvente.
La novedad de esta puesta en escena es la utilización de un personaje fantástico que solo el público ve y en ocasiones Ricardo o Vito. Es Leopoldo quien, con el torso desnudo mientras ensaya una danza neoclásica, vigila la ceremonia de la comida de sus familiares y espera llevarse, cual Caronte, a su padre.
Una vez más, el hiperrealismo combinado con el realismo mágico sube a la escena caraqueña, confrontando con mucho placer a la audiencia, la cual disfruta y llora con tales exquisiteces, donde los olores del vino y de los aliños para la salsa de los espaguetis ponen en detalle de la cotidianidad.
COMEDIANTES
Felicitaciones para el primer actor Trino Rojas, Weidry Meléndez, Slavo Sorman, Luis Miguel Sánchez, Omar Churiòn y la jovencita Viviana Sandoval porque son los respetables comediantes que hacen posible “La disculpa”, apuntalados por Gigi Kurz, Felipe Rotjes y Miosothis Pineda.
SEIS CONTRA LA HOMOFOBIA

Homofobia es rechazo, aversión, odio, prejuicio o discriminación hacia hombres o mujeres homosexuales, que además involucra a bisexuales, transexuales y travestis, en toda la Tierra. El teatro, el cine y la televisión han sido utilizados para denunciar y combatir a la homofobia, prohibida por la Constitución de la República Bolivariana de Venezuela, en su articulo 21, y por eso el teatro antihomofobia salta al escenario caraqueño de este 2011 y deja un récord nunca antes visto: seis obras. La primera fue El fantasma de Bonnie, de nuestra autoria, puesta en escena por Dante Gil y la agrupación Veneteatro; estrenada en la sala Rajatabla, después hizo una temporada en Los Teques; es la saga del minusválido Abdón que usa silla de ruedas y visita a un complicado intelectual homosexual, en su apartamento, para una entrevista, sin sospechar todo lo que ahí les pasaría. Amen del catalán Carlos Be, dirigido por Vladimir Vera, pieza conceptual sobre la homofobia en este planeta, la cual encarcela o mata a jóvenes y poetas y además se nutre con la pedofilia de sacerdotes católicos; se exhibió en el Celarg. El Trasnocho Cultural exhibe Vino la reina de Karin Valecillos y dirección de Jesús Carreño, cuyo nudo dramático es la frustrada temporada del grupo Queen en Caracas por la muerte de Rómulo Betancourt, y como un adolescente gay sale del closet para ser maleteado de su hogar por un papá homofóbico, en aquellos años 80. El autor Martín Hahn y el director Javier Vidal llevaron a Escena 8 la comedia Hombre casado busca, sobre los enredos de dos bisexuales que se citan cibernéticamente sin sospechar los complejos enredos familiares que deben afrontar. Y la quinta es la pieza de Rojas Márquez que analizamos en la nota principal de esta crónica. A raíz del Festival Nacional de Teatro 2011, organizado por la Alcaldía de Caracas y el Gobierno Bolivariano del Distrito Capital, presentarán nuestro monólogo Novia en rojo, sobre las vicisitudes existenciales del famoso transexual Esdras, puesto en escena por José Gregorio Cabello y con la performance de José Gregorio Becerra, para el 23 de noviembre en la Casa del Artista.

Diógenes Escalante pide justicia

2011-10-29T22:23:00.002-04:30

El primer intento venezolano para aplicar un sistema político democrático, de libre votación popular, fracasó el 18 de octubre de 1945. Un puscht, encabezado por el más antiguo partido político criollo, o sea los militares, y apuntalado por un puñado de jóvenes civiles izquierdistas, sepultó el experimento democratizador que el general presidente Isaías Medina Angarita quería instaurar en el país. Lo ocurrido ya se conoce y es ahora durante el año 11 del siglo XXI cuando el valioso teatrero Javier Vidal Pradas (1953) mira al mágico espejo retrovisor de la historia para escribir y protagonizar una aleccionadora y educativa metáfora sobre tan melodramático suceso que precipitó tan siniestra voltereta tropical.
Nos referimos a la comedia costumbrista Diógenes y las camisas voladoras, estrenada el 1 de julio a las 8 PM, en el teatro Trasnocho, realizada por la empresa MJM Producciones, con la dirección de Moisés Guevara y las memorables actuaciones de su autor y los jóvenes soportes Jan Vidal Restifo y José Manuel Dao. Ahí, gracias a las convenciones espaciotemporales que otorga el teatro, el embajador y candidato Diógenes Escalante (1879/1964), su secretario privado Hugo Orozco (1919/2006) y el periodista Ramón J. Velásquez (1916) protagonizaron, cual tripleta hamletiana, la caída de la esperanza de un futuro promisorio, progresista, civil y democrático para esta Tierra de Gracia, aquel 3 de septiembre de 1945, desde una suite del caraqueño hotel Ávila.
Volvimos al Trasnocho para festejar la función 50 del estremecedor espectáculo sobre la insania –versión oficial- de Escalante, magnificada cuando sus camisas salieron volando por una ventana de la suite, ya que resucita a un personaje de nuestra historia injustamente olvidado y obliga a repensar sobre la verdad de lo que pasó con ese venezolano que creía en la democracia y era amigo del presidente Harry Truman, detalles peligrosos para una bucólica casta civicomilitar que no quería entregar el poder sino organizar una hipócrita transición hasta perpetuarse.
Vidal echa sal en las venas abiertas de la historiografía criolla e invita reflexionar sobre los contubernios de casta políticas y militares que han gobernado al país a lo largo de 200 años y de como un nuevo pueblo o comunidad ha ido insurgiendo.
En síntesis, Diógenes y las camisas voladoras alerta ante otro replay de añeja historia y para que los ciudadanos no huyan de la política y la asuman como necesidad insoslayable, como sí lo fue para los ciudadanos griegos y romanos, quienes nunca usaron a sus patrias como campamentos o haciendas para medrar.
Es teatro de no-ficción, más no teatro histórico. Es comedia política que desgarra al presente y no para recrear la nostalgia o emborracharse en el imposible “si hubiera…”. Un fino y oportuno entretenimiento por encima de cualquier lección estética, tomando en cuenta que evasión y divertimento son los más importantes mandamientos de la deontología teatral mundial.

Teatrero venezolano debuta en Nueva York

2011-10-28T16:18:00.004-04:30

Michel Hausmann es otro teatrero venezolano que ha demostrado talento y gran capacidad de trabajo. Tras realizar una serie de trabajos importantes, como Actos indecentes. Los tres juicios de Oscar Wilde de Moisés Kaufman y un récord nada despreciable de musicales y textos dramàticos, se instaló con su esposa en Nueva York para hacer una maestría. Y como no puede dejar de trabajar anuncia que para el 3 de noviembre, en el teatro Repertorio Español, presenta el montaje de El color del deseo, texto del afamado dramaturgo Nilo Cruz, de origen cubano.
Michel, caraqueño de 30 años, cuenta que esta estudiando dirección teatral, a nivel de postgrado en la Universidad de Columbia. “Estoy muy contento, aprendiendo mucho y viendo mucho teatro, en inglés y español, como tiene que ser. Mi matrimonio, que es parte vital para mi existencia, va muy bien y ahora el 1 noviembre cumplimos dos años de casados”.
-¿Cómo llega El color del deseo, de Nilo Cruz, a sus manos? ¿Cómo es su argumento? ¿Fue escrita en español?
-Originalmente yo quería montar una obra de Nilo llamada Dos hermanas y un piano, pero cuando se la propuse a los directivos de Repertorio Español, ellos me comentaron que Nilo acababa de escribir El color del deseo, la cual había ya tenido una temporada en Miami y que el autor la había reescrito. Me encanto la idea de poder hacer el estreno en Nueva York de la obra. Leí su texto y me encantó. Una semana mas tarde almorcé con el autor y a él le gustó la idea de estrenarla en el Repertorio Español, donde, precisamente, su obra Ana en el trópico, ganadora de un premio Pulitzer, lleva más de siete años en el repertorio de la institución de teatro latino más importante de Estados Unidos de América. El color del deseo fue escrita originalmente en inglés y la traducción le hizo el mismo autor.
Cuenta Hausmann que El color del deseo transcurre en La Habana, políticamente turbulenta de la década de los 60. En la obra, norteamericanos establecidos en la isla, cubanos, revolucionarios y gente de teatro se ajustan a los cambios radicales del país. La acción se centra en la apasionada relación entre un apuesto hombre de negocios norteamericano y una bella actriz cubana. El estadounidense contrata a la comediante para personificar a una mujer que amó en su pasado. Su relación se convierte en una metáfora de las relaciones entre Washington y La Habana. “El lírico y poético estilo de Nilo Cruz cautivará al público en esta intrigante obra que entremezcla el poder de la seducción con la búsqueda de la libertad”, puntualiza.
-¿Cómo consiguió temporada en Repertorio Español? ¿Ya conoció a los actores de esa agrupación tan famosa en Estados Unidos, donde además tiene varios venezolanos en sus filas, desde Fernando Then para abajo?
-Llegué al Repertorio Español hace varios años, gracias a que Isaac Chocrón,mi padre artístico, me puso en contacto con ellos. Desde que me vine a Nueva York dirigí varias lecturas para ellos y luego me invitaron a dirigir un montaje. Conozco a muchos de los actores venezolanos que trabajan ahí, pero para esta obra el elenco es casi en su totalidad cubano ya que la obra transcurre en Cuba en 1960, pero tengo la fortuna de estar trabajando con varios venezolanos detrás del escenario. Conmigo están: Salomón Lerner esta componiendo la música original, Edwin Erminy diseñando la escenografía, Fernando Then es el coordinador del proyecto de parte de Repertorio y Alfonso Rey es el director técnico.
-¿Cuando comienza la temporada?
-Empieza el 3 de noviembre y esperemos que se quede en el repertorio de Repertorio Español por mucho tiempo.
-¿Y el regreso a la patria es para cuando?
-Bueno, estoy trabajando con Salomón Lerner en un nuevo musical original. Esperamos poderlo estrenar en Venezuela en el futuro cercano.
-¿Cuál es el elenco que tiene su espectáculo?
-Lo protagoniza la actriz cubana Hannia Guillen y el argentino Ed Trucco. Tenemos también en el elenco a los actores cubanos Ana Margarita Martinez-Casado, Tatiana Vecino y Raúl Durán. Y el elenco lo completan: Maggie Bofali, Frank Rodríguez y Jerry Soto.
ACERCA DE NILO CRUZ
Nilo Cruz (Matanzas, Cuba, 10 de octubre de 1960) es un dramaturgo consagrado con obras como: Un tren nocturno a Bolina, Bailando de rodillas, Una casa en el parque, Dos hermanas y un piano, Hortensia y el museo de los sueños, Lorca con un vestido verde, Ana en el trópico, La belleza del padre y El color del deseo. Las mismas se han presentado en Estados Unidos y Europa. Ha traducido al inglés piezas españolas como Doña Rosita la soltera, La casa de Bernarda Alba, ¡Ay, Carmela! y La vida es sueño. Escribió también una adaptación de Un señor muy viejo con alas enormes de Gabriel García Márquez. Ha recibido numerosos premios y becas. En el 2003 obtuvo el Premio Pulitzer y el Premio Steinberg de Drama por Ana en el trópico, la cual también recibió una nominación al Premio Tony. En el 2009 recibió el Premio Laura Pels de Dramaturgia, el Premio PEN y el USA Fellowship de Literatura. También director teatral y escritor de cine. Sus nuevos proyectos incluyen un libreto para una ópera que escribirá junto con la compositora Gabriela Frank, ganadora de un Premio Latin Grammy.

Cacería de casados

2011-10-22T23:52:00.003-04:30

Nadie niega que la televisión venezolana durante sus 59 años de existencia haya sido pingüe negocio. También hay subrayar como gracias al crecimiento de varias empresas televisivas decenas de miles de actores, técnicos, trabajadores especializados y los indispensables escritores contratados han ganado algo más que el cotidiano pan y hasta unos cuantos pudieron destacar y trascender para convertirse en ejemplares intelectuales o en los mejores de su especialidad, para referirnos solo al sector de los escribidores. Una pragmática versión, diríamos nosotros, de como el fin justifica los medios o como la práctica ordenada de un oficio siempre genera saber o ciencia.
Gracias a Dios hay en este siglo XXI más generaciones de libretistas o guionistas, donde descuellan personalidades más versátiles y más a tono con los tiempos actuales, como es el caso de Martín Enrique Hahn (Barinas, 1964), quien desde los años 90 -se hizo conocer con El desafío en 1994- ha desarrollado diversas temáticas y pergeñado novedosas técnicas para elaborar guiones fundamentales en diversos eventos televisivos exitosos y, por si fuera poco, también piezas teatrales ha escrito y estrenado, además.
Precisamente Martín Hahn-como se conoce popularmente al familiar del conspicuo y legendario músico Reynaldo Hahn-tras el éxito de rating de su telenovela La viuda joven, transmitida por Venevisión, y para disfrutar un poco de las ambrosías de la fama acaba de estrenar “la escandalosa” comedia Hombre casado busca, en el teatro Escena 8, bajo la eficaz dirección de Javier Vidal y con las impactantes actuaciones de Luis Olavarrieta, Beba Rojas y César Flores,
ESCANDALO
Lo de escandalosa no es un decir, pues, en el ámbito de la TV criolla, donde aún imperan insólitas y hasta caducas normas o códigos, un argumento como el que Hahn desarrolla en su cuarta pieza teatral, Hombre casado busca, no podría utilizarlo en telenovela criolla, aunque en ocasiones exhiben telefilmes similares en horarios especiales para “adultos” y servidos por el cable.
Hombre casado busca es una comedia sobre lo que le pasa a Miguel cuando, por curiosidad y una insatisfacción íntima, navega en una página de Internet para hombres casados que desean hacer sexo con otros caballeros desposados. Miguel, al parecer feliz pero con muchos interrogantes eróticos, planifica un encuentro en un parque solitario y en la oscuridad del sitio descubre que el personaje de su ciber cita es nada menos que el hermano de Karen, su esposa, o sea el cuñado Sigfredo.
Lo que sucede entre el insatisfecho Miguel y el cuñadito Sigfredo, casado y con varios hijos, y además desaforado por buscar y degustar otros placeres carnales, es una madeja de enredos inverosímiles en un contexto real y concreto, porque el autor, con su mentalidad telenovelesca, le pone ingenio y pimienta a la compleja situación de esos dos hombres que quieren pero no se atreven y cuidando no ser descubiertos por las conyugues que tienen que soportar o ser cómplices de las locuras de sus “medias naranjas”. Para resumir, la jocosa situación teatral: el final es abierto. Los varones sufren pero quedan con mayores libertades para proseguir probando o buscando, mientras que sus féminas pretenden pasar por bobas, que no lo son, aunque pueden optar por la resignación, o por cambiar de maridos.
HOMOFOBIA
La bisexualidad que plasma Hombre casado busca es otra de las conductas sexuales perseguidas por la homofobia, esa lacra cultural que ha existido siempre y que en algunos países lleva a la cárcel o la muerte a quienes practican lo que no está permitido o bendecido por las religiones y los códigos civiles. Pero resulta que la bisexualidad es más común y corriente de lo que se cree, porque el matrimonio es como una cortina de acero que todo lo tapa, hasta que tal cortina se deshace cual mantequilla, vaselina o cualquier lubricante erótico y todo se descubre, generando, como es la tradición, divorcios o separaciones violentas, con las consabidas lágrimas y las explicaciones que no explican nada a hijos y familias involucradas. Y por supuesto la bruja mala de la homofobia queda feliz y contenta porque “el mal no avanza, ha sido descubierto”, etcétera, al menos en los países tercermundistas donde el conservadurismo impera y desgracia a quienes atrapan.
Martín Hahn esta muy lejos de hacer recomendaciones morales o tomar partido por tal o cual de las conductas ahí plasmadas. Muestra, eso si, un divertido juego inteligente con los personajes y al final todo lo deja como al principio: para atreverse, porque el público tendrá que reflexionar o rechazar lo que ahí se muestra o ahondar más en sus visitas a las cibernéticas páginas, donde de cada diez webside hay seis de temática sexo con todas las conductas o comportamientos posibles o conocidos hasta ahora.
ESPECTACULO
El montaje que el director Vidal asumió con Hombre casado busca es el prototipo del teatro pobre o minimalista a la venezolana. Cámara negra, luces más o menos fuertes, un poco de humo y cuatro modernas sillas de plástico es todo lo que utiliza el puestista para una planta de movimientos intensos donde los actores dan todo lo que tienen para hacer verosímiles a sus personajes de machos en cacería de placeres menos tradicionales. El ritmo y las atmósferas que se consiguen son consecuencia de la férrea disciplina que Vidal les impone y es por eso que Luis Olavarrieta como cuñado Sigfredo avasalla a su oponente, el curioso Miguel quien gana el kino de la mala suerte al descubrir a su pariente político en “tenebrosas cacerías”. No queda duda alguna que Olavarrieta ha dado un sorpresivo gran salto en su carrera profesional actoral y lo demuestra exhaustivamente, mientras que Flores saca con dignidad su personaje, ayudado en parte por esa palanca que es Beba Rojas, “una todo terreno”, como su esposa Karen.
CUATRO POR AHORA

Desde el 15 de febrero de 1992, en el teatro Chacaíto con la comedia policial Crimen pasional, comienza el periplo escénico de Martín Hahn. Este dramaturgo tiene especial formación universitaria, pues egresó de la UCV como licenciado en Artes Escénicas, mención Cine, y además exhibe una maestría en Teatro Latinoamericano. Nada de empirismo o de cómo vaya viniendo vamos viendo, va con la academia por adelante, como dicen socarronamente algunos comentaristas. Hay que recordar que su ópera prima fue actuada por Carolina Cristancho, Carlos Carrero, Andrés Izaguirre, Fabiola Romero y Sun-Ling Antonetti, bajo la dirección de Rodolfo Drago. Era una pieza entretenida por la trama y por el complejo enredo en que se debatían sus personajes, porque había de por medio un marido tan celoso que ni el temible moro Otelo es un aceptable punto de comparación, así como también una dama apta para ser llevada a una clínica psiquiátrica, porque ella precisamente ha perdido la cabeza ante los románticos mitos masculinos que le vende el cine norteamericano. Después, Hahn escribió y pudo ver representadas, con notable éxito de público, sus piezas Tres reinas y Rey de Oros, con personajes muy sexuales, cosa nada rara. Y ahora prueba suerte con Hombre casado busca.

Ricardo III de Los Teques

2011-10-22T23:42:00.002-04:30

Cero y van tres. La agrupación Veneteatro, de Los Teques, montó su primera trilogía con piezas de William Shakespeare. La tempestad (2009) abrió, continuó Antonio y Cleopatra (2010) y ahora hace temporada Ricardo III en la Casa de la Cultura. El líder de este ambicioso proyecto artístico es Dante Gil, quien versionó, dirigió y coordinó las producciones, realizadas con autogestión comunitaria.
Ricardo III es un drama histórico, escrito alrededor del año 1593, cuyo argumento muestra al jorobado y deforme Ricardo Duque de Gloster, quien ambiciona la corona para ser rey absoluto y se esconde en benignas apariencias, desata malévolos planes para devastar su entorno familiar y provoca incluso una conflagración civil, la Guerra de las Rosas. Este soberano es un atípico antihéroe o villano bufonesco capaz de seducir con sus maquiavélicas manipulaciones al resto de los personajes e incluso a los mismos espectadores, a quienes reiteradamente les anticipa sus malévolos planes, haciéndolos participes y a la vez cómplices de sus proyectos conspirativos, todo esto envuelto en una cautivante pero peligrosa personalidad llena de astucia, hipocresía y engaños.
Al final, convertido en rey, lo azota su conciencia con la aparición de todos los fantasmas de quienes traicionó. El dramaturgo se esfuerza por otorgarle una especie de remordimiento, pero ya es tarde, el criminal y loco es vencido por sus propios demonios y su desmedida ambición.
Según el crítico Harold Bloom, en su libro Shakespeare, la invención de lo humano, este Ricardo III es un gran monstruo, el cual fue superado, decimos nosotros, por los gobernantes fascistas del siglo XX. Este montaje, comprimido y adaptado a las características de la agrupación, es protagonizado por el actor Henry Pantoja, el mismo que encarnó al minusválido de nuestro melodrama El fantasma de Bonnie (2011). Ahora con sus performances como duque de Gloster y el criminal rey, logra demostrar sus evolutivas dotes histriónicas y su reiterar su asombrosa capacidad para transformarse desde el fatídico monstruo al absorbente payaso que pide aplausos o reconocimientos ante la maldad de lo que hace.
El montaje logrado por Dante Gil simplifica buena parte de las intrigas palaciegas para capturar el poder y acentúa su critica abierta al uso de las armas, a la fuerza y al crimen como formas de vida dedicada exclusivamente a erigir un tonto monumento a la estulticia humana, camino sangriento hacia el poder absoluto en nombre de una supuesta ideología. Este montaje quita el sueño por lo que encierra.
El elenco está conformado además por Ulises Acosta, Rayito Zamudio, William Pérez, Melissa Muñoz, Nancy Méndez, James Prada, Richard Contreras, Marco Ford, Ulises Acosta, Luisana Ortiz, Francisco Ortiz, Wilson Carrero, Paolo Patella, Luigui Castaño y Mara Flores.
La coreografía es de Rayito Zamudio (VeOzdanza de México) y Manuel Ángel Conejero (Fundación Shakespeare de España) dio su asesoría.

Vino La Reina

2011-10-15T21:11:00.001-04:30

Otra vez más, la historia reciente venezolana inspira a los dramaturgos para elaborar piezas y mostrarlas ante sus audiencias. Ya lo hicieron, durante esta temporada 2011, Javier Vidal y su Diógenes y las camisas voladoras e Ibsen Martínez con Como vaya viniendo y Petroleros suicidas. Y ahora, recientemente, Karin Valecillos presenta Vino la Reina. Esto es ejemplar y genera educativos debates y brotan opiniones fundamentadas que enriquecen diversos ángulos de las piezas representadas. ¡El teatro sale ganador!
En Vino la Reina, la cual se exhibe en el Espacio Alterno del Trasnocho Cultural, Karen Valecillos utiliza un suceso ocurrido hace 30 años, aquí en Caracas. Por vicisitudes propias de los países tercermundistas, la muerte del ex Presidente de la República, Rómulo Betancourt, significó un duelo público y nacional que afectó todos los eventos artísticos, sin considerar los daños económicos, entre otros, que provocó tal decisión. Por ese exagerado desatino, según disposición del presidente Luis Herrera Campins, fracasó la gira de la mítica banda rockera británica Queen para realizar una serie de conciertos en el Poliedro de Caracas desde el 27 de Septiembre de 1981, ya que a raíz del deceso del ex Jefe de Estado, ocurrido el 28 de septiembre en Nueva York, se suspendió el concierto de ese día y el resto de la gira en el país.
OBRA
El “aborto” de las presentaciones de Queen lo utiliza Valecillos para crear una comedia con cuatro sagas de frustración: la de Gerardo, el arriesgado empresario que pautó las cinco fechas de la agrupación inglesa en Venezuela y cifró en esas presentaciones todas sus esperanzas para surgir como líder de los emporios de espectáculos; esta el conmovedor y ambiguo Clarkson, un adolescente que sueña ser como el homosexual Freddie Mercury (líder máximo de Queen), enfrentándose a un retrógrado y homofóbico papá petrolero y una madre temerosa, ante quienes hace sentir su deseo de asumir su vida en libertad, o sea salir del closet; destaca el histriónico y popular mensajero José, eternamente enamorado de Yudi, la secretaria de la oficina donde trabaja, quien ve en el concierto de Queen la única oportunidad de que su “diosa del tecleo” se fije por primera vez en él, y cierra Rossana, alias Liber, militante de un partido anarquista, quien pretende sabotear al concierto de Queen para quitarse la fama de burguesa y para que sus compañeros sepan que ella no es una víctima más de los gustos populares.
Tres de los cuatro pretenden culminar felizmente sus anécdotas personales al participar en el Teleshow de la Alegría, conducido por Mirna Manaure, parodiando al celebre Freddie Mercury y ganarse así las entradas para el susodicho concierto, pero la muerte de Betancourt logra cambiarlo todo.
MONTAJE
Vino la Reina destaca en escena gracias al buen trabajo del equipo que dirige Jesús Carreño, sin lugar a dudas el esteta de la agrupación Tumbarrancho, y los actores Alejandro Díaz, Elvis Chaveinte, Vicente Peña, Omaira Abinadé, Israel Moreno, Giovanny García, Zuly Méndez, Indira Jiménez y Patrizia Fusco, quien además funge como productora general del espectáculo; la dirección musical es de Abiram Brizuela; el trabajo coreográfico Francisco Bravo y vestuarios de Samantha Castillo.
La pieza, como estructura y como propuesta ideológica, es la más ambiciosa de las cuatro piezas que hemos visto de Valecillos en escena, aunque encontramos débil el texto de la cuarta saga, la de Rosana o “Liber”.No tiene verdad, no fluye como las otras, su discurso es farragoso y la actriz Zuly Méndez tampoco ayuda el ritmo del trabajo escénico, aunque Giovanny García hace lo imposible para que funcione. Incluso es innecesaria para la obra en general, porque no agrega nada, sino que se convierte en un tonto lastre. Ya que las sagas del adolescente gay y del empresario –en la vida real era Enzo Morera-, además la del mensajero José, son tan buenas o están mejor elaboradas, más cuidadas y ejemplarmente resueltas por Alejandro Díaz (toda una revelación escénica), Elvis Chaveinte y Vicente Peña. También son satisfactorias las performances de Israel Moreno, además de Omaira Abinadé.
Comprendemos los apuros de Valecillos para redondear su pieza, para no caer en extremismos, pero es que la saga del muchacho gay que lo manda todo al carajo, porque no quiere seguir en un hogar que lo ahoga y no lo deja ser libre, es muy fuerte y hasta “peligrosa” en si misma. A pesar de todo los cuidados de la autora, la pieza se convierte en otra bandera de la dramaturgia venezolana contra la homofobia, gracias además al desempeño del joven comediante, bien secundado por su “mamá”, Omaira Abinadé.
La escenografía de esta despojada puesta en escena es un modelo del minimalismo criollo. Esta reducida a un viejo escritorio y una mesa de comedor con sus sillas, que son los apoyos físicos básicos para las acciones dramáticas de un elenco que en conjunto es ejemplar. El espectáculo fluye perfectamente, aunque sería recomendable darle más énfasis al baile de los tres imitadores de Freddie Mercury y ver como resuelven teatral o coreográficamente el final, el colofón ese o especie de Wikipedia parlante, donde los actores hacen un repaso totalmente innecesario de microbiografías del líder de Queen y de Betancourt.
En síntesis, a pesar de “los lunares” que hemos señalado, Vino la Reina es un espectáculo para públicos juveniles y adultos, con visos de comedia sobre lo que ha significado la idea del “triunfalismo” o el “golpe de suerte” para definir a los venezolanos como sociedad, capaz de sumergir a la audiencia en el furor de los 80, precisamente cuando los closets comenzaron a romperse, aunque en USA estallaron con la noche de Stonewall, el 28 de junio de 1969, en Nueva York.
Reír o llorar
Karen Valecillos, creadora de obras como Lo que Kurt Cobain se llevó y 29/10/88, entre otras, puntualiza que cuando escribió Vino la Reina hacían temporada, en 2008, con Cuentos de guerra para dormir en paz, por azar -o por asuntos del destino- distintas personas le comentaron sobre lo que sucedió en el 81 con la suspensión de los conciertos de Queen. “La anécdota es para mí una metáfora del triunfalismo nacional, ese pensamiento ingenuo de que el éxito y el progreso están a la vuelta de la esquina, a todo nivel, en lo personal, lo sentimental, lo social. Los venezolanos somos especialistas en contar los pollos antes de nacer”. De eso trata Vino la Reina de eso y mucho más. “Siempre resalto que es una tragicomedia, porque nuestra historia como país está llena de momentos donde uno no sabe realmente si reír o llorar”, indica, estoicamente, la autora de la pieza.

El bosque Magicus

2011-10-15T21:06:00.001-04:30

Ella toda una primera actriz, Lily Álvarez Sierra, y el un versátil escritor y director, Gabriel Martínez, se instalaron en Caracas a mediados del siglo XX, después de haber probado suerte en Bogotá. Entre las muchas cosas que hicieron, además de procrear al unigénito Fernando y velar por sus descendientes, llevaron el teatro para niños a la naciente televisión criolla y abrieron una escuela orientada a la capacitación de actores. Impulsaron las artes escénicas en todos los niveles, pero particularmente los espectáculos orientados al público juvenil.
Recordamos a ese matrimonio chileno, pionero en lo que genéricamente se conoce como teatro para niños, porque en esta centuria hay nuevas generaciones de teatreros empeñados en no dejar desaparecer la semilla que sembraron, como es el caso de Gioia, hija de Dionisio Arismendi y la primera actriz Gioia Lombardini, quien no solo se licenció en Artes Escénicas en la UCV sino que escribió y dirigió la obra Magicus, el bosque reciclado, entretenido y bien logrado espectáculo musical donde el amor, la alegría, la perseverancia y la amistad impiden la deforestación de un sorprendente lugar habitado por especies mágicas, que está en peligro de extinción.
Gioia Arismendi “amenaza” con más obras de su autoría, pero ahora quiere dirigirse al público juvenil porque la ecología, el reciclaje y la conciencia ambientalista son temas muy importantes para todos los niños y los adultos. Aparte de entretener busca educar a través de su espectáculo, crear conciencia y dar consejos de como se puede vivir mejor, como personas, como ciudadanos con nosotros mismos y con el medio ambiente. “Reconocernos y valorarnos por lo que somos y no por lo que no somos, entender que seres diversos y distintos pueden habitar en un mismo lugar si entendemos que el respeto y la tolerancia son la clave para lograrlo. Y entre esos temas y esos puntos, esas ideas fluyeron y nació mí Magicus, el bosque reciclado”, el cual hace temporada en Teatrex, sábados y domingos a las 4pm.
La aventura escénica se desarrolla en el año 2052, cuando los pocos bosques existentes en la Tierra están en peligro. Priscilla, ingeniero de la deforestación del bosque, obstinada de sí misma y de sus amigos, quiere armar un barco gigante con la madera de los árboles de Magicus, para irse a buscar nuevos horizontes, acabando así con la vida en ese lugar para siempre. Pero todo eso fracasa porque los habitantes del bosque, humanos, plantas, animales y seres mágicos se integran a la misma lucha para salvar a Magicus y salvarse ellos.
El espectáculo, pese a las incomodidades del espacio escénico de Teatrex, atrapa al público y el mensaje ecologista llega fácil a la audiencia en general, gracias además a la entrega de los cómicos ahí involucrados, como Osman Aray, Raquel Yánez, Gioia Lombardini, Ámbar Díaz y Carlos Felipe Álvarez, además de Gioia Arismendi.
La joven autora, directora y actriz reconoce que todo ha sido posible al amor y al respaldo incondicional que recibe por parte de toda su familia, que ha estado absolutamente involucrada, en todo momento y en todos los aspectos.
Imposible ver al espectáculo de Gioia Arismendi y no evocar el trabajo de esos mágicos viejos que eran Lily y Gabriel, cuya memoria además han perpetuado sus nietos, con César a la cabeza

Escándalos chejovianos

2011-10-09T00:05:00.001-04:30

Tanto la vida como el teatro prosiguen dándonos gratas sorpresas. Las personales solo a nosotros interesan, pero las artísticas sí son para difundirlas porque denotan que “el tren eléctrico” del teatro venezolano, específicamente el caraqueño, no se ha detenido y avanza en pos de estéticas y lenguajes nuevos y, además, buscando, fundamentalmente, la consolidación de los elencos del necesario relevo artístico, como es el caso de Grupo Teatral Emergente, el cual, bajo la égida de Jesús Delgado, hace temporada en la Sala Cabrujas de Cultura Chacao hasta el 30 de octubre. Ahí presenta su excelente y aleccionador espectáculo Escándalos personales/La vida es una suma de instantes, elaborado con textos del escritor y dramaturgo Antón Chéjov (Rusia, 17 de enero de 1860/Alemania, 2 de julio de 1904).
Escándalos personales/La vida es una suma de instantes esta integrado por cinco obras con un presentador o hilvanador, que es el mismo Chéjov, felizmente encarnado por el actor Gerardo Soto. Ahí se le suministra al público caraqueño, con piezas escritas hace más de un siglo, algunos aspectos de los sueños, las desilusiones y las pasiones humanas abordadas con humor inteligente y refinado, y hasta hay un contemporáneo y muy aleccionador mensaje, reiteramos nosotros.
El director Delgado escogió y ensayó los cuentos “El estornudo”,“La institutriz”, “El arreglo” y “La audición”, además de la comedia El oso, para lo cual trabajó exhaustivamente con Gerardo Soto, Marisol Da Silva, Germán Anzola, Patricia Pacheco, Stella Guerrero, Ivonne Vela, Fulvio Quintana y Carlos Clemares, vestidos por Joaquín Nández, con iluminación de Luis Ernesto Domínguez y corografías de Adriana Bustamante y Jacques Brouquet, así como las necesarias asistencias de Patricia Veliz y Sebastián Torres, hasta obtener un valioso y excelente producto estético.
Texto
Parte del éxito artístico de este montaje descansa en la elaboración del guión con los cuentos cortos adaptados y la pieza teatral, todos hilvanados en una historia escénica a través de Chéjov como artista y creador, para presentar a sus personajes como criaturas vulnerables e imperfectas, victimas de su propio destino. Y todo esto se logra a través de un lenguaje accesible, producto de una traducción especializada, con una puesta en escena dinámica, limpia, moderna y atractiva y un conjunto de actores muy bien seleccionados y adiestrados.
El director Delgado se propuso no presentar las piezas aisladamente, sino construir un espectáculo integrado, en el cual la genialidad del artista-escritor fuese el hilo conductor. Respetando al autor fueron adaptando palabras, que en algunas traducciones no eran las más adecuadas. Estudiaron sus grandes dramas, sus cuentos y sus escritos; por lo tanto no fue difícil encontrar, en los textos, las reflexiones, generalmente del propio Chéjov, que emplearon luego para abrir la pieza, cerrarla, o como breve introducción a cada historia.
Fue así como salio un guión donde Chejov advierte como Cherviakov (Germán Anzola), humilde trabajador de un ministerio va al teatro y ahí encuentra a su jefe y por un exceso de cortesía y un tanto de mala suerte estornuda y desata un incidente que culmina en tragedia. Describe el sórdido nivel de humillación donde trabaja la institutriz Julia (Stella Guerrero) y la enfermiza maldad de la Señora (Marisol Da Silva), hasta que culmina con la advertencia de que la sumisión tiene limites y anuncia lo que puede ocurrir cuando los abusados e indignados reclamen sus derechos. Chéjov da una clase sobre lo que pudo haber sido la iniciación sexual del joven (Fulvio Quintana) que tiene un padre demasiado cariñoso y humano con su vástago. La joven actriz Nina (Patricia Pacheco) insiste hasta que Chéjov le permite que audicione con fragmentos de Tres hermanas y logra convencer al exigente autor. Y el espectáculo cierra con un duelo de iras y deseos que estallan cuando la viuda Popova (Marisol Da Silva) es brutalmente asaltada en su casa por un patán terrateniente (Carlos Clemares) que pretende cobrar una deuda y termina enamorado y de rodillas ante la bella dama. ¡Cosas del amor!
Montaje
¿Es la magia de la escritura de Chejov o el talento interpretativo de los cómicos venezolanos quienes hacen del espectáculo algo más que 70 minutos placenteros y estremecedores por lo que le pasa a esos personajes que existieron y aún sobreviven?
El público tendrá que averiguarlo. Nosotros solo subrayamos que la vida del teatro son sus actores y sus espectadores sensibles. Y que todo es consecuencia del trabajo del equipo humano y artístico ahí reunido bajo la egida de Delgado, quien viene desde el año 2007 ocupado en hacer dignos espectáculos con obras que dan algo más que divertimento al público, y de eso hemos sido testigos, hasta que han mostrado este excelente trabajo chejoviano, consecuencia de su estudio y del apoyo recibido de la maestra Elia K. Schneider, entre otros respetables educadores, adoradores del Sistema Stanislavski.
Hay, pues, en este sexto trabajo del Grupo Teatral Emergente algo más que una esperanza o un sueño. Hay decisión de hacerlo siempre mejor y de involucrar a una joven generación que necesita espacios donde darse a conocer. ¡Adelante!
Maestra
La venezolana Elia K. Schneider no solo trabaja con el método stanislavskiano, sino que también ha incorporado aportes de teóricos norteamericanos como Stella Adler y Sanford Meisner. Actualmente da clases de Fundamentos de Actuación en el Stella Adler Academy of Acting and Theatre de Los Angeles, Estados Unidos. Es reconocida además por sus películas Huelepega y Punto y Raya. Son muchos los actores formados por ella que hoy destacan en el ámbito nacional e internacional.
Amor por Chéjov
Durante un taller de dirección y puesta en escena en el Centro de Directores para el Nuevo Teatro, dictado por Daniel Uribe y América Alonso, cuenta el director Delgado como realizaron un montaje con textos breves de Chéjov. “Cada alumno debía llevar a escena un relato. A mí me tocó "La audición", una de las cinco piezas que ahora presentamos. Emprendí una investigación profunda sobre Chéjov y su época. Quedé prendado. Me maravilló su humildad, su inteligencia, su carácter. Puede convertir momentos sencillos de la vida en los más hermosos instantes dramáticos. En sus relatos cortos hay una profundidad hermosa, una poesía tan sutíl, tan digna de trabajar, que se me hizo necesario llevarlos a escena. Además, encontré en el Sistema Stanislavsky, que conozco gracias a mi maestra Schneider, una guía certera en el acercamiento al alma de sus personajes. Era cuestión de tiempo para que se concretara este proyecto, que ahora se presenta como Escándalos personales/La vida es una suma de instantes.

Agridulce Rajatabla

2011-10-09T00:01:00.002-04:30

Por avatares de la vida hemos reseñado la saga del grupo teatral Rajatabla, incluso aquellos flujos y reflujos que precedieron a su creación, desde el 28 de febrero de 1971, bajo los aleros del Ateneo de Caracas. Las muertes de sus fundadores, el director Carlos Giménez (1993) y el actor Francisco Alfaro (2011), no detuvo su marcha, pues, resolvieron los relevos de los directivos y por eso ahora su popular relacionista público William López (José Rosario López) asumió la presidencia de la institución para ejecutar varios proyectos aprobados y poner en marcha otros.
Rajatabla ha sobrevivido porque se hizo imprescindible para el desarrollo del teatro criollo –forma artistas y capacita público- y aunque ahora tiene rebullones sobre su morada, prosigue su plan de producir y mostrar las tres últimas obras seleccionadas en la Muestra de Dramaturgia Nacional, la cual organizo Alfaro en dos oportunidades. Es por eso que Agridulce, el sabor de las querencias de Glener Morales y El robo de la arrobita de Carmen García Vilar se exhibirán durante este último trimestre, mientras que El más mejor de Roberto Azuaje abrirá la temporada 2012.
Le ha correspondido al presidente López, apuntalado en Gerardo Luongo, debutar con la producción de Agridulce, el sabor de las querencias, puesta en escena por Rufino Dorta y con las actuaciones de Dora Farías, Yurahi Castro, Tatiana Mabo, Jean Franco De Marchi, Alirio Valero y Fabiola Arace. La iluminación es de Alfredo Caldera.
Las obras de teatro no necesitan programas de mano ni de conferencias de prensa o exposiciones previas a su representación. La promoción de tal o cual espectáculo puede ayudar a captar espectadores, aunque no siempre ocurre, pues el boca-a- boca tiene la última palabra. El público las disfruta o las repudia y prosiguen las funciones hasta concluir la programación acordada. Reiteramos esto por que Agridulce, el sabor de las querencias es una pieza preñada de buenas intenciones con sus denuncias contra las sociedades conservadoras, pero al ser representada es solo una decadente explosión de imágenes y situaciones surrealistas que no ayudan en nada al espectador, porque el discurso verbal es confuso y se mueve a trompicones.
Según la nota de prensa, esta pieza “es un canto al amor, a la familia, y a la patria”, donde su autor plasma a un joven que de niño perdió a sus padres; una se marchó y otro se suicidó, dejando una familia desintegrada. Pero el protagonista no sucumbe y la falta de sus progenitores la sublima como soldado y adopta a su país como padre y madre. Este relato explica un tanto las acciones dramáticas, pero no hay teatro como tal, pues el discurso escénico va por un lado y las imágenes por otro, creando una confusión tonta para estos tiempos. La obra necesitaba reescritura o por lo menos un montaje que sirviera para contar con simpleza lo que pretendía el escritor.
¡Suben y bajan los telones, pero Rajatabla ahí continúa en pos de un nuevo horizonte!

Equivocaciones o errores

2011-10-01T15:47:00.002-04:30

William Shakespeare reclama aplausos en la sala Anna Julia Rojas de la Universidad Nacional Experimental de las Artes (Untarte), la cual, por decisión del Ejecutivo Nacional ocupa el edificio que durante 26 años uso en comodato el Ateneo de Caracas en la zona de la plaza Morelos, desde los meses de mayo y agosto de 2009, y cuya rectoría ejerce desde entonces Emma Elinor Cesín Centeno.
Emerge Unearte no como la sumatoria de los cuatro institutos universitarios que antes impartían educación en las áreas del teatro, la música, las artes plásticas y la danza. “Es una institución de educación superior con nuevo enfoque y nuevo diseño curricular, el cual estamos intentando desarrollar en conjunto, tras haber sido intensamente trabajado con los docentes universitarios y con el estudiantado que se interesó”, declaro Cesín Centeno, al tiempo que puntualizaba que “el curriculum está vivo, no es que se hizo y aquí quedó, estará en permanente estudio y formación, y en evolución porque estamos intentando crear una nueva forma para enfrentarnos a este complejo proceso de formación en las artes, entendiéndose que la Universidad tiene una responsabilidad compartida. Estos planes de estudio son inclusivos en la medidas en que deslindan las fronteras entre lo académico, lo popular y lo tradicional en materia de artes y cultura, considerando las realidades territoriales, geográficas, culturales y mentales, así como la pertinencia con relación a los que originaron, lo mantenido, incrementado, congregado, novedoso y coherente, conservando lo propio e introduciendo elementos que resultan valiosos para el país y para la educación a nivel internacional. Los licenciados egresarán capacitados para formar a los educadores en cada una de esas áreas. Esto es un logro histórico”.
ESPECTACULOS GRATUITOS

Unearte además ha programado las tres salas teatrales que tiene su edificio sede con grupos particulares profesionales y elencos de estudiantes y recién graduados, los cuales se han presentado gratuitamente ante el público, aunque la Universidad da un bono financiero especial a los artistas en disciplinas dancísticas, teatrales y musicales que ahí se exhiban.
La calidad artística de los montajes de los universitarios ahí mostrados ha sido variopinta, al tiempo que se han podido apreciar nuevas o incipientes manifestaciones estéticas, porque en su mayoría son ofertadas por jóvenes en acelerado proceso formativo y hasta es posible que en sus escenarios, como en sus aulas, se esté gestando una verdadera revolución en las artes escénicas y musicales.
Y es por eso que hasta el domingo 2 de octubre se podrá ponderar la contundente versión escénica que la profesora Diana Peñalver ha logrado con el texto shakespereano La comedia de las equivocaciones, por intermedio de una propuesta ambiciosa, materializada con una treintena de estudiantes de Unearte, quienes con que ese montaje culminarán estudios y optarán por las respectivas licenciaturas.
INVENCION DE LO HUMANO
En su libro Shakespeare, la invención de lo humano, Harold Bloom explica que La comedia de los errores o La comedia de las equivocaciones es una muestra de su maestría en el manejo de la acción, los caracteres y la misma dramaturgia, la cual resulta ser una versión refinada y hasta mejorada de Plauto para plasmar una historia un tanto absurda. Muestra a un anciano que será ejecutado por infringir la ley que prohíbe a los habitantes de Siracusa viajar a Efeso. La encargada de hacer cumplir la norma jurídica da la oportunidad a la víctima de defender su causa y éste relata de un naufragio que sufrió en carne propia 25 años atrás, en el cual perdió a su mujer e hijos, unos gemelos, así como también a otros gemelos que él compró para que fuesen criados de sus hijos, dando así pie a un relato donde “lo que se ve no es lo que parece.”
Los equívocos de la historia están relacionados con esa ambigüedad que generan los gemelos y el montaje que exhibe Unearte termina por ser un modelo de respeto por la tradición y la modernidad, en el rescate de obras universales de gran actualidad, además es una óptima muestra del trabajo de equipo ahí desplegado.
Para Bloom esta divertida y vigorosa comedia es un punto de partida de Shakespeare para su reinvención de lo humano, donde el dramaturgo toma partido por los payasos como símbolos del pueblo acorralado y por ende hábil con sus astutas conductas y no por los mercaderes. Sobran comentarios sobre lo que la pieza propone.
ESPECTÁCULO
Si Shakespeare es la estrella del espectáculo de Unearte por su enseñanza, también hay que resaltar el habilidoso uso de diez periaktoi monumentales, unos prismas, de telas y metales, que son movidos y usados por los actores para crear las necesarias ambientaciones del montaje. Es otro grato espectáculo visual ver a esa muchachera salir airosa con los urgentes y veloces desplazamientos de esos mecanismos escenográficos, de origen griego, al mismo tiempo que crean a sus múltiples personajes, a lo largo de 135 minutos, sin parar. Talento histriónico y destreza físicas bien conjugados.
Sin lugar a dudas que es un espectáculo que solamente se puede obtener con gente joven por las exigencias físicas fundamentalmente, lo cual revela la visión que tuvo la directora, quien, como ya es su costumbre, utiliza los palos o los garrotes tradicionales del tamunange para algunas peleas o reyertas de los personajes shakespereanos.
Y todo eso con un vestuario que combina lo contemporáneo con lo antigua y además el uso general de máscaras. Todo concebido con un preciosismo ejemplar.
EGRESO

La comedia de las equivocaciones fue seleccionada por los estudiantes de teatro de Unearte, próximos a graduarse en el 2012 como montaje de egreso, requisito imprescindible para culminar el programa de estudios. Se evaluarán diversas áreas de conocimiento, dado que una veintena de jóvenes de menciones como actuación, diseño teatral, gerencia y producción trabajaron conjuntamente con sus docentes para llevar a las tablas un concepto articulador, que avanza a partir de las tríadas, escenas que se presentan al mismo tiempo tres veces.
FICHA ARTÍSCA Y TÉCNICA

ELENCO: Johan Escalante, Joseph Dubín Rivero, Diego León, Jesús Gómez, Diego Mora, Christian Jiménez, Dayana Carmona, Jorge Cogollo, Emilger Arroyo, Argenis Ciriaco, Solymar Raga, Karlyn Alquinzones, Catherine Tadger, Irene Vivas, Jiniva Irazábal, Luz Arciniegas, Anali Rivera, Keisbel Silva, Leonardo Gibbs, Anali Rivera, Tiziana Carascon. MAQUILLAJE, VESTUARIO Y MASCARAS: Nazareth Canache y Samyra Recondo. ESCENOGRAFIA Y UTILERIA: Tiziana Carascón y Lis Vielma. LUCES. Danibel Gil. DIRECCION GENERAL: Diana Peñalver Denis

La novicia Semprún

2011-10-01T15:43:00.002-04:30

Es más fácil hacer atinadas comedias musicales que elaborar bombas atómicas y es por eso que Venezuela lleva, a lo largo de las dos primeras décadas del siglo XXI, no menos de una docena de espectáculos donde los actores ya no pueden hablar más y deben cantar y como las emociones de sus personajes son tan fuertes se ven obligados a bailar, como aconseja Bob Fosse a los que hacen ese tipo de teatro.
En Caracas, durante el siglo XX, los musicales fueron cultivados y dieron pingues beneficios a Horacio Peterson, Levy Rossell, Carlos Giménez, José Simón Escalona y Elisa Soteldo, entre otros, pero nadie fundó una escuela para capacitar artistas indispensables, exceptuando la organización Las Voces Blancas, de cuyo destino no sabemos nada en estos tiempos.
En Estados Unidos de América y el Reino Unido las comedias musicales tiene más de dos centurias y hay escuelas para capacitar al personal artístico básico, además de respetables empresas productoras que mueven millones de dólares para sus montajes, los cuales mayoritariamente son exhibidos en Nueva York o Londres, al mismo tiempo que exportan los guiones o libretos tutorados para redondear así el negocio. Por supuesto que Washington y Londres si producen armas nucleares, pero de eso no se habla en los periódicos.
Recientemente, en la capital venezolana, tras las producciones de Michael Hausmann y César Sierra, irrumpe Vicente Albarracín con la dirección general de La novicia rebelde, producción de Escena Plus y Showcenter que se muestra en el Teatro Teresa Carreño, protagonizada por Mariaca Semprún y Rolando Padilla, escoltados por Gustavo Rodríguez, Julio Alcazar, Lucy Ferrero y Fanny Arjona, además de un septeto de niños y 35 actores que cantan y bailan, acompañados por orgánica Orquesta Sinfónica Gran Mariscal de Ayacucho, bajo la diestra batuta de Elisa Vegas.
Esta novicia rebelde venezolana, con música de Richard Rodgers y líricas de Oscar Hammerstein y el libreto de Howard Lindsay y Rossel Crouse, es un edulcorado cuento híbrido de Cenicienta con Caperucita Roja, azul en este caso, donde la bruja mala o el lobo feroz es el fascismo nazi que le complica a la vida a la ex novicia casada con un capitán naval austriaco que además le agrega los siete hijos de otro matrimonio. Amor con obstáculos.
Lo interesante e histórico de esta producción es la presencia del gran talento actoral, vocal y musical venezolano, formado con muchos sacrificios, pero que ha permitido ponderar y exaltar la magia de Vicente para sincronizar a Mariaca, Rolando, Gustavo y todo ese elenco profesional que disfrutaron e hicieron soñar a la audiencia con ese cuento rosa, que por supuesto no llega ni a los tobillas de la historia real que lo inspiro: una familia austriaca desplazada por los enloquecidos alemanes. Locura fascista que recorre al mundo para no dejar dormir a nadie.
Con ese talento ahí involucrado se pueden hacer otras comedias musicales menos light y adecuadas para los tiempos que vivimos. Hay títulos foráneos importantes que son costosos por los derechos de autor, pero hay piezas venezolanas no tan caras. Se pueden hacer a pesar de tener un número pequeño de esos súper actores que exigen semejantes espectáculos, además de la superabundancia de músicos. ¿Quien le pone el cascabel al gato?

Diógenes Escalante en su libro

2011-09-28T14:29:00.002-04:30

¡Nunca sospechamos que llegaríamos tan lejos: somos parte del colofón del más reciente libro de Javier Vidal Prada! Diógenes y las camisas voladoras salió de la escena del teatro Trasnocho y se convirtió en libro de 74 páginas, impreso por Editorial Melvin, C.A.-producido por MJM Producciones- y cuya presentación o “cristiano” bautizo se realiza el jueves 29 de septiembre en la libreria El Buscón, después de las 6:00 PM.
Javier Vidal Prada, autor actor, director y polemista tiene ya en su haber nueve obras teatrales editadas y siete más esperando la imprenta, además de tres ensayos y dos novelas y un poemario. Una bibliografía nada despreciable y para satisfacer a su fanaticada acaba de imprimir el texto de su más reciente montaje, el cual ademas protagoniza.
El prefacio de esta nueva publicación, la cual enriquece a la gran biblioteca del teatro venezolano, esta suscrito por ese patricio de la política y el periodismo venezolano que es Simón Alberto Consalvi. Él anota o revela como la mitología de Diógenes Escalante ingresó al teatro, y lo ha hecho de manera excelente. “Javier Vidal escribió un texto, Diógenes y las camisas voladoras, que define como un teatro de no ficción,más no histórico”.
El periodista Consalvi, quien sabe muy bien sobre lo que escribe y porque lo hace, concluye su comprometido artículo, subrayando que sean absurdas o temerarias las hipótesis de entonces y de ahora, la crisis mental de Diógenes Escalante, tan inteligentemente recreada por Javier Vidal, desató los demonios de la política. “En suma, fue una mitología. Historia, biografía, novela, teatro, todo es uno en Diógenes Escalante. En 1945 volaron las camisas de todo el mundo”.
Cabe recordar que Diógenes y las camisas voladoras se hizo verbo y conmovedoras acciones escenicas desde el 1 de julio de 2011 en el teatro Trasnocho Cultural bajo la precisa dirección de Moises Guevara, una pulcra produccion de MJM Producciones con Javier Vidal como Diógenes, José Miguel Do y Jan Vidal Restifo en los roles de Coleguita (Ramón J. Velásquez) y Secretario (Hugo Orozco), respectivamente.
Y para que los lectores se enteren de cual ha sido nuestra colaboración en el nuevo libro de Vidal Pradas, republico aquí el artículo que publicamos el 6 de agosto en el diario Últimas Noticias, presente además en mi blog y hace ya parte de mi libro Teatro 2011/Apuntes para su historia en Venezuela, que ha ingresado a la imprenta.
Los soportes de Diógenes
Tres personajes ocupan la escena y dialogan. El secretario Hugo Orozco, el coleguita Ramón J. Velásquez y el mismo candidato presidencial Diógenes Escalante diseñan la campaña para ocupar el Palacio de Miraflores, durante el lapso 1946-1951, desde un salón del caraqueño hotel Ávila, en la mañana del 2 de septiembre de 1945.
Al día siguiente explota la tragedia: el político no puede acudir a su crucial cita con el presidente Medina, porque ve como sus camisas salen volando por la ventana de su habitación y con ellas se esfuman sus aspiraciones para ser Jefe de Estado y además la posibilidad de llevar a Venezuela hacia un auténtico experimento democrático.
Esos tres caballeros convertidos ahora en entes teatrales no son de ficción, pero sí sus diálogos, y están encarnados por Jan Vidal Restifo (22), José Miguel Dao (23) y Javier Vidal Prada (58). Protagonizan al espectáculo Diógenes y las camisas voladoras, el cual, bajo la precisa dirección de Moisés Guevara, hace temporada en Teatro Trasnocho, y permite a los espectadores palpar un suceso que alteró el rumbo de este país.
Diógenes Escalante es un personaje trágico en una situación cómica. La sencillez del tramado dramático abre el complejo tema del azar y la necesidad. La pretensión del autor-actor es el entretenimiento por encima de cualquier lección de ética, tomando en cuenta que la evasión y el divertimento son dos de los más importantes mandamientos de la deontología teatral.
Vidal Prada es, por supuesto, el teatrero del momento. Ha escrito un conmovedor teatro político y además de ser el protagonista del espectáculo da la replica a su hijo y al otro comediante, en ese ritual que recrea un suceso donde cambió algo más que la agenda política de un país en tránsito hacia una esperanza.
Sobre Vidal Prada se ha dicho todo lo bueno, pero hay que resaltar que cuenta con dos sólidos soportes para la performance global: el habilidoso Dao, signado por una inquebrantable búsqueda de sus posibilidades expresivas, adquiridas en espacios más heterogéneos del quehacer actoral, desde un marcado interés por aprehender las prácticas del clown y la improvisación, hasta un acercamiento académico a las técnicas formales de las artes, todo lo cual le ha permitido experimentar con los más diversos géneros teatrales; mientras Vidal Restifo, estudia comunicación social y anda en los avatares escénicos desde 2005, tiene ahora una responsabilidad más contundente.
Sin ellos el espectáculo no seria posible, por supuesto, y así lo asumieron, haciéndose indispensables, como fueron los personajes históricos que han revivido ahora convincentemente.
Recordamos que el descamisado político nunca recuperó la razón y falleció el 13 de noviembre de 1964, en Miami. Orozco hizo carrera diplomática y vivió hasta el 26 de octubre de 2003. Velásquez, a caballo entre el periodismo y la política, sustituyó a un corrupto Presidente de la República y ahora, con sus 95 años, no olvida lo que ocurrió en aquel hotel.

Alegría y Mapulin en Guanare

2011-09-28T14:22:00.003-04:30

Alegría y Mapulín, hermoso espectáculo musical para el disfrute de toda la familia, llevado a las tablas por el Taller Permanente de Formación actoral del Teatro Estable y la Compañía Regional de Teatro de Portuguesa, se estará presentando en Guanare, estado Portuguesa, del 30 de septiembre hasta finales de octubre, en el Complejo Teatral de Occidente “Herman Lejter”
Alegría y Mapulín son dos eternos e inseparables amigos que emprenden un largo viaje al país de Nunca Acabar. No tienen prisa por llegar, porque nunca se acaba. Además, es un país maravilloso, está lleno de teatros y de espectadores. De una inmensa vitrina llena de muñecos de trapo, sutil evocación de Zobeyda, la muñequera, se escapan estos dos personajes para vivir una aventura única e irrepetible. En su largo camino, montados en el carro maravilla, se encontrarán con la terrible e insaciable Señora de la Censura, con el Soldado que busca un general y con sus Dobles, hasta caer dormidos en el país de la Gramática donde serán rescatados por los espectadores, que guiados por el mago del Rap: Próspero, les indicarán los pasos para llegar a ese lugar, “donde la libertad es libre y prisionera al mismo tiempo”
Alegría y Mapulín, que es la única pieza teatral escrita por Carlos Giménez, es protagonizada por Edilsa Montilla y Roimber Peraza, acompañados por los alumnos del Taller Permanente de Actuación-2011 y bajo la dirección de Aníbal Grunn. Es una nueva opción para los pequeños de la casa en este regreso a clases. Una obra que no deben perderse, un espectáculo musical con las actuaciones de Karelis Salazar, Milagros Montaña, Jorge Barrios, Alex Azócar, Carlos Mendoza, Carla Arroyo, Génesis Guanay, Johan Vargas,Lucy Ojeda, Rosairis Pérez, Rosa Grisman, Isdania Maluenga.
El público infantil y también los adultos podrán disfrutar de esta obra a partir del viernes 30 de septiembre, sábado 1 y domingo 2, hasta finales de octubre a las 7:00 PM. Esta actividad teatral está auspiciada por el Ministerio del Poder Popular para la Cultura, el gobierno socialista del estado portuguesa a través de ICEP
Objetivos
Para el director Grunn, Alegría y Mapulín es un texto maravilloso, donde además de instruir, se divierte a los niños. El objetivo fundamental de la pieza: mostrar el mágico y maravilloso mundo del teatro. Jugar con las palabras y enseñarles su significado”.
“Siempre he intentado realizar una puesta en escena sencilla, pero llena de sorpresas y trucos. Algunas veces Prospero fue un mago de verdad, en otras oportunidades un superhéroe y en este ultimo montaje es como un cantante de rock, pero en versión muy teatral. Todas las herramientas del teatro están puestas a la orden del espectáculo, no para impactar, sino para sorprender y mantener la atención de los pequeños espectadores, divirtiendo a su vez a los adultos”.
“No se si realizaré alguna otra versión, pero no me niego a ello. Posiblemente sea así... el teatro, como esta obra de Carlos Giménez es eterno e infinito en sus propuestas. Alegría y Mapulín, el País de Nunca Acabar y el Libro de Cuentos Inmortales, con todos los personajes que guarda en su interior, son una tentación para cualquier director de teatro”.
Montajes
La historia de Alegría y Mapulín la cuenta ahora su director Aníbal Grunn:
- En el año 1984, Carlos Giménez, sorpresivamente me entregó un libreto escrito a máquina de una obra de teatro, en la primera página tenía una dedicatoria: “Para un colega con todo el cariño que nos une por el teatro” Y me dijo: “Léela, si te gusta podemos montarla”.
La leí, me gustó muchísimo y decidí montarla. Pensé sólo en tres actores: Elba Escobar, Aroldo Betancourt y Elio Palencia. Utilizaríamos la multimedia y Carlos Castillo, el cineasta, haría toda una película que se proyectaría sobre una pantalla de tiras blancas, por donde los personajes entrarían y saldrían de escena provocando el efecto de “linterna mágica” La idea: pasear por toda la geografía venezolana, en donde estos personajes se encontrarían con los estantes. Gisela Pérez Guzmán produciría el espectáculo. Y las canciones serían con letras de Yolanda Tarff y música de Leonardo Small.
-Junio de 1984: por primera vez el Ateneo de Caracas entra en huelga, los empleados se niegan a seguir trabajando si no se les paga. 45 días de paro, todos los proyectos se caen. El primer intento de montaje de Alegría y Mapulín desaparece.
-Marzo de 1985: Carlos Giménez, ya retirado del Ateneo de Caracas, tras el incidente conocido como “El Macondazo”, vuelve a proponerme el montaje de su obra. Esta vez, no pensé en la multimedia, era demasiado cara, pero contaba con el elenco estable de Rajatabla: Pilar Romero, Jorge Luis Morales, Cosme Cortázar, Pedro Pineda y Luís Garbán. También son por ese entonces alumnos del taller: Daniel Uribe y Nira Parra. No había canciones ni bailes. La escenografía de Rafael Reyeros, los telones pintados a mano por Cosme Cortázar y toda la utilería de Ramón Pérez Pina. La iluminación era de David Blanco Teníamos efectos especiales en vivo, sonidos, sorpresas, realizados por Vicente Tepedino y William Cavalucci. Se estrenó en la sala Anna Julia Rojas y éxito de público fue extraordinario. Recorrimos varias salas de Caracas: Cadafe, Teatro Municipal, entre otras y luego realizamos una gira muy grande por toda Venezuela.
Anécdotas
Hay varias anécdotas que aquí evoco:
-Diez años después, Pilar Romero, al frente del proyecto Teatro Nacional Juvenil de Venezuela, me pide remontar la pieza con los jóvenes integrantes del Núcleo Zulia. Se hacen las audiciones correspondientes y mi propuesta es que sea totalmente musical. Ella misma escribe las letras y Juan Marcos Blanco, compone la música. Más actores en escena, una propuesta diferente con vestuario de Máximo Capecci, diseño de luces de Alfredo Caldera y coreografías de Yasmín Villavicencio. Los actores: Eleuterio Castellanos, Laura Petit,Leonardo Velásquez, Rosa Portillo, Marcos Durán, Carlos Garzón, Robert Hernández y Mauristania Guerrero.
-Nuevamente se repite el éxito, estreno en Maracaibo, viajes Barcelona, Caracas, Maturín, Guanare. Al año siguiente se repone con el elenco del TNJ, Monagas.

Así sea o contra los matagaís

2011-09-24T21:28:00.003-04:30

Por maricón y comunista lo matan a balazos durante la madrugada del 17 de agosto de 1936, en Fuente Grande, al pie de un olivo, en el camino de Viznar a Alfacar. Es el pretexto de los fascistas franquistas, por ser el intelectual más brillante de la España Republicana y se llama Federico García Lorca. Los iraníes Mahmoud Asgari y Ayaz Marhoni, de 18 años, son ahorcados en público el 5 de julio de 2005, en Mashad, Irán, por violar a un adolescente de 13 años, pero, según los defensores de los derechos humanos, los ejecutan por ser homosexuales.
Una escusa política y otra religiosa para cegar vidas humanas, son estas algunas de las acciones dramáticas que integran la obra teatral Amén, por la cual Elvis Chaveinte, Fedora Freites, Paúl Gámez y Yuruby Soto se dejan fascinar ante la labia del director Vladimir Vera y le dan vida, dentro de sus excelentes condiciones histriónicas, a todos los patéticos personajes que crea el catalán Carlos Be para su pieza, la cual hace temporada en la sala experimental del Celarg. No les es cómodo ni fácil asumir aquellos roles porque la temática de la pieza es una severa denuncia contra la homofobia, especialmente en España, Irán y Estados Unidos, y sus personajes son, fundamentalmente, homosexuales.
García Lorca asesinado

Amén es una pieza teatral no convencional ni académica que da total libertad al director y sus actores para cuya representación sea creativa y por ende original. Nada de una primera propuesta de montaje por parte del autor Carlos Be, quien todo lo deja a la comprensión de la temática y la fuerza de las imágenes que manan de sus textos y donde todo esta conectado para resaltar como se violan los derechos fundamentales de seres humanos por su orientación sexual, como se irrespetan los deseos de los ciudadanos que conforman a las sociedades contemporáneas y como se atropellan sus libertades y, por supuesto, el inevitable deterioro de los viejos dogmas morales, sustentados a su vez en predicas hipócritas de la Iglesia Católica Apostólica Romana, que ante los inocultables escándalos pedófilos solo atinan pronunciar el mecánico “amén”, ese maquiavélico “así sea”. Fina e inteligente arenga escénica.
Carlos Be, laureado dramaturgo de la nueva generación teatral española, usa su texto para compendiar los agravios más sonados en contra de los homosexuales en los últimos tiempos: en 1936, es asesinado el reconocido poeta García Lorca; de qué manera en 1954, 5.000 personas son encarceladas en España por mostrar una orientación sexual diferente; como en 2005, en Estados Unidos de América se trata de acallar el escándalo de abuso sexual a menores de edad por parte de los clérigos de la Iglesia Católica, entre otros. Y la perla de todo ese ramillete de insultos homofóbicos es el “ajusticiamiento” de dos muchachos gays en Irán. Y para que todo aquello quede hilvanado se les integra a un bufonesco show televisivo madrileño centrado en los avatares hispanos para aprobar sus leyes gays de matrimonio y adopción. Como Venezuela no podía quedar por fuera de ese “rosario”, se usa como prólogo una grabación sobre los enemigos de los proyectos de leyes de la igualdad que la comunidad gay ha llevado ante la Asamblea Nacional.
Es un largo cuento sobre víctimas y victimarios, sobre la supuesta felicidad incluso a costa del otro, para mostrar la constante violación de los derechos humanos de los homosexuales.
Queda recordar que existe un Amén cinematográfico y es el largometraje de Costa-Gavras, exhibido desde el 2001, que plasma la complicidad de El Vaticano y varios países del mundo para tolerar que el régimen hitleriano exterminara a los judíos antes y durante la Segunda Guerra Mundial y está basada en la obra El Vicario de Rolf Hochhth.
Mapplethorpe y Caravaggio
El director Vera utiliza un espacio bifrontal para plasmar su puesta en escena de carácter hiperrealista y jugada con un vestuario irritante, por la ambigüedad de sus elementos, usando copias de fotografías del bisexual Mapplethorpe para decorarlos, y buscando con los movimientos escénicos que sus actores hicieran composiciones similares a las pinturas eróticas del gran pintor homosexual Caravaggio.
Hay, pues, una propuesta estética preciosista para mostrar el nada grato drama de Amén, el cual logra momentos sublimes por la teatralidad de las escenas sobre los iraníes, una combinación de video e histérica perorata de una defensora del exterminio de los gays o gais, y el dantesco encuentro del verdugo y el poeta antes de la ejecución. No queda duda que estamos ante un artista que ha depurado su lenguaje a lo largo de los cinco montajes exhibidos en las dos últimas temporadas.
De las actuaciones placenteramente resaltamos la laboriosa tarea de Chaveinte y Gámez en sus variados roles, para lo cual reciben apoyatura fundamental por parte de Fedora y Yuruby. Es una cuarteta de talentosos comediantes en complejos roles.
Homofobia habemos
La homofobia, conducta social generalizada en Venezuela y personalizada con el remoquete de “cazalocas” o "matagays" o "matagais", no es otra cosa que rechazo, odio, prejuicio publico, privado o solapado en diversas conductas o manifestaciones culturales, contra hombres y mujeres cuyas conductas sexuales no se ciñan a los dictados ortodoxos de las religiones y leyes. En resumen es la persecución de homosexuales o gays, bisexuales, transexuales y hasta los tan mediatizados metrosexuales, la cual puede, incluso, llegar hasta la muerte, encarcelamiento y otros daños físicos, morales o económicos, de quienes practiquen esos “vicios” que la sociedad repudia, aunque las leyes digan otra cosa. Se calcula que cada dos días una persona de conducta homosexual es asesinada en el mundo debido a actos violentos vinculados a la discriminación sexual. Aquí en Caracas, recientemente, fueron eliminados tres travestis por una organización que los explotaba. Amnistía Internacional denuncia que más de 70 países persiguen aún a los homosexuales y ocho los condenan a muerte.
Artículo 21
Las leyes no cambian fácilmente a los seres humanos pero hay que recordar que en la Constitución de la Republica Bolivariana de Venezuela, en su Artículo 21, se dice esto: “Todas las personas son iguales ante la ley; en consecuencia: No se permitirán discriminaciones fundadas en la raza, el sexo, el credo, la condición social o aquellas que, en general, tengan por objeto o por resultado anular o menoscabar el reconocimiento, goce o ejercicio en condiciones de igualdad, de los derechos y libertades de toda persona”

Los 81 de Isaac Chocrón

2011-09-24T21:23:00.002-04:30

“Guapear, Edgard, es lo que he estado haciendo durante los dos últimos años. Pero no me vayas a proponer una entrevista, tu sabes todo lo mío y puedes hacer una nota con motivo de mi 81 cumpleaños, la cual te agradezco”. Así fue el diálogo con el amigo Isaac Chocrón el pasado domingo, mientras la imprescindible Sara lo acompañaba en su residencia con algunos visitantes como Belén Lobo y Victoria de Stefano.
Nacido en Maracay, el 25 de septiembre de 1930, en un hogar sefardita, fue criado en la religión judaica y desde niño participaba en las grandes fiestas de la comunidad. Aprendió a leer fonéticamente el hebreo, porque ya tenía la chispa del teatro por dentro, para su Bar Mitzvab. Eso gustó tanto a unos judíos religiosos que le ofrecieron a su papá una beca para que el niño terminara sus estudios en Estados Unidos y de esa manera él sería el primer rabino nacido en Venezuela. “Mi papá Elías al escuchar tal propuesta, me mando a estudiar a una escuela militar estadounidense… y todo el mundo sabe lo que pasó después. Pero con el paso de los años, me he dado cuenta de que Dios para mí es como la luz de una vela o como la luz del Sol. Es una esencia, que de alguna manera me dirige y me da confianza. Creo que mi manera de comunicarme con Dios es escribiendo”.
Su periplo teatral comenzó cuando Romeo Costea, durante la temporada caraqueña de 1959, le montó Mónica y el florentino. Antes, en 1956, publicó Pasajes, su primera novela. Desde entonces no ha parado, ni sus enfermedades han podido detener su carrera de escritor de éxitos teatrales y literarios. Y ahora que festeja su 81 aniversario, conviene recordar que todas sus piezas están “envenenadas”, tienen contenidos duros o pesados para que el público los descubra, los saboree y termine aceptándolos. Ya lo hizo con Asia y el Lejano Oriente, Okey, La revolución, Mesopotamia, Escrito y sellado, El acompañante y Solimán, el magnífico, entre otras obras.
Para digerir bien su teatro, hay que recordar, como lo escribió el poeta Leonardo Padrón, que es uno de los pocos venezolanos que pudo elegir lo que iba a hacer con su vida. Escogió el teatro, quizás, porque, como dice Oscar Wilde, "es inmensamente más real que la vida". Seleccionó su manera de ejercer el amor. Renunció a una carrera académica para casarse con su propia imaginación. Uso la escritura como oxígeno de sus pulmones, pero sobre todo eligió no traicionarse jamás. Desde siempre no ha dejado de provocarnos con sus más de 20 piezas, siete novelas y sus libros de ensayos. Además enseñó, que siempre tenemos dos familias: con la que se nace, la sanguínea, y la que elegimos, a partir de la amistad y los afectos.
La vida dura con la familia sanguínea, la pasión y el amor con la familia elegida, la resistencia para seguir viviendo y la muerte, como conclusión de todo lo hecho y de lo no realizado también, han sido sus fantasmas. Y él los ha llevado a la escena. Por eso es el gran patriarca del teatro venezolano.

Caracas recordó el 9/11

2011-09-17T22:52:00.003-04:30

El pasado domingo, mientras en Estados Unidos de América y otras naciones se rendían emotivos y espectaculares homenajes a los 2977 víctimas del atentado terrorista, o conspiración, del 11 de septiembre de 2001, aquí en Caracas, veinticinco espectadores (11 hombres y 14 mujeres), además del sonidista-iluminista y su asistenta, acompañamos a las actrices Lenni Márquez y Valeria Castillo en un especial recordatorio teatral para esos muertos y ,en especial, por los cinco venezolanos que perecieron en las Torres Gemelas de Nueva York al estrellarse contra ellas sendos aviones secuestrados por extremistas o kamikases. Fue en la sala María Teresa Castillo, de la nueva sede del Ateneo de Caracas (frente a las instalaciones de Venevisión), con el espectáculo Monstruos en el closet, ogros bajo la cama, texto de Gustavo Ott puesto en escena por Consuelo Trum.
Cinco venezolanos
¿Fue atentado terrorista o conspiración de ultraderecha lo que provocó el derrumbe de las Torres Gemelas de Nueva York durante la mañana del martes 11 de septiembre de 2001, además de que otros dos aviones se estrellaron en el Pentágono y en un campo de Pensilvania?
Imposible dar ahora una respuesta convincente para tranquilizar no solo a los familiares de las casi tres mil victimas. Hay que esperar que ese trágico suceso sea aclarado lo suficiente para pasar la página y cerrar así esa trágica historiografía, donde incluso los venezolanos Howard Boulton, Jenny Low Womg, Natalie La Cruz y Eduardo y Anabel Hernández perecieron. Quedan, pues, las dudas, pero ellas se disiparán más temprano que nunca.
No es comedia
Mientras tanto, hay que recordar como la caraqueña Fundación Teatro Repico estrenó el 5 de agosto, en el Espacio Alterno del Trasnocho Cultural, a Monstruos en el closet, ogros bajo la cama de Gustavo Ott (1963), que es, como este célebre e internacional dramaturgo venezolano lo ha comentado,”una pieza sobre las víctimas y no sobre los culpables”.
Pero, por esos desgraciados avatares del teatro comercial (exige apreciable ingreso promedio de taquilla y actores con fresco rating), el montaje fue retirado el 28 de agosto antes de cumplir la programación ofrecida hasta el 2 de octubre.
Carmen Ramia, directora general del Ateneo de Caracas, metió la mano e invitó a la agrupación desalojada para que llevara su montaje a la recién inaugurada sala, la cual rescata la memoria de una ínclita luchadora por el desarrollo cultural del país, donde permanecerá hasta principios del próximo mes.
Gracias, pues, a no tener abultada taquilla ni ser “una comedia” ni tampoco exhibir “estrellas” de la TV, es que tan estremecedora pieza “voló” desde Las Mercedes hasta la colina de Los Caobos (Venevisión), no obstante hicieron 12 representaciones antes de ese imprevisto mutis.
Monstruos en el closet, ogros bajo la cama es un estremecedor homenaje sobre esas edificaciones neoyorquinas, las cuales, gracias a la magia del teatro, toman vida y con sus palabras logran revivir sus últimos y fatales momentos. La Torre Norte y la Torre Sur se convierten en narradoras de esa mañana trágica que terminó con su destrucción total. Logran sintetizar al que se sentó por última vez detrás de uno de los escritorios de las centenas de oficinas de ese complejo financiero y comercial, al pasajero del avión que llamó a sus seres queridos para despedirse, al bombero rescatista enfrentado a la muerte y a su propio sacrificio, y también al que preso de la desesperación decidió lanzarse al vacío para no morir entre las llamas.
Las Torres y todas las víctimas de ese 11 de septiembre quedarán para siempre grabadas en la historia y en nuestra memoria, gracias al talento dramatúrgico de Ott y las precisas y múltiples actuaciones de Lenni y Valeria, conducidas por la directora Trum.
Consuelo Trum dice que el autor no le hizo ninguna recomendación, hablaron acerca de la obra y que ella le comentó acerca de quiénes quería poner como Torre Norte y Torre Sur. “Él estuvo siempre pendiente pero nunca quiso meterse en mi trabajo. Sentí siempre muchísima confianza de parte de el, cosa que agradezco enormemente y me hace sentir aún más responsable porque ambos queremos decir las mismas cosas y sentimos lo mismo por este terrible suceso”.
El montaje, en un espacio rectangular, logra crear, apoyado en una pista sonora con el ruido de los aviones y unos modestos videos, una atmósfera de expectativa con trágico final anunciado, la cual conmueve al público, quien mira absorto como las Torres relatan su tragedia y a su vez personifican a las victimas. Todo ese ritual no dura 50 minutos, tiempo más que suficiente para sentir el horror de todos aquellos seres humanos condenados sin tener culpa alguna.
Es un importante espectáculo, que gracias a las correctas actrices y la controlada directora, advierte sobre el horror de toda esta civilización que si es capaz de autoinmolarse por sus desenfrenadas políticas de dominación y de insaciables mercados.
Las víctimas
Monstruos en el closet, ogros bajo la cama fue escrita por Gustavo Ott, después del 11 de septiembre de 2001, porqué él conoció a algunas de las víctimas, durante una visita que hizo a una oficina de las Torres días antes del atentado, o la conspiración, y es ahora que se le representa en Caracas y posteriormente por sendos elencos en México y Washington."Mi obra es fundamentalmente sobre el tema de las víctimas, que siempre se nos deshumanizan, quizás porque nunca las percibimos por sus atributos personales, sino a través de sus circunstancias terribles. Para mí, nada tan heroico como el abatido. Los vencedores siempre me han parecido un poco despreciables, quizás por culpables. Uno de los comentarios que oigo en Washington –y lo que me dicen desde México- es que la gente lo que quiere es hablar sobre el tema de la conspiración en el atentado; que si fue la CIA o que si Osama Bin Laden fue empleado por el Pentágono, etcétera. Pero Monstruos en el closet, ogros bajo la cama, precisamente, es una pieza sobre las víctimas, no sobre los culpables. Sin embargo, a todos los que saquen el tema de la conspiración -y sobre la autoría de los atentados- es bueno hacerles notar que la obra no trata sobre eso. Pero que, además, es ridículamente perturbador que, frente al tema de la víctima, la gente no deje de hablar sobre los culpables, con sospechosa pasión. ¿Será que esas personas no ven el tema de la víctima porque tienen un deseo irrefrenable de anunciarse como culpables?

Sin plan B

2011-09-17T22:48:00.001-04:30

Desde el 17 de junio genera polémica en los escenarios caraqueños, primero en BODCorpbanca y ahora en Premium, un nada corriente espectáculo Como vaya viniendo, donde interactúan el escritor Ibsen Martínez y el comediante Franklin Virgüez. Curiosa pareja de venezolanos que se aproximan veloces a sus primeras seis décadas de existencia, quienes vivieron lo mejor de la Cuarta República y ahora también están, como espectadores o actores, en el experimento sociopolítico que adelanta el presidente Hugo Chávez.
Como vaya viniendo, puesto en escena con pulcra corrección por Daniel Uribe, es un oportuno y súper ácido comentario teatral bien hilvanado – o benévolo panfleto, como dicen otros- sobre la actualidad sociopolítica venezolana, para lo cual el dramaturgo Martínez trasladó desde la pantalla chica, de la ahora extinguida Radio Caracas Televisión, a la escena teatral al filósofo popular Eudomar Santos, uno de los personajes más recordados de la célebre telenovela Por estas calles, producida y transmitida desde RCTV entre el 25 de junio de 1992 al 30 de agosto de 1994, que encarnaba el mismo actor Virgüez.
Otra novedad que ayuda a digerir la trama de Como vaya viniendo es que Martínez sale a escena, durante unos 30 minutos, para una especie de personalísimo prólogo donde revela como vivió aquellos años y como nació la susodicha telenovela, a la cual algunos sociólogos atribuyen la culpa de la ruina de “la dictadura” de partidos políticos democráticos que dio entrada al fuerte gobierno chavista desde 1999 por la vía electoral. El literato, además de recontar sus cuitas para sobrevivir en las décadas 80 y 90, entrevista al contemporáneo Eudomar Santos, quien además recuerda como fueron sus amores con Eloína Rangel (Gledys Ibarra), lo que hizo o no pudo concretar en los últimos años, y para reiterar, una vez más, que la viveza y la improvisación criollas (como vaya viviendo, vamos viendo) no solo nutren espectáculos, sino que también se usan en la vida cotidiana y ayudan a sobrevivir en este valle de lágrimas y un tanto de risas.
Teatralmente hablando es un sainete donde hay apoyos audiovisuales para exprimir, una vez más, la nostalgia de la audiencia y prepararla ante el discurso inconformista y de frustración del envejecido Eudomar Santos, quien perdió muchas cosas y entre ellas a su afrodescendiente Eloína y se ha ganado la vida con esfuerzos y apuros.
El espectáculo que se caldea, cual si fuese mitin político de junta vecinal, se sostiene por el delirante histrionismo de Virgüez, a quien la madurez lo ha favorecido, en lo físico y lo intelectual, y todo culmina con una arenga que estremece por la verdad y el dolor de su reiteración: no usar ningún plan B y no abandonar jamás a la patria. Y lo remata al declamar el desolador poema La balada del preso insomne de Leoncio Martínez. (Caracas, 22.12.1888/14.10.1941)
¡La ficción compite con la realidad, sin respetar fronteras porque ambas nadan en mundos de fantasía y de humor vernáculos!

La Balada del Preso Insomne
Estoy pensando en exilarme,
en irme lejos de aquí
a tierra extraña donde goce
las libertades de vivir:
sobre los fueros: hombre-humano
los derechos: hombre-civil.
Por adorar mis libertades
esclavo en cadenas caí:
aquí estoy cargado de hierros,
sucio, famélico, cerril,
enchiquerado como un puerco,
hirsuto como un puerco-espín.
Harto en el día de tinieblas
asomo fuera del cubil
bien la cabeza, bien un ojo,
bien la punta de la nariz;
temeroso de un escarmiento,
encorvado, convulso, ruin,
-como ladrón que se robase
sólo el reflejo de un rubí-
por mirar brillando en el patio
el claro sol de mi país.

¡Sol para iluminar ensueños
de vastos campos sin confín,
del cielo abierto a la esperanza
de las alas tendidas. Y
aquí alumbra torvas miserias,
venganzas crueles, odio vil
y un dolor que no acaba nunca
ante otro dolor por venir...
¡Oh la bendita tierra extraña
donde nadie sepa de mí!,
a donde llegue de atorrante
sin ambiciones de Rothschild
con la mediocre burguesía
de que me dejen existir!
Hablaré mal en otro idioma,
comeré bien otros menús,
y alguna tarde arrellanado
en mi sillón de marroquín,
viendo a través de los cristales
un cielo de invierno muy gris,
pensaré en los muertos amados,
en los amigos que perdí,
en aquella a quien quise tanto
con la vesania juvenil
de cuando iluminó mis sueños
! el claro sol de mi país !

Estoy pensando en exilarme,
me casaré con una miss
de crenchas color de mecate
y ojos de acuático zafir;
una descendiente romántica
de la muy dulce Annabel Lee,
evanescente en las caricias
y marimacho en el trajín,
y que me adore porque soy
tropical cual mono tití...
que me pregunte ingenuamente
—¡y yo no la habré de desmentir!—
cómo es cierto que en Venezuela
los coches de la gente chic
los tiran parejas de tigres,
de tigres «tamaños así...»
(y la altura de un elefante
marcará su mano pueril).
¡Qué fantasías desarrolla
el claro sol de mi país!

Mis hijos han de ser gimnastas
con el ímpetu varonil
de quien tiene libres los músculos
libres el pensar y el sentir,
pues nacerán en tierra extraña
y no en la tierra en que nací;
y mis nietos, gigantes rubios,
de cutis de cotoperiz,
bíceps y espíritus de atletas
con volubilidad infantil,
puede que sí se me parezcan,
tal vez tengan algo de mí:
la realidad de mis ensueños,
la mentira de mi sufrir.
¡Pero en vano entre sus cabellos
hundiré mi mano febril,
echaré hacia atrás sus cabezas
y buscaré, sin conseguir,
en el fondo de sus miradas
el claro sol de mi país.

Y cuando ya, siempre extranjero,
descanse más libre por fin,
y tenga lo que a mi me niegan:
la libertad del buen dormir,
en un cementerio evangélico,
cubierto por el cielo gris,
allá que no hay flores al año
sino una vez, mayo o abril,
a falta de la cruz de té,
del nardo, la rosa o el lys,
colocarán sobre mi tumba,
grabado a rasgos de buril,
un versículo de la Biblia
o algunas coronas de zinc.
Y ya muchos años más tarde,
muy cerca del año 2000,
mis nietos releyendo las fechas
de mi muerte y cuando nací,
repetirán lo que a sus padres
cien veces oyeron decir:
—¡y le darán cierta importancia!—
«el abuelo no era de aquí,
»el abuelo era un exilado,
»el abuelo era un infeliz,
»el abuelo no tuvo patria,
»no tuvo patria... ¡Y ellos sí!

¡Ay, quién sabe si para entonces,
ya cerca del año 2000,
esté alumbrando libertades
el claro sol de mi país!

Miguel Torrence:esclavo del teatro

2011-09-16T06:03:00.002-04:30

El teatrero Miguel Torrence a sus 71 años tiene recuerdos de días felices vividos y disfrutados. Quisiera haberse ganado el Premio Nacional de Teatro, que otorga el Estado, para decir que ese fue “el más feliz de mi existencia terrenal”.
-¿Pero, cuál ha sido por ahora, su día más feliz?
-Cuando ganamos, con el Teatro Universitario de Carabobo, el primer premio del Tercer Festival Internacional de Teatro de Manizales, realizado entre el 12 y el 19 de septiembre de 1970, con El proceso de Lucullus, de Bertold Brecht. Nos presentamos el 13 y convertimos la sala Los Fundadores en un mercado libre por las características de nuestro montaje, porque recreamos la pieza dentro de un contexto muy latinoamericano. Ahí participaron, entre otros Fermín González y Armando Gota. Aquello es inolvidable, de verdad.
-¿Desde cuándo en el teatro?
-Estudié en la valenciana Escuela Ramón Zapata con el maestro Eduardo Moreno y debute como actor hacia el 11 de octubre de 1960, en un espectáculo con los textos Petición de mano y El aniversario de Chejov. Me dediqué de lleno a la dramaturgia y la dirección y por eso ya contabilizo más de 300 montajes y unas 60 obras escritas.
Como puestista debutó en 1961 y reconoce que “la fecha se me ha borrado, pero no puedo olvidar que era en un espacio abierto en Naguanagua, donde hasta el Ejército tuvo que intervenir para controlar al público entusiasmado por una versión libre de la fábula La bella durmiente del bosque encantado que les mostraba”.
Torrence es clave para el desarrollo del teatro regional, ya que formó notables generaciones de comediantes, como Aroldo Betancourt, Kiddio España y Grecia Colmenares, entre otros, y logró apuntalar el Departamento de Artes Escénicas de la Universidad de Carabobo con la creación del TUC. También ha estado al frente del Compañía Regional de Teatro de Carabobo y, por si fuera poco, es el líder del Teatro Arlequín, con casi 50 años de labores, institución que desde 1993 dispone de una sala para 300 personas, un centro polivalente para las artes escénicas en la capital carabobeña.
Este artista, que ha enfrentado infortunios de toda índole, “porque los enemigos no duermen”, asegura que desde 1960 no ha dejado de teatralizar la cotidianidad y ahora espera editar un libro donde compilará sus creencias estéticas, para iniciar después así una severa revisión de todas sus piezas teatrales, antes de proceder a editarlas. “No he querido editar y después corregir. Reviso y después imprimo”.
-¿Tiene algún hechizo o formula para conservarse vital y vivir más?
-Creo que mi salud es consecuencia de mi esclavitud para con el teatro. Hasta ahora he sido sano, no tengo hechizos ni cosa parecida. No tomo licores, salvo un trago de cortesía en una reunión social. En mi casa comemos sanamente, con poca sal y sin manteca. Disfruto de los vegetales, las verduras y las frutas. El único ejercicio que hago son las caminatas matinales, durante una hora, en el Parque Metropolitano de Valencia.
-¿Cómo ha sido su relación con Últimas Noticias?
-Aquí en Valencia buscábamos con especial pasión a dos periódicos de Caracas, el de Miguel Otero y Últimas Noticias. Este tabloide fue mi gran auxiliar durante muchas décadas, creo que hasta los años 90, gracias a su Suplemento Cultural dominical, el cual fundara el periodista José Ratto Ciarlo, quien estuvo preso por defender la libertad de expresión. Tengo varias carpetas con recortes de los artículos ultimeños.
Mascota
Miguel, quinto hijo de Aracelys Estrada de Torrence y Miguel Ángel, nació en Valencia el 22 de marzo de 1940. Comenzó a trabajar a los 11 años porque tenía que ayudar a mantener su familia, sin descuidar su formación política y cultural, para lo cual tenía como padrinos a intelectuales y políticos como Evaristo y Cayetano Ramírez. “A los siete años yo era la mascota del comité carabobeño del Partido Comunista de Venezuela. Cuando crecí participé en las actividades partidistas y hasta fui guerrillero. Después me distancié por el dogmatismo, pero soy izquierdista irreductible, marxista humanista. Mi formación fue fundamentalmente autodidacta y comenzó temprano, aunque mis padres me quemaron una biblioteca porque me estaba enfermando de tanto leer. Han pasado los años y además dejo como legado mis cuatro hijos, dos nietos y un bisnieto. Los Torrence continúan”.

El juego del siglo XXI

2011-09-10T22:07:00.002-04:30

Nunca dejaremos de reseñar que la hiperkinética y pequeña hija de Rosalía Romero jamás sospechó como su obra El juego, premiada en un concurso del Ministerio de Justicia, del año 1976, tendría larga y positiva vida en los escenarios venezolanos y del mundo. Nos referimos a Mariela (Ibarra) Romero, nacida en Caracas hacia 1949, quien con experiencia y talento logró crear un estilo que la caracteriza, al reflejar, en buena parte de sus argumentos, relaciones más que temas y personajes más que situaciones.
Mariela Romero (su nombre artístico) inició su carrera artística como actriz en el grupo Bohemio, tras egresar de la Escuela de Arte Dramático del Ateneo de Caracas. Hoy es dramaturga célebre y afamada escritora de telenovelas. Entre sus piezas más reconocidas, además de El juego, cuenta con textos como Este mudo circo, El juego de los vampiros, El cáncer es curable no lo malgaste, El vendedor, Esperando al italiano, El regreso del rey Lear, Algo alrededor del espejo y El inevitable destino de Rosa de la Noche. También ha realizado numerosas adaptaciones y versiones de los clásicos, lo cual le ha permitido escudriñar los secretos de la estructura dramática.
El juego- estrenada el 23 de julio de 1976 por el director Armando Gota para el grupo Rajatabla, con la participación de la autora encarnando a una de las protagonistas de esa trama- está nuevamente en la cartelera caraqueña, específicamente en el Laboratorio Teatral Anna Julia Rojas, hasta el 25 de septiembre, en funciones de viernes y sábados a las 7pm y domingos a las 6pm. Se trata de una producción de la agrupación Horus Teatro, como parte de los festejos por su primer lustro de actividades culturales, gracias al trabajo apasionado de un valioso y trabajador puñado de universitarios, donde destaca Orlando Alfonzo.
El juego de Horus Teatro, bajo la égida de Jaime Feliu Cervi y con las actuaciones de Patricia Ramírez y Stephania Nevado, recuenta la historia de dos féminas que tienen el mismo nombre: Ana, y quienes además comparten la miseria y la represión impuesta por una figura masculina que las obliga a trabajar para él. La acción dramática se desarrolla en una habitación arruinada y donde la pareja se entrega a un juego de poderes para matar el tedio en que viven y mientras esperan al cruel amo que vendrá a regañarlas y abusar de ellas, crean situaciones, las actúan, y llegan hasta pensar que son reales. Las Anas hacen una especie de teatro dentro del mismo teatro, recurso que les permite revelar, a través de diferentes caracterizaciones, la intensidad de la relación de dependencia entre ellas.
Juzgamos que las actuaciones están en el punto exacto de esa verdad que debe brotar siempre de un escenario donde hay un texto perfecto y correctamente escenificado.
Una vez más, Mariela Romero reitera como la debilidad del oprimido radica en ser opresor de otro tan dominado como él. El juego del poder siempre tiene un perdedor y en el juego de Mariela Romero, también.

Teatro sin religión

2011-09-10T21:58:00.002-04:30

Carlos Be no estará en Caracas para el estreno mundial de su pieza Amén. Él reconoce, “sin rodeos”, que este trabajo de Vladimir Vera al frente de Teatro Forte, el cual se mostrará desde el 16 de septiembre en el Celarg, “me brinda la oportunidad irrepetible de apostatar públicamente de la religión católica, desde el único lugar que, tras todos estos años, merece todo mi respeto y mi fe: el escenario de un teatro”.
Con esta declaración, Carlos Be (Villanueva y Geltrú, 4 de noviembre de 1974, provincia de Barcelona, España) no pretende añadir nada a la obra Amén, aunque reconoce que “al mentar a la Iglesia Católica Apostólica Romana me resulta imposible evitar un desagradable regusto a hiel en la garganta. Tampoco me entretendré en justificar mi decisión, de la misma manera que nadie se entretuvo en consultarme el trámite de afiliación a este partido político. Por aquel entonces, mi asentimiento se dio por sobreentendido. Ahora, desestimando semejante arbitrio y acogiéndome a la voluntad que en su momento me fue abolida, apostato. Con esta negación quiero anular, evidenciar y delatar tal imposición”.
-¿Por qué el teatro?
-El teatro, como arte, permite avanzarnos a la realidad, tocar con las yemas de los dedos el mundo que queremos para los nuestros. Si la vida fuera tal como deseáramos, no existiría el arte. Como artista, quiero contribuir a alcanzar esta coyuntura, a pesar de ser consciente de lo implícito y paradójico de tal entelequia: el fin del arte.
-¿Cómo llega?
-Dejé los estudios universitarios de Medicina y Cirugía en el último curso de carrera para dedicarme a mi vocación real: escribir. Durante unos años escribí de todo, y aún sigo haciéndolo, aunque en menor medida. Fue la obra Noel Road 25: a genius like us, la cual, tras recibir el Premio de Teatro Caja España en el año 2001, me inclinaría hacia el teatro. El siguiente hito que consolida esta trayectoria llega con Origami, al obtener el Premio de Teatro Born en 2006 y me lleva hasta Praga, donde participo en su estreno mundial no sólo como autor, sino también como director de un maravilloso elenco de checos.
-¿Cómo enfrenta la creación?
-Con mucha motivación. No puedo escribir algo en lo que no crea.
-¿Claves para su dramaturgia?
-Motivación y verdad. El resto lo concede el tiempo a través de la disciplina y la perseverancia. Y también hay que contar con el riesgo. Oscar Wilde escribe: “Puedo resistirme a todo excepto a la tentación”. En mi caso, literalmente hablando, sería al riesgo a lo que no puedo resistirme. Y, por supuesto, no dejar de leer nunca.
-¿Cómo selecciona temáticas y estructuras?
-Siempre me coloco en los frentes de la opresión, aunque últimamente cuento con poco tiempo para seleccionar temáticas personales pues, afortunadamente, me llegan muchas ofertas para trabajar con mi estilo algunas temáticas ajenas muy interesantes y en las que me apetece mucho sumergirme de lleno.
-¿La dirección le gusta o le atrae?
-Con la Zombie Company he dirigido varias de mis obras y también como director invitado. Éste es el caso, por ejemplo, de Origami en el Teatro Ungelt. Recuerdo especialmente esta experiencia. En Praga recuperé el placer y una esperanza por el teatro que había perdido. Espero tener la oportunidad, a través de los textos y la dirección, de exportar algo de todo lo que allí aprendí.
-¿Satisfecho hasta ahora?
-Mucho. Tanto el teatro como la escritura, cuando se viven como vocación, contribuyen enormemente a la felicidad, la cual se ratifica al lograrse la comunión con el público. No hay palabras para describir lo que sucede en ese encuentro.
-¿Por qué escribe Amén?
-La hipocresía sin límite de la Iglesia Católica Apostólica Romana, el partido político que, a lo largo de la historia, ha acumulado más muertes a sus espaldas. Y el contador no cesa hasta que nosotros no lo paremos. Cierto que Amén se centra en los derechos del colectivo homosexual, pero también en la represión y la manipulación que sufrimos todos por parte de la Iglesia Católica Apostólica Romana. Si tuviéramos que devolverles todo el daño que han provocado, enloqueceríamos ante semejante visión de pesadilla. Dejen de comerciar con la capacidad de la gente para soñar. Basta ya de convertir la felicidad de la gente en dolor. La amputación para modelar a voluntad de otros no crea más que monstruos. Esa ha sido la aportación de este partido político a la humanidad: la mutilación. Basta ya.
-¿Tiene más piezas sobre esa temática?
-En Estamos abiertos a todas las familias, una pieza breve que se estrenará en octubre en un festival italiano, arremeto contra la política de Silvio Berlusconi y sus antecesores. Noel Road 25; a genius like us también aborda esta temática, aunque con un cariz distinto, desde una irreverencia absoluta.
-¿Qué hace ahora?
-Actualmente estoy escribiendo Všechno nejlepší, Phoebe Zeit-geist!, que en español se traduciría como ¡Feliz cumpleaños, Phoebe Zeit-geist! , pieza para el Instituto del Teatro de Praga que se estrenará directamente en checo a finales de esta temporada con un elenco de 12 actores. También está rodándose una serie para televisión basada en mi obra Llueven vacas, con Maribel Verdú, Víctor Clavijo, Laia Marull, Secun de la Rosa, Gloria Muñoz, Pedro Miguel Martínez y Carmen Mayordomo, entre otros actores, y dirección de Fran Arráez. En octubre, una compañía madrileña estrenará Muere, Numancia, muere, texto que podría equiparar a los actuales indignados con los numantinos de antaño; y porque la Zombie Company no sabe estarse quieta, muy pronto subiremos otro estreno a la cartelera de Madrid.
-¿Dónde quedan el cine y la televisión?
-Soy bastante heterogéneo en mis gustos. En general, no frecuento la televisión. En cine, por el contrario, admiro el arte de directores tales como Peter Greenaway, Rainer Werner Fassbinder, Michael Haneke, Alfred Hitchcock, David Lynch, Steve McQueen, Julio Medem, Agustí Villaronga, Billy Wilder y, en un capítulo aparte muy especial, Sergéi Paradzhánov.
-¿Qué conoce del teatro venezolano?
-Por desgracia muy poco y siempre a través de las compañías cuyos miembros residen o han vivido en España, como ha ocurrido con Teatro Forte o Abrapalabra Teatro.
Deterioro de viejos dogmas
La violación de los derechos fundamentales de todo individuo independientemente de su orientación sexual, el irrespeto de los deseos de los ciudadanos que conforman a las sociedades contemporáneas, el atropello de sus libertades y, por supuesto, el deterioro de viejos dogmas morales, son los temas que Teatro Forte trae a la palestra con su producción Amén, donde además revisa los agravios más sonados en contra de los homosexuales en los últimos tiempos. Para este estreno cuenta con los actores Elvis Chaveinte, Fedora Freites, Paúl Gámez y Yuruby Soto. Se exhibe en la Sala Experimental de la Celarg, a partir del 16 de septiembre, viernes y sábados: 8 PM, y domingos: 6 PM.

Si me permiten dos Luises

2011-09-03T22:00:00.003-04:30

Desde la temporada 2006 está en escena con su unipersonal No eres tú ¡Soy yo! Ahí Luis Fernández (43 años) ha mostrado y desarrollado su histrionismo para dar al variopinto público una variedad de teatro terapéutico sobre diversas facetas de la vida sentimental, además de la erótica, de hombres y mujeres. Cinco años en cartelera con consecuentes audiencias demuestran que su discurso respetuoso para todas las edades atrapa a los deseosos de conocer o ampliar su información sobre las relaciones de pareja y otras “menudencias”.
Su humor es cerebral, sin estridencias y respetando –mayúsculo detalle- todas las conductas sexuales. Así lo vimos nosotros y así ha permanecido, aderezado con los cambios que dan la experiencia escénica y el contacto de los públicos.
Y por si fuera poco está desposado con Mimi Lazo y ambos mantienen una vigorosa productora de espectáculos, la cual da empleo a muchos actrices y actores, al tiempo que entretienen a miles de espectadores con piezas como A 2,50 la cubalibre y El aplauso va por dentro.
También es puestista audaz, pero básicamente es actor intelectual que siempre mora en un escenario, como lo mostró con su memorable caracterización del maestro de ceremonias gay semita en el musical Cabaret. Edita una revista erótica y escribe finamente un blog donde aborda temas de mucha actualidad, como la crianza de un niño gay, etcétera.
Y para compartir o quitarle espectadores a Fernández, existe Luis Chataing (44 años), otro “monstruo” escénico. Laborioso artista que hizo 156 funciones, a lo largo de 18 meses y contabilizó 140 mil espectadores, con su monólogo Ahora me toca a mí, además de realizar una gira nacional, consumar varias salidas al exterior y finalmente “quemar” un DVD para quienes no pudieron disfrutarlo en vivo o para la historia.
Confieso que nunca nos atrajo Ahora me toca a mí. No obstante, la tentación de comprobar ese talento actoral capaz de atrapar a un sector del público, nos hizo aceptar la invitación de la empresaria Jorgita Rodríguez para ver Si me permiten, su nueva performance.
No nos gusta el cortometraje introductorio del espectáculo, bobísima entrevista a sus amigos notables para robarles una opinión sobre su nuevo trabajo que le consume la vida. Resulta aburrido por lo falso y por el egotismo que mana de la pantalla, capaz de espantar al más entusiasta espectador.
Lamento no haber antes evaluado Ahora me toca a mí para ponderar mucho más el nuevo show de Chataing, todo un actor capaz de hacer cualquier rol que le ofrezcan, con paciencia y memoria, quien ha escogido el camino sinuoso del humorismo.
Chataing con Si me permiten plasma su versión de los acontecimientos que rodean a los venezolanos y revela anécdotas infantiles combinadas con naturales temores humanos. Mete la uña a los politicastros pero sin cruzar la raya amarilla. Todo eso construido con irónico humor cotidiano.
Creo que es una versión criolla de Mario Moreno. Usa rostro y su cuerpo cual lo haría Cantinflas y hace reír aunque sus palabras no sean trascendentes.
¡El crítico de las mil cabezas elige entre estos Luises!

Amén por Lorca

2011-09-03T21:54:00.003-04:30

La temporada teatral caraqueña prosigue con otro espectáculo contra la homofobia. El texto Amén del catalán Carlos Be es convertido en estrujante montaje por el director Vladimir Vera y su agrupación Teatro Forte para mostrarlo desde el 16 de septiembre en la Sala 3 del Celarg.
Vladimir Vera, acompañado por sus actores Elvis Chaveinte, Fedora Freites, Paúl Gamez y Yuruby Soto, afirmaron lo que aquí publicamos.
-¿Hay homofobia en Venezuela?
-Nuestro país tiene doble moral ¿Qué si hay homofobia? Sí, la hay. Algunas veces proviene incluso de los mismos homosexuales, aquellos que evitan asumir su sexualidad, quienes extirpan su identidad en pro del qué dirán. Por eso creo que la comunidad gay debe levantarse y hacer escuchar su voz. Por desgracia, el apoyo político a la diversidad sexual, tanto de la derecha como de la izquierda, siempre ha sido tímido y pacato.
-¿Cuáles serían los orígenes de eso? ¿Hay demasiada presencia de las religiones?
-Nuestros cánones de conducta están basados en la apariencia, en tratar de manera desesperada y enfermiza de ser aceptados por el otro. No debatimos los hechos, sino que dejamos que sea otro el que piense por nosotros. La Iglesia cristiana plantea que las llamadas conductas “desviadas” son pecaminosas, plantea también una serie de consecuencias infernales para aquellos que utilicen métodos anticonceptivos, por ejemplo. Así, terminamos por dejarnos arrastrar por opiniones que no son propias, y esto puede suceder por miedo, vergüenza o sencillamente por ignorancia.
-¿Qué se puede hacer?
-Creo que este es el momento perfecto para cuestionar. Cuestionar todo. No solo las opiniones morales, sino las artísticas también. Las políticas. Las educativas. Es hora de dar una vuelta de tuerca. Para ello hacen falta estudios, investigaciones. Es el momento de ir al teatro y cuestionar lo que vemos. Es hora de escuchar los noticieros y cuestionarlos. Escuchar a la familia y cuestionarla. Escuchar la opinión de la masa y cuestionarla. Lo más importante es no dar la espalda a la realidad. Existe una diversidad sexual en Venezuela y ese es un hecho. Se trata de un sector que detenta derechos y omitirlos nos convertiría en cómplices de una intolerancia enfermiza que hay que erradicar.
-¿Sirven el teatro y el cine para algo?
-El teatro en Venezuela funge como mecanismo de evasión. Le estamos dando un espaldarazo al arte y a la necesaria denuncia. Estancados en las formas teatrales de los 70, no hemos tenido casi ningún avance desde la muerte de Carlos Giménez, en 1993.No hay riesgo. Sí hay, en cambio, pacatería escénica y exceso de moral. Soy de los que cree que el arte debe ser libre, carecer de fronteras morales, éticas o estéticas. Cuando el teatro asuma su verdadera piel y el cine deje de ser un acto de masturbación por parte de los creadores, reaparecerán los espacios de comunicación, reflexión y cuestionamiento tan necesarios en nuestro país.
-¿Por qué o para qué Amén?
-En Barcelona tuve el placer de conocer a Carlos Be, escritor de la pieza, en el marco de un encuentro de creadores teatrales venezolanos y españoles. Empecé a interesarme mucho en su obra, por lo que produje y dirigí varias lecturas dramatizadas de sus textos que no se conocían hasta entonces en Venezuela. Cuando me hizo llegar su obra Amén (inédita en las tablas), me pareció increíble y muy cercana a la realidad nacional. El montaje es un intento por hacer que la gente se reconozca como parte de esa realidad homofóbica, retrógrada. Es, una forma de exigir tolerancia y respeto ¿Qué podemos decir sobre la sexualidad? ¿Hasta dónde llegan nuestros tabúes al respecto como sociedad? Por otra parte, traer Amén a Caracas, también constituye el acto de colocar frente al espectador los abusos de la Iglesia, las torturas a los homosexuales y la persecución de que son objeto por parte de la institución religiosa.
-¿Qué de nuevo nos dice Amén?
-Nada. Solo nos recuerda lo que ya sabemos pero preferimos obviar. Es un teatro casi documental sobre situaciones extremas de intolerancia y cómo la iglesia voltea la cara ante los abusos. Amén es un recordatorio acerca de los vejámenes que se cometen desde principios de la historia. Cómo el género humano se auto-destruye. Eso en relación a su tema eje: la intolerancia. En cuanto a la forma en como está escrita, si es algo nuevo. Carlos es fraccionario, su escritura es extremadamente novedosa y recuerda a dramaturgos contemporáneos como Roland Schimmelphenning (La noche árabe) ó Guillem Clua (Marburg, la piel en llamas), quienes asumen la escritura con un riesgo necesario para el tiempo en el que vivimos.
-¿Cómo se proyecta el espectáculo?
-Con la estética que caracteriza a Teatro Forte. Actuaciones realistas que rompen con un arte kitsh. La presencia de elementos multimedia y una fuerza carga visual. El diseño de vestuario vuelve a ser asumido por Fedora Freites. Contamos por primera vez con la asesoría estética de la artista plástica Gala Garrido, la música de Jimmy Flamante y un elenco de primera línea de actores, quienes ahora me acompañan.
-¿Ha pensado en organizar algún foro o una discusión parateatral?
Esta es una obra que trata temas tabú dentro de nuestra sociedad y que deben hablarse públicamente y a la luz del día. Aunque nuestros planes son hacer estas primeras nueve presentaciones, estamos abiertos a generar un espacio donde se puedan intercambiar ideas y discutir, siempre en un clima de paz, lo que la obra plantea.
Víctimas y victimarios
La violación de los derechos fundamentales de todo individuo independientemente de su orientación sexual, el irrespeto de los deseos de los ciudadanos que conforman a las sociedades contemporáneas, el atropello de sus libertades y, por supuesto, el deterioro de los viejos dogmas morales, son los temas que Teatro Forte plantea con Amén.Ahí se hace una revisión de los agravios más sonados en contra de los homosexuales en los últimos tiempos: cómo en 1936, en Fuente Grande, al pie de un olivo, es asesinado el poeta Federico García Lorca; de qué manera en 1954, 5 mil personas son encarceladas en España por mostrar una orientación sexual diferente; por qué en 2005, Estados Unidos trata de acallar el escándalo de abuso sexual a menores de edad por parte de clérigos de la Iglesia; son algunas de las escenas que trae esta producción. Víctimas y victimarios. La felicidad incluso a costa del otro; y en el medio, una historia que refleja la constante violación de los derechos humanos de los gays.

Teatro callejero

2011-09-03T10:59:00.003-04:30

El teatro de calle ha sido, es y será una manifestación de particular importancia y trayectoria en Venezuela, afirma rotundamente Oscar Acosta, reconocido teatrero y luchador popular comprometido con los procesos de cambio.
Acosta, quien actualmente escribe para el periódico cultural Todosadentro, insiste en puntualizar que el teatro de calle venezolano es variado y rico en propuestas estéticas, y ha permanecido al margen de reconocimientos oficiales o académicos, no obstante, ”podemos decir sin riesgo a equivocarnos, que es la modalidad teatral de mayor convocatoria y son muchas las plazas, canchas, bulevares, calles e innumerables espacios donde los teatristas callejeros han recorrido, con gran compromiso y profesionalismo, ofreciendo su producción como fieles herederos de la tradición escénica de mayor arraigo en los pueblos desde la antigüedad.
Herencia de chamanes
Según el dramaturgo y director Pedro Maldonado Rojas el teatro callejero ha sorteado múltiples filtros, entre ellos los hostigamientos políticos, bien sea en democracia o en dictadura, se ha querido detener la necesidad de expresar los conflictos y sus posibles salidas como elemental derecho para una mejor forma de vivir, enriqueciendo la magia de quienes han recogido la herencia de los chamanes, el cuentero, los juglares y otros tantos hacedores de risas y llantos.”Siempre habrá al alcance de la mano un tema para la reflexión, porque al igual que los humoristas, tenemos un baúl de posibilidades argumentales para ser recopiladas y analizadas, siendo luego tejido teatral, como respuesta artística de los creadores de sueños”, puntualiza.
Subraya que los zancos, las máscaras y otros instrumentos, como tambores, flautas y panderetas, son vitales para el artista callejero, porque son diestros y habilidosos, seguros de si mismos y dispuestos siempre a besar el cielo con las locuras de sus bailes que desafían a la más trágicas de las leyes naturales: la gravedad.
Para Maie López y Crystina Martín, trabajadoras culturales comprometidas con los procesos de cambio, existen varios conceptos para un teatro que traspasa las salas y los espacios convencionales, y se dirige a plazas, parques, fábricas, comunidades, en fin, a la calle. “A partir la década de los 70 en Latinoamérica se comienza a realizar esta modalidad, llamándola, Teatro de calle, Teatro callejero y por último Teatro comunitario, esto se debe a que aborda al público de una manera directa y espontánea con sus problemáticas, con temas sociales propios, sobre todo, sin necesidad de recursos técnicos”.
Reiteran que es la calle el escenario natural donde confluyen lo cotidiano con el arte itinerante, donde los actores se mueven con soltura en un diámetro gigante de 360 grado, el cual los obliga a la constante creatividad, y sobre todo a estar informado por su público y su contexto.”En algunos países latinoamericanos por citar a Cuba, Colombia y Brasil poseen agrupaciones que apoyan, promueven y buscan alternativas para el desarrollo del teatro de calle en todo el continente, podemos mencionar: Mirón Cubano, Teatro Callejero Andante, Colectivo Luz de Luna, o Nuestra Gente. Estos grupos, entre otros, son los mayores exponentes y defensores de lo referente al futuro del Teatro Callejero”.
Comentan que en Venezuela actualmente son pocas las agrupaciones que se dedican hacer este teatro tan necesario para la transformación de un país. “Por lo que cabe destacar iniciativas como las del grupo Escambray, parte de la Misión Cultura Corazón Adentro-Misión Socialista, que además ha tenido temporada en varios espacios de Caracas. El grupo Theatron que viene realizando un trabajo permanente en las universidades, y otros espacios en la ciudad de Caracas, se ha tomado la tarea de honrar a este milenario arte y convocar a los juglares modernos, titiriteros, trovadores, a que invadan todos los espacios posibles merecidos o no, que a su vez se haga sin fines lucrativos recordando que es un factor de alta incidencia para el mejoramiento humano”.
Insisten en que el teatro de calle tiene un impacto directo dentro de lo social, en dibujar nuestro imaginario colectivo. “Una política cultural de apoyo, e iniciativas de nuestros propios creadores permitirán el establecimiento e innovación de esta práctica”.
Democratización cultural
El teatro de calle o teatro callejero es una representación escénica para mostrarse o exhibirse en espacios públicos exteriores, donde los espectadores no pagan para presenciar el espectáculo y, quienes ocasionalmente dan un aporte o colaboración económica de manera espontánea. Los espacios en los que esta actividad puede ser llevada a cabo son múltiples: plazas, calles, paseos peatonales, avenidas, bulevares, paseos públicos, centros comerciales o estacionamientos, u otros lugares de esparcimiento; normalmente lugares al aire libre de gran tránsito de personas.
El teatro de calle debe ser distinguido de otros espectáculos de exterior más formales, como los que se desarrollan en parques o jardines donde haya un espacio delimitado con audiencia de pago.
Uno de los aspectos más interesantes del teatro de calle moderno es su posición única debida al lugar sociopolítico donde se desarrolla. Gente que no podría haber asistido en su vida o no podría haberse permitido nunca asistir a un espectáculo de teatro tradicional, puede presenciar un espectáculo de calle, se puede decir que este ha evolucionado en defensa de la democratización cultural.
La intención no es lograr el tan sonado “arte al parque”; no es sacar de las salas el teatro con sus obras de siempre y ponerlo en la vía pública, sino el de construir una dramaturgia y un formato de montaje original a partir de la calle y para la calle, para un público de gente que nunca va al teatro y para ser presentado en lugares que nunca están diseñados para tal fin. No nos olvidemos que el teatro nace en la calle y de ella se ha nutrido por siglos.
La huella de Tomás Latino
El teatro de calle es la forma más antigua de teatro y en los actuales espectáculos de masas hay reminiscencias de sus orígenes callejeros, como son las ceremonias religiosas, las paradas militares y los innumerables actos folclóricos y muchos otros tipos de espectáculos. Uno de los movimientos de este tipo de teatro más interesante en América Latina, se escenifica en la colombiana Bogotá, con compañías y grupos dedicados de forma profesional, con trayectorias que superan los 35 años. Sus técnicas y formas de representación varían pero mantienen una búsqueda constante de nuevas poéticas manteniendo la tradición oral y festiva, sin descuidar la situación socio-política colombiana. Considerado como el más antiguo de todos los teatros callejeros de Colombia, “El Teatro de la Calle " de Tomás Latino desde el año 1973 compartió los escenarios callejeros con otro de los precursores de esta (en esa época) incipiente modalidad. Desde el año 1968 recorrió 33 países, divulgando y promoviendo esta actividad tan antigua y a la vez tan novedosa. En Venezuela fundó el Teatro de la Calle de Caracas para aupar esa forma de hacer teatro. Junto a Staruska, Alex Tolosa y Timoteo Zambrano, entre otros, recorrieron por cuatro años seguidos y con una programación fija y sostenida seis plazas del centro de Caracas con un repertorio de graciosas farsas medievales.

Petroleros autosuicidas

2011-08-27T21:06:00.002-04:30

Utilizar la historia real y concreta venezolana y las leyendas urbanas que pendulan entre la verdad y la fantasía para crear con todo ellas una estremecedora metáfora teatral es un método que no falla nunca o al menos genera polémicas o expectativas, las cuales incrementan la afluencia de espectadores y eso deja pingues ganancias, casi siempre, además de esas satisfacciones egotistas que no se compran ni con millones de doradas onzas troy. Pero no es fácil hacerlo ni es tampoco un cómodo crucigrama, resulta ser una tarea laboriosa y verdaderamente brillante, por lo que hay tan poco teatro con esas condiciones o virtudes. !Lamentablemente!
Eso sí lo hizo ejemplarmente José Ignacio Cabrujas para crear su ya mítica obra El día que me quieras (1979), recientemente lo demuestra habilidosamente Javier Vidal con Diógenes y las camisas voladoras y ahora, a buena hora, lo ha conseguido el escritor Ibsen Martínez (Caracas, 1950) con su texto Petroleros suicidas, estructurado con las sagas oficiales que pululan sobre el paro petrolero de 2002 y una extraoficial ola suicidios de ex empleados de Pdvsa, las cuales ha usado para elaborar una súper ficción centrada en los avatares del malandro caraqueño Alexis “Mayimbe” Esposito y otros tres malandrines (Natalia Vozniak, Cayetano Espinoza y el coronel Arroto Valera), quienes trabajaron en la empresa petrolera del conflicto, la cual se enfrentó al Poder Ejecutivo y propició que lanzaran a la calle o despidieran a unos 20 mil empleados, quienes fueron sustituidos por otros 170 mil, según datos que usa el dramaturgo.
Ibsen venezolano
Estamos reseñando, pues, una sólida, amarga y estremecedora pieza creada por este Ibsen venezolano y su alucinante montaje concebido y obtenido magistralmente por Héctor Manrique con sus actores Fabiola Colmenares, Dimas González y Luis Abreu. Todo un hiperkinético espectáculo, el cual hace temporada de jueves a domingo, en los espacios del Centro Cultural BOD/Corpbanca.
La obra se desarrolla en tiempo presente y comienza en el Aeropuerto JFK de Nueva York, durante una fecha navideña, donde accidentalmente coinciden la bella Vozniak y el arrogante Espinoza, quienes fueron esposos; ambos recuerdan lo malos y los buenos tiempos vividos, antes del paro petrolero y subrayan las fabulas urbanas sobre los suicidios de algunos ex empleados, pero ninguno comprueba la veracidad de tales rumores. Y es ahí, en la Caracas a finales del siglo XX, cuando aparece el trágico y hasta cómico marginal Mayimbe, quien se reencuentra con Espinoza, su amigo de la infancia en el velatorio de un “pana” común. Cunde la borrachera y Mayimbe se convierte en la sombra de Espinoza y se arma un tinglado de asesinato, sicariato y salvación mágica del chantajista Mayimbe, al tiempo, que el matrimonio de la Vozniak se hunde en la laguna de las infidelidades
En síntesis, no hay suicidas, pero si un asesinato, un secuestro express, y al final como telón de fondo, la rebelión de los petroleros, que desencadena una huida hacia adelante del talento profesional de miles de profesionales, especialmente de la ex pareja. Lo que queda es una frustración general, donde el único que logra su mejora o ascenso es el malandro Mayimbe (magistralmente logrado por Hernández), quien muere, al parecer accidentalmente, en un campamento petrolero, mientras el coronel Valera (finamente caracterizado por Abreu) se sumerge en el alcohol, y el sin escrúpulos triunfador Espinoza (encarnado con excelencia por Tamayo) y la cerebral y calculadora Vozniak (buena reaparición de Colmenares) rumian sus desgracias sin dejar de soñar en la pareja ideal.
Audaz propuesta
No es Petroleros suicidas una pieza más de la cartelera teatral caraqueña. Es una audaz propuesta de un puñado de venezolanos preocupados por el devenir de su país, quienes se han atrevido a ir mas allá de las lecturas básicas del texto del Ibsen vernáculo y han llegado incluso hasta propiciar una metáfora sobre el país entero, sobre un nación que se suicida o auto suicida porque hasta ahora no ha sido sembrado el petróleo, como recomendó Arturo Uslar Pietri (1936) al subrayar que en lugar de ser una maldición que haya de convertirnos en un pueblo parásito e inútil, “sea la afortunada coyuntura que permita con su súbita riqueza acelerar y fortificar la evolución productora del pueblo venezolano en condiciones excepcionales”.
Talentoso montaje
Hay, pues, mucho que deducir o leer en la simbología de los cuatro desgarrados personajes y de ese desolado escenario donde se acompañan con los informes de gestión abandonados en los estantes, una urna funeraria que a veces es barra de un quejumbroso bar, unas sillas austeras y una mesa, que son los únicos decorados y elementos escenográficos, como las huellas de una debacle que comenzó y aún no ha cesado.
Si el espectáculo es todo un mecanismo de la más suiza relojería es porque el director Manrique se puso lo patines del talento y se movió con las técnicas del distanciamiento brechtiano y el más puro hiperrealismo hasta obtener una ceremonia teatral que no deja duda alguna sobre su creatividad y su precisión para hacer que esos cuatro actores materialicen a una Venezuela en una etapa muy difícil, para no escribir otra cosa.
Recomendación
Petroleros suicidas debería llamarse Petroleros autosuicidas, aunque no deberíamos insistir en títulos que causen escozor o molestias a los seres de carne y hueso que sí vivieron y protagonizan la huelga petrolera del 2002. Creemos que deben hacer publicas sus reacciones ante lo que Ibsen Martínez les ha mostrado en la escena, están en su derecho a opinar o discrepar de la ficción -pero no se olviden de este detalle- creada por el autor y los teatreros. Están en el deber de complementar la información real que se ha usado en el teatro y hasta es posible que se escriba y se monte una segunda parte, pues Venezuela lleva 100 años como país petrolero y eso no es cualquier cosa, además de que los muertos tienen dolientes y nadie quiere irrespetar a los que se fueron.

Las Bejarano del Bicentenario

2011-08-27T21:03:00.002-04:30

El Bicentenario de la Independencia de Venezuela no tuvo por parte de los teatreros la majestuosidad que esperábamos. Faltó planificación y la entrega que esa efeméride exigía. ¿No hubo diálogo o se dio la temida y cretina automarginación?
Las razones, o las sinrazones, son baladíes, pues por encima de lo que significa ser un país soberano y en tránsito hacia otras indispensables y mejores etapas del desarrollo social, no puede haber nada, ni rencillas, ni discusiones bastardas. Cuando llegue el Tricentenario, porque Venezuela no termina en esta centuria, no pasará lo mismo, y serán otros hombres y mujeres los que asuman ese magno festejo.
Pero la honra del teatro vernáculo para este Bicentenario fue salvada por cuatro montajes, tres de ellos producidos por el Estado venezolano, a través de una triple alianza de entes oficiales, y el educativo aporte de la agrupación Kabré Teatro.
Gracias a Fundarte, Distrito Capital y Alcaldía de Caracas, se presentaron en los teatros Municipal, Nacional y Principal los espectáculos Bolívar doméstico de Roberto Azuaje, Joaquina Sánchez y Esa espiga sembrada en Carabobo de César Rengifo, dirigidos acertadamente por Adolfo Nitoli, Ibrahim Guerra y Gustavo Meléndez, respectivamente. Además merecen mención especial todos los intérpretes involucrados en esos montajes. El público disfrutó en masa de esas piezas, las cuales subrayaron, las bases de la nacionalidad.
Kabré Teatro, agrupación con casi diez años de luchas para mostrar sus producciones, tuvo el acierto de escribir, producir y presentar Las Bejarano, por ahora en la sala Rajatabla. Un sainete republicano con sabor a torta de plátano, inspirado en el cuento de Antonio Arráiz. Se trata de una valiosa, además de deliciosa, creación de Wilfredo (Trankylyno) Tortosa, que contó con la colaboración de los actores Jean Manuel Pérez, Albert Smith y Abilio Torres.
Las Bejarano es la saga de tres bellas hermanas morenas: Magdalena, Eduvigis y Belén Bejarano. Ellas estaban de moda en la Caracas de la primera década del siglo XIX. A la luz de las bujías perfumadas en las noches de baile de cotillón, eran motivo de diálogo y críticas. De sus habilidosas manos salían las delicias reposteras que surtía buena parte de la ciudad. Eran maestras en esa artesanía culinaria. Las diferentes clases sociales saborearon los productos que ellas elaboraban. Y entre cotilleos, comentarios y chanzas, ellas nos relatan los acontecimientos del 5 de julio de 1811, mientras elaboran la torta de plátano que las hizo famosas.
El espectáculo muestra al trío de damiselas, finamente encarnadas por actores, en labores cocineriles y haciendo frente a la decisión-del ya depuesto régimen español-de no permitirles usar el titulo de doñas, por no ser puras de linaje, por no ser blancas. La naciente republica venezolana les permitiría eso y muchas cosas más, poco a poco, porque las discriminaciones hispanas siguieron imperando unos años. Un montaje bastante divertido y educativo, ya que el público, al final de la representación pudo probar la exquisita torta Bejarano, cuya receta aparecía en el programa de mano.

Un humano y doméstico Bolívar

2011-08-20T16:22:00.002-04:30

Su soledad de viudo la resolvió con viajes, lecturas y rocambolescas aventuras románticas e increíbles luchas libertarias que acometió junto a otros jóvenes. Vivía en la Caracas prerevolucionaria y militó en las conspiraciones contra el imperio español hasta llegar a comandar e imponer la empresa libertadora más grande realizada en el continente americano. Era y es Simón Bolívar (Caracas, 24.07.1783/Santa Marta, 30.12. 1830).
Tras hacer una exhaustiva investigación histórica, Roberto Azuaje (Caracas, 1965) se atrevió a escribir una pieza de ficción sobre el romance y la estrujante viudez de Bolívar (desde los 19 años). Lo obtenido es Bolívar doméstico, melodrama de un acto para 70 minutos, el cual mereció el Premio César Rengifo de Fundarte. Ahí se destaca el breve romance y matrimonio de Simón con María Teresa Rodríguez del Toro, donde hay desde un risueño flirteo shakesperiano hasta la alegoría heroica, al tiempo que se subrayan las envidiosas traiciones que amargaron sus últimos años y pretendieron negarle su gloria y su grandeza,
Azuaje no se quedó en la mera saga romántica y la combina con el enojoso desengaño del Libertador por todas sus luchas, tal como lo expresa durante un histórico encuentro peripatético con el general Joaquín Posada en la lejana Popayán, en enero de 1829, cuando carujos y pancistas, además de los áulicos de Santander, conspiraban victoriosos contra la Gran Colombia.
Hay una gran audacia y además talento de este dramaturgo para proponer esas complejas situaciones en un mismo espectáculo, lo cual es logrado, perfectamente, por el director Adolfo Nitoli, apuntalado en ese ambicioso elenco que integraron Fernando Moreno y José Luis Useche (convincentes Simones Bolívares), Adriana Gavini, Giovanny García, César Bencid, Salomón Adames, Elvis Chaveinte, María Alejandra Teliz, María Brito, Argenis Cariaco y Franklin Ron. Ayudados todos por “los técnicos” precisos Alfredo Caldera (iluminación), Héctor Becerra (escenografía) y Rafael Tovar con un vestuario anacrónico para buscar una ruptura espacial e histórica y además recordar la vigencia de la historia bolivariana.
El director Nitoli, quien debutaba en tales complejos avatares de la creación escénica, resolvió muy bien las atmósferas románticas y el paseo de Bolívar por el patio de butacas del teatro Municipal, para materializar su atormentado deambular por la fría Popayán. Pero lo más impactante es el final: todos los personajes regresan a escena y ven partir a Bolívar hacia la inmortalidad de la historia, simbolizada en un ciclorama que se abre y lo arropa con una gran luz.
No nos fueron fáciles los 70 minutos del espectáculo porque conocíamos la historia real y la teatral. Sabíamos, como toda la audiencia también, de la tragedia de María Teresa y Simón y todo lo que vino después. Nuestra satisfacción antes esos breves meses de felicidad se transformó después en un nudo en la garganta al palpar la traición perenne que ha pretendido destruir su sueño de libertad e igualdad. La comedia se convirtió en tragedia.
Ahi esta,pues, Bolivar doméstico recordando la humano que era y es el héroe.

Venezuela repite su historia

2011-08-20T16:14:00.002-04:30

No es monedita de oro para que todo el mundo lo quiera. Tiene nombre propio conocido y es envidiado por unos o cuestionado por otros. Es Moisés Guevara (Caracas, 1967), director y actor de teatro, y hasta hace unas pocas semanas era el mandamás del Trasnocho Cultural. Sigue en la palestra de las polémicas porque su más reciente montaje, Diógenes y las camisas voladoras, ha recordado, una vez más, que la historia es cíclica en Venezuela.
No evalúa al teatro que se hace en Caracas y comenta que no es un purista pero si tiene presente las palabras de su compañero de trabajo José Ignacio Cabrujas: “No hable mal de su gremio, eso hablará mal de usted”. Insiste en que “somos el sistema digestivo del país al que pertenecemos, nuestro teatro de hoy intenta traducir lo que somos”.Reconoce que ha dirigido nueve espectáculos y realizado algunos ejercicios académicos y lecturas dramatizadas. Estudia en la UCV y según su “cancerbero académico”, la dramaturga Xiomara Moreno, debe culminar en el 2014. “No tengo apuro, no creo que nadie me de trabajo por tener ahora un título universitario, curso dos o tres materias por semestre, no puedo con más y me place caminar por la UCV y recordar mis tempranas conversaciones con mis maestros Ugo Ulive y Victoria De Stefano”. ¡Está muy satisfecho de lo vivido y quiere más!
Diógenes
Diógenes y las camisas voladoras es su gran apuesta para el teatro en este momento, una obra que se mueve en las fronteras de la historia y la política, es esencial y aleccionadora, conservando todos los preceptos de la deontología teatral. “Es una pieza que me explica el país donde nací y agradezco continuar entendiéndolo, porque lo amo, sin nacionalismos, me gusta El Ávila, me gusta Caracas, también me gusta París, Roma y Madrid, pero no nací ahí”.
Dice que el trabajo con los actores fue leer, leer y leer. Estudiar, estudiar y estudiar. Probar, probar y probar. “Fue una gran experiencia trabajar con el autor y actor protagónico Javier Vidal Pradas y que los dos pudiésemos entrar en sintonía con la apuesta de trabajar con actores jóvenes, como Jean Vidal Restifo (22) y José Miguel Dao (23), por demás dedicados y respetuosos del oficio. Hicimos más que ensayos, clases de historia donde los cuatro aprendimos, sinergia y dialéctica son las palabras”.

“Logramos un conclave de varones sin miedo a equivocarnos y conversando de frente. Cuando se incorpora Fernando Calzadilla, mi gran mano derecha e izquierda, con su lectura más que estética conceptual, ya no había vuelta atrás, además éramos cinco hombres dirigidos por dos grandes mujeres: la ejecutiva Carmen Jiménez y la productora Margarita Lamas. Creo que la clave es saber lo que dices, por qué y para qué lo dices, mirar al otro, poner el ego en justa medida y trabajar en función del compañero”.
“Este montaje tiene una lectura política, porque nuestro país pasó de lo rural al siglo XXI, el modernismo llegó pero no es esencia nuestra, no está incorporado a nosotros, convive con nosotros. Por ejemplo, la UCV es un icono arquitectónico del modernismo en Caracas y funciona a trancas y barrancas, como decimos nosotros, simplemente porque su arquitectura nos exige ser modernos y nos cuesta a todos poder manejarlo. Y esto no es una crítica, es asumir lo que soy, uno más que come arepas porque me gustan y se sienta en un sofá Le Corbusier porque también me gusta, y también me gustan Píritu y Boca de Uchire, nací en Mariches, el Ávila no ha cambiado desde que nací y me parece que Araya está en el culo del mundo”.
Planes
Su agenda lo lleva a sostener Diógenes y las camisas voladoras e iniciar ensayos de El día que ganó Susana Duijm de Johnny Gavlosky, su tercer montaje este año. “Hacer mi programa de radio junto a Margarita Lamas. Crear un circuito nacional de teatro, porque el teatro debe inundar en buena lid al país. Vuelvo a la actuación, por primera vez como protagonista, en Cofradía de Xiomara Moreno. Y seguir apoyando las producciones independientes”.
Abrir salas es su destino
A punto de celebrar sus 30 años de ejercicio profesional, recuerda Moisés Guevara que se inició como actor, pero las áreas más ricas de su vida son la producción, la gestión de proyectos culturales, la docencia y la dirección. “Las aventuras para abrir salas de teatro son frecuentes y en mi vida casi un destino. Actué en el Teatro Cesar Rengifo de Petare, cuando estaba recién remodelado a principios de los 80 y viví el placer de recorrerlo, antes de reabrir sus puertas, de la mano de mi abuelo que era concejal. Años después estaba en los talleres del Grupo Actoral 80 y presencié la creación del Espacio 80. En el 89, retornaba de una gira a España, era productor de La secreta obscenidad de cada día para el CELCIT y como equipaje traía la petición de grabarla como “Teatro Iberoamericano” para la Televisión Española. “No había salas disponibles y casi nadie creía en ese proyecto. Contacté a Alex Parada, quien controlaba los teatros Las Palmas y Los Ruices, el cual estaba cerrado desde hacía años; con el riesgo que siempre lo caracteriza. él me entrega las llaves de Los Ruices. Lo limpiamos, lo acondicionamos, instalamos equipos y de la mano de Guacaipuro de la Torre logramos reconectar la electricidad, llegó el equipo de TVE y presentamos tres funciones a sala llena que fueron grabadas y después presentadas en televisión, la sala no volvió a cerrarse en mucho tiempo. Nace la propuesta de grabar El día que me quieras de Cabrujas y Los Ruices se había convertido en una sala muy concurrida. Parada me ofrece Las Palmas para presentar El día que me quieras, con elenco original y bajo el slogan “11 años después”. Ahí presentamos, además, Las bicicletas son para el verano, Los hombros de América, El americano Ilustrado y ensayamos Simón de Isaac Chocrón. A finales del 91 hicimos una gira a España con los últimos tres montajes. A mi regreso ocupo la gerencia de producción de la Compañía Nacional de Teatro y había que restaurar el Teatro Nacional y resguardar todos sus activos, me tocó inventariar uno a uno todos los vestuarios y elementos del teatro. Ya en ese momento a petición de Cabrujas había mudado mis neuronas al Teatro del Paraíso, me dedique dos años a gerenciar su restauración, aprendí de todo, desde batir cemento hasta reconectar una consola de iluminación de los años 50. Fue una maravilla y montamos El pez que fuma, La casa de Bernarda Alba, Sonny, diferencias sobre Otelo el Moro de Venecia, El día que me quieras y Acto Cultural. En agosto del 99 termina la aventura del Paraíso, acababa de regresar de Brasil donde produje una exposición sobre Acto Cultural para el Espaco da Scena Latinoamericana dirigido por José Carlos Serroni. Me contacta la Universidad de Carabobo para conformar parte del equipo de restauración del Teatro de Bárbula en Valencia y me pidieron quedarme a dirigir su inauguración. Y aparece el proyecto Trasnocho, le dediqué 12 años, cambié su diseño original y lo convertí a tiempo en una sala polivalente, es mi hijo más grande. Y mi hijo pequeño y consentido es el Espacio Plural. Ya no estoy ahí, pero los hijos deben crecer”.